Queen

Aparecieron en escena a comienzos de los años setenta, con un estilo musical propio, una combinación entre el sonido de Led Zeppelin y el glam-rock enriquecida con esmeradísinnas armonías vocales y melodías pegadizas. Los orígenes de Queen se remontan a un grupo llamado Smile, fundado a finales de los años sesenta por el guitarrista Brian May (nacido el 19 de julio de 1947), el batería Roger Meddows-Taylor (nacido el 26 de julio de 1949) y el cantante y bajista Tim Staffel, todos ellos estudiantes del London Imperial College. El fracaso de su primer single, ‘Earth’, causó el abandono de la formación por parte de Staffel y su sustitución por Frederick Bulsara (nacido el 25 de septiembre de 1946 en Zanzíbar), cuyo nombre artístico era Freddie Mercury. Fue precisamente Freddie quien sugirió cambiar el nombre del grupo por Queen.

Tras reclutar al bajista John Deacon (nacido el 19 de agosto de 1951), estudiante del Chelsea College, Taylor, May, Mercury y el propio John empezaron a ensayar material nuevo. En febrero de 1971 la formación se había consolidado, pero Queen, en vez de meterse en la habitual rutina de conciertos en los pubs y en los clubes, prefirieron continuar sus estudios (May obtuvo la licenciatura en astronomía, Deacon en electrónica, Taylor en biología y Mercury en diseño) y concentrarse en la composición de temas nuevos y en el perfeccionamiento de su repertorio.

En 1972 la banda consiguió firmar un contrato discográfico, tras haber grabado algunas cintas de prueba en los De Lane Lea Studios, gracias al interés de los especialistas de sonido Roy Thomas Baker y John Anthony. Una pequeña compañía de producción, Trident, financió, con un bajísimo presupuesto, la grabación de su primer álbum, ‘Queen’: un trabajo lo suficientemente prometedor como para permitirles obtener un nuevo contrato, esta vez con EMI Records.

La compañía discográfica se embarcó en una campaña publicitaria costosa pero mal coordinada; la publicación del álbum se postergó muchas veces, y todo ello hizo que Queen fueran considerados como un grupo “prefabricado” por la promoción discográfica y falto de calidad. El álbum y el single que se extrajo de él, ‘Keep yourself alive’, no entraron en las listas de éxitos, pero algunas apariciones televisivas y su participación como teloneros en a gira inglesa de 1973 de Mott The Hoople sentaron las bases de su popularidad.

EI segundo álbum, ‘Queen II’, publicado en marzo de 1974, coincidiendo con su primera gira como cabezas de cartel, entró en el Top Ten británico, al igual que el single extraído del mismo álbum, ‘Seven seas of rye’. ‘Queen II’ sacó a la luz el papel de Mercury, que había compuesto todos los temas del lado “negro” del disco, y el de May, que había firmado todos los del lado “blanco”; pero, en un futuro inmediato, también Deacon y Taylor contribuirían activamente a la ampliación del repertorio del grupo (Deacon, en particular, fue el autor de ‘Another one bites the dust’, uno de los mayores éxitos internacionales de la banda), garantizando a Queen una variedad estilística muy positiva.

En mayo de 1974 la banda partió para su primera gira por Estados Unidos, también como teloneros de Mott The Hoople. Roto el compromiso porque Brian May enfermó de hepatitis, poco después agravada por una úlcera, el grupo aprovechó el período de inactividad forzosa para componer y grabar las canciones del tercer álbum, ‘Sheer heart attack’. Publicado a finales de 1974, el disco es tan rico en ideas que acalló incluso a sus más furibundos detractores. El single ‘Killer Queen’ se convirtió en un éxito en medio mundo, llegando hasta el número dos de las listas de éxitos inglesas, y ganando también un “Ivor Novello Award” como mejor canción de 1975.

