Garbage

Garbage se inició como una idea de tres productores musicales, llamados Butch Vig, Duke Erikson, y Steve Marker. Los tres hacían una especie de rock informal en un sótano de su ciudad, hasta que decidieron contratar como vocalista a Shirley Manson, quien provenía del grupo Angelfish, con los que sacaría un disco en 1994.

Garbage grabó su primer trabajo a finales de 1994. El primer álbum apareció en otoño de 1995 bajo el título de “Garbage“. Tras oirse a través de radios y darse a conocer en la MTV, comienzan a subir en las listas de éxitos, gracias, sobre todo, a su segundo single, “Queer”.

En 1996, Garbage consigue un disco de oro en Estados Unidos, y poco después el de platino. Sus siguientes sencillos, “Only Happy When It Rains” y “Stupid Girl”, se convirtieron también en grandes éxitos. Tras colaborar en la banda sonora de la película “Romeo & Julieta”, con el tema “#1 Crush”, su fama aumenta aún más.

Tras más de un año de duro trabajo, Garbage publica su segundo álbum, titulado “Version 2.0”. Todas las canciones del álbum están escritas por Shirley Manson, y con él consiguieron dos discos de platino. El primer sencillo de este álbum se titulaba “Push It”. “Version 2.0” asciende rápidamente en las listas de éxitos, sobre todo después de qeu algunos de sus temas sonaran como música de algún conocido spot de televisión.

En el año 2001 Garbage publica “Beautiful Garbage“, un álbum con un ligero cambio de estilo pero sin perder las raíces de sus inicios. El primer sencillo extraído de este álbum fue “Androgyny”, un tema pegadizo que estrean uno de loa álbums más comerciales de la banda.

En 2005 Garbage reaparece en la escena musical con un nuevo disco que ha tardado cuatro años en completarse. Con un primer single del disco entrando en posiciones muy altas de las listas de ventas europeas, éste promete ser uno de los mejores discos del grupo. A pesar de que los propios miembros de la banda y muchos de sus fans dieron por hecho la disolución del grupo hace aproximadamente un año, Garbage nos presenta “Bleed Like Me”, un álbum con 11 nuevos temas compuestos y producidos íntegramente por sus cuatro miembros y muestra la cara más “guitarrera” de Garbage. La intención de la banda fue acercar más el sonido de sus discos al sonido del directo, ya que los discos solían tender más hacia un sonido tecnológico. Con este nuevo disco, la banda regresa a sus orígenes: guitarras contundentes, letras incisivas y , al frente, el carisma inconfundible de su líder.

Arturo Canto Rebora
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Franz Ferdinand

La banda musical “Franz Ferdinand“, se creó en Escocia en el año 2001. Fue fundada por parte de los músicos Alex Kapranos, en los líricos, así como en teclados y guitarra, Nick McCarthy, en la guitarra rítmica, en teclados y segunda voz, Paul Thomson, en la batería y Bob Hardy en el bajo.

El nombre de la banda tiene su origen nada menos que en el archiduque austríaco Francisco Fernando (Franz Ferdinand).

Los componentes de la banda proceden de otros grupos, de los cuales se macharon por diversos motivos. Cuando se juntaron en Escocia, el proyecto principal del grupo era formar una banda de música en la cual el género principal fuese el rock y el hindi y a partir de ese momento crear otros tipos de géneros como podía ser el Art-rock.

Los miembros de la banda también consiguieron que en el año 2003 la discográfica Domino Records, firmase un acuerdo con ellos. Dicha discográfica ya se había fijado en una maqueta que el grupo había hecho, y decidió lanzarla bajo el patrocinio de su sello discográfico. Este EP se llamó “Darts of Pleasure”, y con él ganaron el premio Philip Hall Radar.

La banda se trasladó entonces, en el año 2004, a los estudios de Gula Studios en Malmö, e, Suecia, junto al mismo productor que tenía el grupo “The Cardigans”, Tore Johansson. Con él graban el sencillo “Take Me Out”, el cual obtiene un gran éxito, tanto entre la critica musical, así como entre el público y sus fans

Unos pocos meses mas tarde, y aún en este año 2004, el grupo lanza al mercado su álbum homónimo “Franz Ferdinand“, el cual consigue alcanzar el puesto número uno en ventas en ese mismo año en varios países.

La ENM, comenta sobre este primer álbum que la banda tiene el mismo empuje y tiene la misma calidad que tenían grupos tan prestigiosos como Duran Duran, The Beatles, The Rolling Stones, The Who, Roxy Music, Sex Pistols, Wire, Travis y Blur.