En ese mismo año Queen grabaron su disco más ambicioso, ‘A night at the opera’, definido como “el proyecto discográfico más costoso jamás realizado”. Cuatro meses en los estudios de grabación (en siete estudios diferentes) y 35.000 libras esterlinas de coste (récord superado con creces por ellos mismos en 1980 con ‘The game’, con un presupuesto total de 100.000 libras esterlinas por once meses de grabación). El álbum y el single que lo anticipa, ‘Bohemian rhapsody’, fueron el detonante del éxito internacional del grupo. ‘Bohemian rhapsody’ es un tema extraordinario: pomposidad barroca, una introducción en clave de balada acústica seguida por una secuencia en estilo pseudooperístico y un arrollador final heavy metal a lo Black Sabbath; un tema histórico en la tradición de ‘McArthur Park’, de Richard Harris, después continuada por John Miles (‘Music’) y por Ultravox (‘Vienna’).

El single permaneció en cabeza de las listas inglesas durante nueve semanas, mientras que el album se instalo por largo tiempo en las listas de exitos. En la nochebuena de 1975 actuaron en el Hammersmith Odeon, y el concierto fue transmitido en directo por la BBC. A comienzos de 1976 el grupo era tan popular que toda su discografía, cuatro álbumes, estaba en el Top 30, incluido su primer álbum, ‘Queen’. En este período rescindieron su contrato con la agencia Trident, con el manager Jack Nelson y con el productor Roy Thomas Baker. La separación no fue muy “amistosa” (a Nelson le llamaban “tiburón” en una canción dedicada a él, ‘Death on two legs’). El siguiente álbum, ‘A day at the races’, fue producido por ellos mismos; el nuevo manager era John Reid.

En los primeros meses de 1976 la bandal realizó una gira por Estados Unidos, Japón y Australia. Sus conciertos, muy espectaculares, les hicieron aún más famosos: humo, luces y explosiones potenciaban su show en directo. Durante la gira de 1977 (año del Jubileo de la reina de Inglaterra) una corona enorme, de dos toneladas y media de peso, aparecía suspendida sobre el escenario al inicio y al final del espectáculo, mientras sonaban las notas del himno nacional inglés. Pero el componente fundamental de los conciertos de Queen era la extraordinaria presencia escénica de Freddie Mercury. Mientras Deacon y Taylor se encargaban de mantener una sección rítmica potente y nítida, y Brian May sólo se destacaba para realizar sus largos y virtuosos solos de guitarra, Mercury se convertía en un auténtico “showman”, con sus poses atléticas, sus pasos de baile, sus continuos cambios de vestimenta y su comportamiento exhibicionista. “Siempre he sabido ser una estrella” (ha declarado Mercury) “y por fin el mundo se ha dado cuenta”.

En la época de la explosión del punk rock, en 1977, Queen encarnaban a la perfección todo lo que el nuevo movimiento despreciaba. Atacado también por la prensa musical, el grupo adoptó una actitud de silencio frente a la prensa. Pero cabe resaltar que el álbum de 1977, ‘News of the world’, saca a la luz una dura agresividad, ausente en los anteriores trabajos. Más tarde, Brian May comentó: “En los álbumes anteriores habíamos trabajado siempre sobre las estructuras rítmicas de base. El fin era alcanzar la perfección. En este nuevo disco, por el contrario, queríamos recuperar la espontaneidad”. Los ataques del movimiento punk no afectaron su trayectoria: el grupo publicó álbumes tranquilos como ‘Jazz’ (1978), el doble en directo ‘Queen live killers’ (1979) y ‘The game’ (1980).