El álbum obtiene diferentes premios internacionales,Asi como el Premio Mercury y el Ivor Novello, ganando además un premio MTV

Durante el año 2005, los miembros del grupo regresan a sus estudios de grabación de Escocia, donde comienzan a editar y a componer su segundo álbum, al que pusieron el título de “You Could Have It So Much Better“, y que fue lanzado finalmente a principios del mes de octubre del año 2005.

Con el disco llenando ya las estanterías de todas las tiendas de música del país, la banda realiza una gira con el objetivo de presemtarlo, obteniendo un gran éxito y afluencia de público en todas partes en las que actúan, y agotándose las entradas varias semanas antes de la actuación, donde quiera que tuviese lugar..

El grupo se convierte entonces en teloneros de grupos importantes y muy conocidos, como por ejemploU2, actuando por toda Sudamérica y en el festival de Viña del Mar.

En el año 2007, la banda comienza a editar un nuevo álbum, el cual llegó al mercado en el año 2008. Dicho álbum llevaría finalmente el nombre de “Tonight: Franz Ferdinand”.

Con su nuevo álbum, el grupo realizó una nueva gira en la que potenciaron un poco más las actuaciones por Sudamérica.

En el año 2010, el líder de la banda Kampranos, anunció que estaban grabando nuevo material y que muy pronto lanzarían al mercado un nuevo álbum.

Durante un concierto en Limerick, “Franz Ferdinand“, cantó a modo de aperitivo cuatro de las canciones que serán incluidas en su nuevo trabajo, el cual se presume que será lanzado al mercado en una fecha ya muy próxima.

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Fito Páez

Fito Páez, es el nombre de guerra del cantante nacido como Rodolfo Páez. Fito Páez nació en Rosario Rosario (Argentina) el 13 de marzo de 1963. Siendo niño, su principal pasión, al igual que la de muchos chavales de su edad, era el fútbol. Además del fútbol, Fito Páez recibía clases de piano, lo que despertó su interés por artistas de la talla de Duke Ellington, Antonio Carlos Jobim, Frank Sinatra o los mismísimos Beatles, que significaron, posiblemente, el empujón definitivo que le llevó a la música.

En los ochenta, Fito Páez formó con varias bandas de su ciudad natal, para las que tocaba la guitarra en locales y fiestas. Hasta que uno de sus temas gustó en una fiesta de la universidad y le ofrecieron integrarse en la banda de Juan Carlos Baglietto. A raiz de esa oferta se le abrieron las puertas de la capital, Buenos Aires, donde comenzó a destacar como autor, arregliste y teclista.

En Buenos Aires, Fito Páez conoce a Charly García, quien un tiempo después lo invitó a colaborar en su banda. Corría el año 1983. Un año más tarde, Fito Páez graba su primer disco como solista, a la vez que compaginaba su colaboración con Charly García durante un par de años más, para pasar definitivamente a trabajar en solitario.

Ocho discos propios hasta aquí, un maxi single con la colaboración del brasileño Caetano Veloso y un doble junto a Spinetta, conforman su discografía, a la que se integra un trabajo como productor musical de álbumes de Liliana Herrero, Mercedes Sosa y Fabi Cantilo.

“Circo Beat” fue producido por Fito Páez y Phil Manzanera, y grabado en Rosario, Capri (Italia) y Londres (Inglaterra). Presentaciones multitudinarias y ventas astronómicas reafirmaron una vez más el éxito de Páez y su sorprendente capacidad compositiva.

“Euforia”, el “unplugged”, es el cuarto álbum de Fito Páez para Warner Music Argentina. Grabado en el estudio Alberto Olmedo de Telefé por el estudio móvil de Circo Beat (excepto dos temas grabados en el estudio El Pie), fue puesto a la venta en una exclusiva Opening Night el viernes 26 de julio, con una espectacular convocatoria de público, el mismo que con sus pedidos lo convirtió en doble platino antes de su lanzamiento. Tres temas nuevos se incluyen en esta bellísima obra, con la compañía de una orquesta de 25 músicos y la banda habitual de Fito. Muy pronto, “Euforia” comenzará a dar la vuelta al mundo.

Después de “Euforia”, Fito Páez ha grabado un perfecto disco con Joaquín Sabina, el famoso compositor español “Enemigos íntimos”. El dúo se tuvo que disolver por desaveniencias entre ellos.

El siguiente trabajo de Fito Páez sería “Abre”, hacía cinco años que el músico rosarino no editaba un álbum como solista, a excepción de “Euforia” Para este disco, Páez reclutó al prestigioso productor Phil Ramone y formó una banda nueva, integrada por Nicolás Ibarburu (guitarras), Guillermo Vadalá (bajo), Emmanuel Coudet (batería), Gonzalo Aloras (teclados y guitarras) y Claudio Cardone (teclados). En “Abre” Páez incluyó una sección de vientos.