Los dos singles de mayor éxito de este período demostraron la habilidad de la banda inglesa para afrontar estilos y géneros diferentes: ‘Crazy little thing called love’ es un rockabilly al estilo años cincuenta, ‘Another one bites the dust’ es un episodio disco funk típico de los años ochenta. En 1980 compusieron e interpretaron la banda sonora de ‘Flash Gordon’. En 1981 el grupo fue la primera banda de nivel internacional que emprendió una larga gira por Suramérica, continente en el cual hasta ese momento sólo habían realizado algunas breves giras Peter Frampton y Earth, Wind & Fire, obteniendo un inmenso éxito en Brasil y Argentina y abriendo un mercado inexplorado y poco aprovechado. En el mismo año llevaron a cabo una sofisticada “fusión” entre rock y dance en el álbum ‘Hot space’, y volvieron al número uno de las listas de singles con un tema grabado a dúo con David Bowie, ‘Under pressure’. El álbum alcanzó en pocas semanas el cuarto puesto en las listas de éxitos inglesas, y en América llegó al vigesimosegundo puesto.

Con la llegada del verano Queen emprendieron una gira europea, durante la cual actuaron en el Milton Keynes Bowls, donde participaron en un programa televisivo de la prestigiosa cadena inglesa Channel 4. La gira prosiguió en Norteamérica y concluyó en Japón. Antes de que finalizase el verano aparecieron otros dos singles: ‘Las palabras de amor’, a primeros de junio, y ‘Back chat’, el 9 de agosto. Al final de la gira la banda decidió abrir un período de reflexión. “Un momento de descanso”, declararon a la prensa.

El descanso se prolongó dos años, el doble de lo previsto. Pero mientras tanto, el 21 y 22 de abril de 1983, Brian May participó en una sesión realizada en los famosos Record Plant Studios de Los Ángeles con Eddie Van Halen a la guitarra, Fred Mandel a los teclados, Phil Chen al bajo y el batería de R.E.O. Speedwagon, Alan Gratzer. De esta sesión se extrajo en noviembre el single ‘Star fleet’, inspirado en una serie infantil de dibujos animados japoneses, y, algunos meses más tarde, el mini-álbum ‘Star fleet project’. Pero ambos tuvieron una fría acogida tanto en Europa como en América.

Con el comienzo del nuevo año, al mismo tiempo que su histórica aparición en el “Festival de San Remo”, la banda publicó un nuevo single, ‘Radio Gaga’. El tema, mitad pop y mitad dance, es según Mercury: “Una canción contra el uso indiscriminado del medio radiofónico, que se ha convertido en un instrumento de persuasión oculta”. No obstante, el tema obtuvo un gran éxito precisamente entre los amantes del llamado “FM-rock” (rock para el público más joven), que lo catapultaron a las listas de éxitos de todo el mundo. El disco triunfó también en Inglaterra, devolviéndoles al primer plano de la popularidad. Tras dos años de meditación, la banda reapareció muy cambiada: tanto en su imagen como en su música.

Abrigos y cuero, preferiblemente rojo, y el pelo cortado al cero eran el nuevo uniforme. Una imagen a la que Mercury añadió unos espléndidos bigotes. Los sintetizadores, caja de ritmos y rítmicas eléctricas, sin embargo, influyeron negativamente en su creatividad musical. Este cambio, nefasto en el plano estrictamente artístico, llevó a Queen a conquistar nuevos fans: el álbum ‘The Works’ obtuvo un discreto éxito, a pesar de no merecerlo. Por el contrario, el vídeo de Radio Gaga, basado en algunos fragmentos de Metrópolis, película rodada en 1926 por Fritz Lang, era muy bueno.

Después de realizar actuaciones promocionales en las televisiones de toda Europa, la banda decidió emprender una gira. La salida estaba prevista para agosto de 1984. Pero la afortunada gira sufrió un incidente “diplomático”: tras ofrecer ocho conciertos en Sun City, Las Vegas de la Sudáfrica racista, Queen terminaron en el libro negro de la sección de cultura de las Naciones Unidas. En octubre apareció el primer single en solitario de Freddie Mercury. Se trata de ‘Love Kills’, extraído de la banda sonora de Metrópolis.