El lanzamiento del álbum despertó una enorme expectativa que muy pronto se reflejó en las ventas que superaron el disco de platino. El primer corte del álbum fue “Al lado del camino”.

La rueda nunca se detiene y el 7 de agosto Fito Páez ingresó en los estudios Middle Ear de Miami para grabar un nuevo álbum. Allí se registraron las 13 canciones del álbum, titulado “Rey Sol”.

El disco sorprende con la potencia de sus canciones. Todos los temas fueron compuestos por Fito Páez y la producción fue de Fito con el prestigioso Phil Ramone y participaron en la grabación varios de los habituales colaboradores de Fito como Guillermo Vadalá, Gabriel Carámbula, y Shawn Pelton entre muchos otros. “Rey Sol” es nominado a cuatro Grammys.

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Enrique Bunbury

Enrique Bunbury, cuyo nombre verdadero es Enrique Ortiz de Landázuri Izardui, nació el 11 de agosto de 1968. Con doce años se compró su primera guitarra eléctrico y comenzó a tocar en 1980 en un grupo llamado “Apocalipsis”. Posteriormente militó en la banda “Rebel Waltz”, en la que tocaba la batería y ponía la voz.

Desde 1984 formó parte de varios grupos más, como “Proceso Entrópico”, “La Censura De Los Cuentos” o “Tres Años De Pena”.

A pesar de esta dilatada carrera y el baile de grupos, la fama de Enrique Bunbury no sería del todo reconocida hasta que en 1987 se forman los ‘Héroes del Silencio‘, junto a Juan Valdivia.

Su inconformismo y su insaciable afán de búsqueda, le llevaron a emprender largos viajes, (independientes a los obligados por sus giras con la banda), a través de su idolatrado planeta. Así, entusiasmado por sus lecturas orientalistas, visita un par de veces la India y otras tantas Nepal. Más tarde, y a través de Castaneda descubre el México profundo y la América chamánica, viajando a Chiapas, Oaxaca, Quintana Roo, Yucatán, Guatemala y Belice. Tampoco Cuba se le resiste, esta vez guiado por la magia santera. Su último gran descubrimiento (que plasma de forma sonora en su último álbum) es el mundo árabe, el oriente más próximo. Durante el último año pisa cuatro veces suelo marroquí, viaja a Túnez y recuerda su paso por Jordania.

Músico autodidacta, en todos estos viajes va adquiriendo instrumentos autóctonos. En Benarés aprende a tocar el sitar, en Marrakech la sgira bereber y en Cuba los bongos.

En 1992 Enrique Bunbury produce el CD “Sueños En Blanco Y Negro” del grupo zaragozano Las Novias. En 1993 colabora en los coros del CD “El Cielo Lo Sabe” de Distrito 14. En 1994 crea el sello independiente “A La Inversa Records”. Esta compañía discográfica editó los discos: “Todo/Nada Sigue Igual” del grupo zaragozano Las Novias (co-propietarios del sello) y el disco recopilatorio “Zaragoza Vive” con 22 bandas zaragozanas.

En 1996 edita, dirige y escribe en la revista monográfica independiente “Avalancha Magazine” y colabora en un par de libros sobre Héroes Del Silencio

Después de la ruptura de Héroes del Silencio, Enrique Bunbury empezó su carrera como solista, editando “Radical Sonora“, en 1997. Dos años después publicó “Pequeño” y en el 2000 “Pequeño Cabaret Ambulante“.

En el 2002 publica un nuevo trabajo, titulado “Flamingos“. “Flamingos” recobra el gusto por las guitarras, estrena giros a lo Bowie en el primer single, “Lady Blue”, y ahonda en la electrónica, los sonidos latinoamericanos, el rock and roll, el jazz, el honky tonk o los ritmos de Nueva Orleans. Un álbum variado y redondo de un artista víctima de una arrolladora inquietud musical.

En 2008, Enrique Bunbury publica “Hellville de Luxe“. ‘Hellville de Luxe’ el nombre de la casa-estudio que el cantante zaragozano tiene en el Puerto de Santa María, ha servido para bautizar este trabajo discográfico, tras cuatro años sin publicar material nuevo en solitario. Producido por Phil Manzanera, el disco ha sido grabado en Gerona y masterizado en Nueva York, y supone la vuelta de Bunbury al sonido rock que le convirtió en una estrella.

En 2011 Bunbury publica un doble CD recopilatorio, titulado “Gran Rex”, en el que el artista hace un largo repaso a su trayectoria musical. El álbum fue grabado durante los tres conciertos que Bunbury y los Santos Inocentes dieron en el “Gran Rex” de Buenos Aires en Noviembre de 2010, durante la gira americana de su álbum “Las Consecuencias”.