Decididamente encauzada en el rock comercial, la banda realizó para la Navidad de 1984 el single ‘Thank God it’s Christmas’, y en enero de 1985 participó en el festival brasileño “Rock in Rio”, junto a Rod Stewart, AC/DC, Whitesnake y Tina Turner. El primer álbum en solitario de Freddie Mercury, que apareció en mayo de 1985, se titula ‘Mr. bad guy’, y es un proyecto que demuestra su egocentrismo. El disco, producido y escrito enteramente por Feddie, incluye el tema ‘Foolin’ around’, banda sonora de la película ‘Teachers’. En el mismo período el batería Roger Taylor se divertía produciendo al actor Jimmy Nail en una versión de ‘Love don’t live here anymore’, un éxito de 1979 del grupo pop soul Rose Royce.

El 13 de julio Queen participaron en el “Live Aid”, organizado por Bob Geldof. Actuaron en el Wembley Stadium de Londres, entre George Thorogood y los Simple Minds, interpretando ‘Bohemian rhapsody’, ‘Radio Gaga’, ‘We will rock you’ y ‘We are the champions’.

A pesar del amor de los fans, el grupo prefirió sacrificar durante algunos meses sus compromisos colectivos y dejar lugar a lás iniciativas solistas de sus componentes. Taylor trabajó como productor en el álbum ‘Loving you’, de Feargal Sharkey, mientras que Mercury, para celebrar sus treinta años, fiel a sus manías de grandeza, montó una increíble fiesta en Mónaco, en la que se presentó vestido de cosaco. En esta juerga se rodaron algunas secuencias para el vídeo de ‘Living on my own’.

El 5 de noviembre apareció en toda Europa el nuevo single del grupo: ‘One vision’, extraído de la banda sonora de la película ‘lron Eagle’. En esos mismos días Brian May y John Deacon trabajaban en el álbum ‘Ice on fire’, de Elton John. En este momento, para contribuir a rodear a la banda de una imagen de solidez, la EMI inglesa lanzó al mercado ‘The complete works’, un estuche de catorce discos que incluye todos los trabajos del grupo (excepto ‘Greatest hits’) más un disco inédito. El 17 de marzo de 1985 se publicó en todo el mundo el nuevo single, ‘Kind of magic’, título del inminente nuevo álbum. Del mismo álbum, publicado el 12 de junio, se extrajeron tres temas para la banda sonora de la película ‘Highlander’.

A pesar de esta buena racha, la banda se resquebrajaba. Los cuatro Queen estaban cada vez más comprometidos en proyectos individuales: Mercury colaboraba en la grabación de tres temas del musical ‘Time’, de Dave Clark, y además, llegó a publicar un videoclip suyo durante el concierto que la banda ofreció en el Wembley Stadium de Londres; John Deacon formó The Immortals, con los que grabó ‘No turning back’, para la banda sonora de la película ‘Biggles’. Las fisuras aparecidas en el seno de la banda se recompusieron con una gira europea, que culminó con una actuación en Budapest frente a 80.000 personas. Del concierto, se filmó la película ‘Queen live in Budapest’ (estrenada en el mercado americano con el título ‘Magic Budapest’).

El grupo volvía a reinar en Europa, llevando varios singles a los primeros puestos de las listas. Habían recuperado el éxito de los buenos tiempos y la compañía discográfica les apremiaba para que publicaran otro disco en directo. El 2 de diciembre de 1986 apareció ‘Live Magic’, que antes de fin de año consiguió el tercer lugar en las listas de éxitos inglesas. Los cuatro decidieron tomarse unas vacaciones, dedicándose cada uno por su cuenta a sus proyectos personales. Mercury publicó en mayo de 1987 un nuevo single, una acertada versión de la famosa ‘The great pretender’, escrita por Buck Ram, un antiguo éxito de The Platters treinta años antes.