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Chicago

La banda Chicago se formó en la década de los 60, concretamente en el año 1967, en la ciudad del mismo nombre, en el estado de Illinois, en los Estados Unidos.

El grupo quedó compuesto en su origen por los músicos Lee Loughnane, el cual tocaba la trompeta, James Pankow que corría a cargo del trombón, Walter Parazaider, el cual hacia sonar el saxo y la flauta, Robert Lamm, que ponia la voz y tocaba los teclados, incluido el piano, Terry Kath que se encargaba de la guitarra y también era vocalista, Peter Cetera en el bajo y poniendo voz y Danny Seraphine, el cual estaba a cargo de la percusión.

La banda, en un principio, quería poner al grupo el nombre de “Chicago Transit Authority”, pero ello les causó diversos problemas con las autoridades de la ciudad, por lo que decidieron evitar conflictos y llamar al grupo finalmente solamente “Chicago”.

El estilo de la banda es muy peculiar, perteneciendo a un género musical el cual esta etiquetado como “Rock progresivo”, aunque también toca otros géneros, como el de “jazz rock”.

El primer álbum que lanzó al mercado la banda lo hizo con su nombre originario, es decir “The Chicago Transit Authority”. Este trabajo obtuvo un gran éxito y pasó enseguida a estar entre los 200 lugares de la “Billboard 200”, así como en el puesto 17 de las listas de ventas del Reino Unido.

Durante los siguientes años el grupo fue sacando un disco por año, con un éxito dispar en los mismos, exceptuando los que fueron publicados en los años 1973, 1974 y 1975 con el nombre de “Chicago VI”, “Chicago VII” y “Chicago VIII”, los cuales obtuvieron una buena aceptación dentro del panorama musical, hasta tal punto que consiguieron ocupar el primer lugar de la “Billboard 200”, a lo largo de dichos años.

Durante el lustro comprendido entre los años 1978 y 1983, la banda entra en una gran crisis, debido sobre todo, entre otros motivos, al hecho de que su productor “Guercio” decide abandonarles, lo cual les repercutió muy negativamente tanto en las giras como en su futuro panorama musical.

Por otra parte, el grupo sufre además un grave acontecimiento, ya que el guitarrista “Terry Kath” muere de un disparo cuando jugaba a la ruleta rusa y aunque el grupo intenta sobreponerse y contratan enseguida a un nuevo guitarrista, “Donnie Dacus”, así como a un nuevo productor, sus siguientes álbumes no obtienen un significativo éxito.

En el año 1984, con el cambio de guitarrista por “Bill Champlin” y la edición del LP al que ponen el nombre de “Chicago 17”, pareció que la banda comenzaba de nuevo a resurgir y a encontrar en camino que había perdido.

En este disco se incluyen los sencillos “Hard Habit to break” y “You’re the inspiration”, los cuales se iban a convertir en todo un referente de la banda para otros grupos musicales que irían surgiendo poco tiempo después.

Durante los años siguientes, el grupo realiza diversos cambios, como el efectuado en la persona de su cantante principal, el cual es sustituido por “Jason Scheff”. Éste, ya desde los primeros momentos, se adapta perfectamente a la filosofía del grupo.

A principios de la década de los 90, la banda sigue realizando cambios entre sus componentes, y Danny Seraphine, que estaba a cargo de la percusión, dejaría su `puesto al músico Tris Imboden.

Hacia la mitad de esa década, el grupo consigue incorporar en sus filas a un gran guitarrista, una incorporación que estaban buscando desde ya hacia un tiempo. Se trataba de Keith Howland.

A medida que se van cambiando los componentes del grupo musical, éste no deja de lanzar y editar nuevos LPs, los cuales tienen un discreto éxito en las principales listas musicales.

Fue ya en el año 2002, cuando la banda saca un espectacular álbum. Se trataba del conocido con el nombre de “The Very Best Of: Only The Beginning”, el cual consiguió estar en los principales puestos y listas musicales.

En el año 2013, se ediuta un nuevo LP, el cual recibió el nombre de “The Nashville Sessions”.

La banda ha tocado muchas veces junto a otros músicos conocidos, como es el caso de “Blood”, “Sweat & Tears”, “Chase” o “Lighthouse”, entre otros.

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Duncan Dhu

Duncan Dhu surgió como grupo en San Sebastián en 1984, cuando tres amigos que tocan juntos, Mikel Erentxun, Diego Vasallo y Juan Ramón Viles, deciden crar canciones con un estilo pop-rock cercano al folk y lejos del rock radical que imperaba en aquella época.

La primera canción de Duncan Dhu fue ‘Casablanca’, que formaba parte de un pequeño disco de seis canciones titulado ‘Por tierras escocesas‘. Con este disco se comienzan a dar a conocer en el mundillo musical y consiguen su primer contrato.

El primer álbum serio de Duncan Dhu fue ‘Canciones‘, con el que consiguen numerosos números uno, con temas como ‘Cien gaviotas’, ‘Esos ojos negros’ o ‘No puedo evitar pensar en ti’. A partir de ese momento, la popularidad del grupo crece enormemente y comienzan a realizar giras y actuaciones por toda España.

En 1988 Duncan Dhu publica ‘El grito del tiempo‘, con su tema estrella ‘Una calle de París’ o ‘En algún lugar’. Es en este momento cuando surgen fuertes desavenencias en el grupo y Juan Ramón decide abandonar la formación, con lo que Duncan Dhu se convierte en dúo.

En 1989 editan un recopilatorio con las caras B de sus singles, ‘Grabaciones olvidadas‘, que precede a un nuevo trabajo de estudio, ‘Autobiografía‘, un doble LP con treinta temas que componen la esencia de Duncan Dhu.

En 1991 publican ‘Supernova‘, una incursión en un estilo de música un tanto más bailable. Paralelamente, se van desarrollando los trabajos en solitario de los dos componentes de Duncan Dhu, Mikel Erentxun y Diego Vasallo. Por un lado, Diego se entrega a Cabaret Pop, debutando como solista, al igual que Mikel.

A pesar de los rumores de separación, se unen de nuevo para entregarnos un nuevo disco, titulado ‘Piedras‘, de 1994. Un año después graban un disco en directo en San Sebastián, titulado ‘Teatro Victoria Eugenia‘.

En 1998 publican un nuevo recopilatorio titulado ‘Colección 1985-1998‘, aunque ya cada vez colaboran menos juntos. Las carreras en solitario, tanto de Mikel Erentxun como de Diego Vasallo, continúan adelante, con éxito reconocido.

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El sueño de Morfeo

El sueño de Morfeo es un grupo compuesto por Raquel del Rosario (voz), Juan Luis Suárez y David Feito (guitarra), quienes desde Asturias llevan algunos años trabajando juntos y elaborando canciones de sólidas estructuras pop-rock aderezadas con fuertes aromas folk, apoyados en la llamativa voz de Raquel.

Originariamente, Juan Luis y David llevaban un tiempo componiendo y tocando juntos en diversos grupos en su Asturias natal. A ellos se les unió la jovencísima Raquel, que con apenas 18 años abandonó las islas Canarias para probar suerte en Asturias. Juntos formaron El sueño de Morfeo. Con el apoyo de otros instrumentos entre los que se encuentra la gaita, lo que le da un sello muy personal, sus temas enlazan una base rock, delicadeza en los arreglos musicales y unas hermosas melodías vocales.

Con su primer tema, “Nunca volverá”, empezaron a sonar en todas las emisoras del país y El sueño de Morfeo adquirió muy pronto cierta popularidad, sobre todo a raiz de aparecer en la serie de televisión “Los Serrano”.

El sueño de Morfeo posee una manera especial de componer y arreglar sus propios temas, ensamblando concienzudamente la voz de Raquel con la fuerza de un grupo rockero, hasta conseguir un atractivo sonido que no nos deja indiferentes tras escucharlos.

El primer álbum de El suño de Morfeo se titula, precisamente, como el grupo. “El sueño de Morfeo” es un trabajo elaborado de forma muy personal por los integrantes del grupo. Las canciones han sido compuestas por ellos mismos, y son interpretadas de manera que lleguen directamente a su público.

En 2007 El sueño de Morfeo publica su segundo álbum, titulado “Nos vemos en el camino”, 13 temas más 1 bonus track llenos de rock urgente y melodías pegadizas, sin perder la personalidad del grupo que sigue utilizando instrumentos celtas como la gaita.

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El Canto Del Loco

El Canto del Loco surgió en Madrid cuando los fundadores del grupo, que son Iván y Dani Martín, se conocieron en 1994 en una escuela de teatro. Ambos compartían afición musical y pasión por Radio Futura, de cuya canción El canto del gallo sacaron el nombre del grupo, haciendo un juego de palabras.

Después de varios intentos para crear una formación, ficharon a David, primo de Dani. Y nuevamente fue él quien en una cumbre flamenca a la que asistió con sus padres conoció a Jandro, batería y cuarto componente del grupo. Tiempo más tarde se sumó Chema, compañero de facultad de Dani.

Entonces, El canto del loco ya eran cinco, por lo tanto ya se consideraban un grupo. Poco después conocieron al Dj y productor Pedro del Moral quien les puso en contacto con la compañía discográfica BMG Ariola, a la que entregaron una maqueta.

2000 El Canto del Loco, álbum debut

No pasó mucho tiempo hasta que firmaron un contrato para grabar su disco debút: “El canto del loco“. “El Canto del Loco” es el primer álbum de la banda y cuenta con la producción de Alejo Stivel (ex Tequila y productor de Joaquín Sabina, La Oreja de Van Gogh y M-Clan, entre otros) que había escuchado su maqueta en el MIDEM.

Este primer disco lo forman 11 temas, entre los que se encuentra una particular versión del tema Vivir así es morir de amor de Camilo Sesto. Como primer sencillo se editó Pequeñita, un tema emblemático para el grupo, que lo compuso ya en los primeros ensayos antes de que se formalizase siquiera el grupo.

2002 A Contracorriente

Su segundo álbum lleva por título “A Contracorriente“. Un esperado trabajo en el que se percibe claramente la gran evolución de la banda en todos los sentimientos. 12 buenas canciones entre las que incluye una versión del clásico ‘Crash’ del grupo The Primitives y una colaboración especial de Amaia Montero, la cantante de La Oreja de Van Gohg en uno de los temas.

2003 Estados de ánimo

En 2003 publican un nuevo álbum, titulado “Estados de ánimo“. Se trata del tercer trabajo en estudio de este grupo madrileño, cuyo primer corte promocional fue “La Madre de José”

2005 Zapatillas

En junio del 2005 aparece “Zapatillas“, el cuarto disco de estudio y el sexto en la discografía de El canto del loco, y refleja el espíritu de los conciertos en directo. Contiene 13 nuevas canciones y el DVD ofrece 15 temas grabados en el local de ensayo. “Son maquetas con imágenes”, dice Dani Martín, cantante de la banda madrileña. De estas 15 canciones incluídas en el DVD, 13 son las que aparecen en el CD. Como extras hay una improvisación del grupo en el local de ensayo y una canción que no se ha incluído en el álbum.

El primer single del álbum es la canción que le da título, Zapatillas. Las 13 nuevas canciones están producidas por Nigel Walker, compuestas por Dani Martín y David Otero, cantante y guitarrista del grupo, y pulidas por Chema Ruiz y Jandro Velázquez, bajista y batería que completan el cuarteto. “Zapatillas es un disco grabado en estudio pero con espíritu de directo”, dice Dani Martín. “Cuatro personas tocando y pocos arreglos. El Canto del Loco ha evolucionado gracias a los directos y hemos querido reflejarlo en el álbum”.

Uno de los temas que forman parte del disco es Despiértame, canción compuesta por David Otero cuyos beneficios van destinados a los afectados por el tsunami asiático.

2008 Personas

En 2008 El Canto del Loco publica “Personas“, el disco con más corazón de El Canto del Loco y su trabajo más personal, que representa un punto de de inflexión en sus ocho años de carrera.

“Personas” podría dividirse en dos partes bien diferenciadas. Las ocho primeras canciones ofrecen una visión de El Canto del Loco sobre el mundo y la sociedad que le rodea, mientras las cinco restantes recorren sentimientos individuales de amor, de agradecimiento o de rabia. Son los dos brazos de una balanza equilibrada por 13 canciones de un grupo inquieto, en busca de su madurez, consciente del paso del tiempo, que se niega a perder la memoria pero que asume el momento en el que vive.

A finales de 2008 aparece “De personas a personas”, una edición limitada, en formato especial (de tamaño similar a un vinilo de 30×30 cm) de su álbum “Personas”, algo más que una reedición. “De personas a personas” añade a las 13 canciones originales del álbum “Personas” seis nuevas canciones y, además, un DVD con gran cantidad de material inédito.

2009 Radio Colifata y Por mi y por todos mis compañeros

En 2009 El Canto del Loco publica dos trabajos: ‘Radio La Colifata presenta: El Canto del Loco‘ contiene 19 grandes éxitos de la banda grabados en Buenos Aires más una canción inédita titulada ‘Quiero aprender de ti’ más un DVD con nuevos vídeoclips.

Por otro lado, ECDL publica ‘Por mí y por todos mis compañeros‘, un ambicioso proyecto que contiene 11 canciones emblemáticas de la música española que la banda ha grabado, arreglado y producido. Incluyen temas de de Smash, Piratas, Quique González, Enrique Urquijo, Los Ronaldos o Joan Manuel Serrat entre otros. También se incluye un DVD titulado ‘Y por mí el primero’, que contiene una grabación de los ensayos en camerinos de El Canto del Loco.

Arturo Canto Rebora
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Elvis Presley

Elvis Presley, cuyo nombre completo era Elvis Aaron Presley, nació el 8 de enero de 1935 en Tupelo, una pequeña ciudad del estado de Mississipi. Sus padres se llamaban Vernon y Gladys Presley y, junto a Elvis, esperaban un segundo hijo gemelo que nació muerto, por lo que Elvis quedó como único hijo.

Para su undécimo cumpleaños, sus padres le compraron una guitarra. Con la ayuda de su tío Johnny y del pastor Frank Smith, de la iglesia donde acudía con sus padres, Elvis aprendió algunos acordes básicos, aunque a él le gustaba más cantar y perfeccionar su voz.

En sexto curso de primaria ingresó en la escuela Milam, donde comenzó a mostrarse como un niño marginado. Allí comenzó a acudir con su guitarra, tocando y cantando canciones en la hora del recreo y mostrando lo que ya era una pasión musical. Con doce años, un amigo le llevó a la emisora de radio de Tupelo donde trabajaba el hermano mayor. Este le propuso que hiciera dos presentaciones musicales, y en el segundo intento salió bastante airoso.

Elvis en Memphis

En 1948 Elvis y sus padres se trasladan a Memphis, en Tennessee, donde Elvis se gradúa en la Escuela Secundaria Humes en 1953. Allí su vida se vio influencia por el ambiente musical que se vivía en la ciudad, desde el gospel de la iglesia hasta el pop, el country o el R&B que se escuchaba por las calles.

Poco después de graduarse en junio de 1953, Elvis comenzó a explorar las posibilidades de cantar profesionalmente. En agosto entró en las oficinas de la discográfica local Sun Records para grabar un sencillo autoproducido, con dos temas, “My Happiness” y “That’s When Your Heartaches Begin”. Según comentó, la idea era regalárselo a su madre. En enero de 1954 grabó un segundo sencillo con las canciones “I’ll Never Stand In Your Way” y “It Wouldn’t Be the Same Without You”, aunque no terminó de despuntar.

Poco después realizó unas audiciones para entrar en el cuarteto vocal “The Songfellows”, aunque finalmente no fue aceptado. En cambio comenzó a trabajar como camionero para ganarse un dinero.

En 1954, junto al guitarrista Scotty Moore y el bajo Bill Black, graban una maqueta con dos canciones: el tema de Bill Monroe “Blue Moon of Kentucky” y “That’s All Right”, un blues de 1946 de Arthur Crudup.Fue suficiente para que Elvis decidiera que su futuro estaba en la música. A partir de ese momento graban varios discos más y se dedican a hacer actuaciones en directo en pequeños locales. La fuerza de las interpretaciones de Elvis suponen un gran éxito entre las veinteañeras de la ciudad.

Primer contrato

En 1955 el mánager Tom Parker le ofreció a Elvis sus servicios como representante artístico. Elvis aceptó y se pusieron a trabajar juntos. Ese mismo año, Parker consiguió para el cantante un contrato con la RCA que incluía su lanzamiento a nivel nacional.

Para entonces ya comenzaba a ser una sensación. Con un sonido y un estilo que combina de forma única sus diversas influencias musicales desafió las barreras sociales y raciales de la época y marcó el comienzo de una nueva era de la música americana y la cultura popular.

En 1956 Elvis Presley acude a Nashville, capital del country, para trabajar y aprender de los mejores músicos del momento. De allí nació su primer número uno, ‘Heartbreak Hotel. Ese mismo año rueda su primera película para el cine, ‘Love me tender’.

Elvis Presley fue influido por las baladas populares y la música country de su época, así como por lo que escuchaba en la iglesia y en las reuniones evangélicas que frecuentaba en su juventud. También jugó un papel importante en su formación el rhythm and blues que solía escuchar en la histórica calle Beale de Memphis cuando era adolescente.

El sonido creado por Elvis justo antes de irrumpir en el mundo musical a gran escala, fue realmente revolucionario. En sus primeras presentaciones, Elvis agregó elementos de rhythm and blues a la música country y viceversa, combinando así géneros musicales que hasta entonces habían permanecido separados. Aunque fue criticado por esto, con esa experimentación abrió el camino para la llegada del rock & roll.

En 1957, las giras que realiza por todo el país acrecientan su fama y su poder de seducción entre el público femenino aumenta sin cesar. Millones de jovencitas americanas están enamoradas de ese cantante capaz de cantar baladas y bailar salvajemente.

En 1958 se va a Alemania a cumplir el servicio militar. Para entonces ya está considerado como el Rey del Rock & Roll.

En la década de los sesenta interpreta infinidad de películas, la mayoría sin mucha calidad, aparte de la sola presencia del mito. Mientras tanto, su vida anda por las nubes. Se construye un enorme palacio en Memphis llamado ‘Graceland‘ y se casa con Priscilla Beaulie, con quien tuvo su primera hika, Lisa Marie. Su fama va decayendo poco a poco.

Por sorpresa, en 1968, Elvis reaparece en televisión y nuevamente es relanzado hacia la cima. Retorna a los escenarios para ofrecer conciertos y actúa en Las Vegas.

A pesar de todo, sus últimos años fueron un tanto grises. Su salud se deteriora y el abuso de las drogas y las pastillas hacen mella en él. Su obesidad llega a extremos patéticos y su imagen resulta lamentable para sus fans, que desearían verle como antes.

Finalmente, el 16 de agosto de 1977 Elvis fallecía en Graceland, siendo enterrado en el jardín de la casa. Este es el lugar de culto al que acuden cada año miles de seguidores de Elvis Presley.

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Arctic Monkeys

En el barrio de Sheffield , en el Reino Unido, durante las Navidades del año 2001, se comenzó a formar el grupo Arctic Monkeys. La creación de dicho grupo vino como consecuencia de los regalos de unos instrumentos musicales que recibieron Alex Turner y Jamie Cook.

En aquel momento, estos miembros de la futura banda, comenzaron a pensar que debían de formar un grupo musical, por lo que llamaron a Andy Nicholson y Matt Helders, unos amigos de la escuela, para que formaran parte del mismo, tocando el bajo y la batería respectivamente.

En lo que se refiere al estilo musical de la banda, ésta ha tomado referencia de otros grupos como por ejemplo The Jam, The Strokes, Oasis o The Sminths, así como también referencias de cantantes comoJohn Lennon o John Cooper entre otros.

El género musical de la banda va variando, según publican un EP, un single o un álbum, yendo su estilo desde el indie, ya bien sea pop o rock hasta el rock, alternativo o garage rock.

En el año 2003, el grupo comenzó a grabar numerosas demos y maquetas, con las que poco a poco conseguirían realizar actuaciones en diversos locales.

A mediados de ese mismo año, actuaron por primera vez en The Grapes en Sheffield, donde realizaron un buen concierto.

A partir de ese mismo momento la banda comenzó a grabar CDs, los cuales vendían sus propios miembros durante los conciertos y actuaciones.

La popularidad de la banda les llegó de imprevisto, ya que eran los propios fans los que colgaban las canciones de Arctic Monkeys en el portal MySpace, obteniendo un éxito arrollador de descargas.

Durante un concierto que el grupo musical realizó en el norte de Inglaterra, un periodista de la BBC realizó un documental sobre ellos, con entrevistas y emitiendo sus actuaciones, reportaje que fue publicado en Internet varias semanas después.

Esto significó para la banda el poder publicar su primer EP, “Five minutes with Arctic Monkeys”.

Poco después, el grupo firmó por una compañía discográfica, Domino Records, con la que comenzaron a ser muy famosos en el Reino Unido.

Comenzaron entonces a editar lo que seria su primer álbum, el cual llevó el título de “Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not”, y fue lanzado a finales de enero del 2006.

El álbum tuvo muy buena aceptación y buena prensa por parte de la crítica musical. Sólo en su primera semana después de ser lanzado dicho álbum alcanzó más de 350.000 de ventas en el Reino Unido. Aproximadamente un mes más tarde, el álbum fue lanzado en los Estados Unidos, consiguiendo más de 300.000 unidades vendidas en su primera semana.

Arctic Monkeys ha ido lanzando varios álbumes más hasta que, en el año 2007, lanzó el que llevaría el título de “Favourite Worst Nightmare”, con el que comenzaron a conseguir diversos premios de reconocimiento, como por ejemplo el Brit Awards de 2008 a la Mejor Banda Británica o el Mercury Prize, también con el mismo galardón.

En el año 2011, lanzan al mercado el que sería su cuarto álbum “Suck It and See”, el cual ha tenido mucha controversia, sobre todo en los Estados Unidos, debido a que, según los censores, tanto el video como las letras incitaban a actos lascivos, por lo que prohibieron la carátula del CD en ese país.

De todas formas, y pese a la oposición, el CD consiguió un buen éxito de ventas a lo largo de todo el país.

Con este disco, el grupo musical realizó una gira musical por todo el mundo, siendo uno de los lugares en los que actuaron en Benicassim, en la provincia de Castellón, España.

El grupo musical, a través de su página Web, anunció en febrero del 2012, el lanzamiento de su single “R U Mine?”, que prsentaron a través de una gira por los Estados Unidos.

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