En julio Mercury, en una entrevista concedida a la televisión española, declaró que estaba en Barcelona para conocer a la famosa soprano Montserrat Caballé. Nueve meses más tarde, en marzo de 1987, Mercury y la Caballé comían juntos en el Ritz de Barcelona. Freddie había grabado dos canciones escritas expresamente para ella y le ofreció escucharlas. Montserrat Caballé quedó entusiasmada y decidieron grabar un álbum juntos. Al domingo siguiente la soprano sorprendió a todos (incluido Mercury) cantando una de sus canciones, ‘Exercises in free love’, como bis de su recital en el Covent Garden de Londres. En los camerinos Montserrat le pidió a Freddie que escribiera una canción dedicada a Barcelona, su ciudad. El tema, titulado simplemente ‘Barcelona’, fue grabado en abril de 1987 y presentado en directo para el mundo entero el 29 de mayo al final del show televisivo “Ibiza ’92”. El éxito fue grandioso y dio luz verde al álbum homónimo, publicado en octubre de 1988. El tema ‘Barcelona’ fue elegido por el Comité Olímpico Español como himno oficial de las Olimpiadas de 1992.

Los restantes miembros de Queen no permanecían inactivos. En octubre de 1987 Taylor, el único capaz de “competir” en proyectos en solitario con Mercury, fundó Cross, una banda de rock’n’roll. Su primer álbum, ‘Shove it’, se publicó en febrero de 1988, seguido por una minigira. Al mismo tiempo, Brian May produjo una versión irónica de ‘Bohemian rhapsody, realizada por The Young Ones, y el primer álbum de su novia, la actriz Anita Dobson, titulado ‘Talking of love’. Es de señalar, en el invierno de 1887, el lanzamiento del vídeo titulado ‘Queen magic years’, que se sumaba a la amplia producción de la banda, que ya incluía ‘We will rock you (the video)’, ‘The works!’, ‘Queen live in Rio’ y ‘Queen live in Budapest’. De todos modos, entre proyecto y proyecto, encontraron tiempo para preparar un nuevo disco en común. ‘The Miracle’ se publicó el 22 de mayo de 1989 y constituyó un verdadero milagro.

Por vez primera, todos los temas están firmados por los cuatro componentes de la banda; y, a pesar de no ser una obra maestra, obtuvo un gran éxito gracias sobre todo al single ‘l want it all’, realizado sobre el modelo de todos sus éxitos anteriores. Queen recuerdan que también saben ser unos rockeros endiablados y mezclan el heavy metal de sus viejos tiempos con las refinadas armonías vocales. La guitarra de Brian May tiene aún algo que decir y la atmósfera general, textos incluidos, es nostálgica. ‘The miracle’ representa, en conjunto, un punto de llegada y un nuevo punto de partida. 

Arturo Canto Rebora
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Papa Roach

en enero de 1993 en Vacaville, en el Sur de California cuando Jacoby Shaddix (vocalista) conoce a Dave Bucker (batería). A estos dos se unirán Will James (bajos) y Ben Lutter (guitarra). El nombre del grupo proviene del abuelo de Shaddix, Howard William Roatch, que tenía el apodo de Papa Roach. Roatch se suicidó en 2006 y por ello el grupo le rinde homenaje en el disco The Paramour Sessions con la canción “Roses On My Grave”. Poco después, Ben Lutter es reemplazado por Jerry Horton. En este momento la banda practicaba a diario en el garaje de Dave y realizaba ya algunas actuaciones locales.

En 1994, Papa Roach grabó su primer EP, que constaba de siete canciones, llamado “Potatoes for Christmas”. En 1996 Will James es reemplazado por Tobin Esperance. En 1997, la banda produjo su primer álbum, “Old Friends from Young Years”. En él participaron los cuatro miembros (Jacoby Shaddix, Jerry Horton, Tobin Esperance, y Dave Buckner), terminando así su búsqueda de nuevos miembros.

En 1998, ellos lanzaron un EP llamado “5 Tracks Deep”. Vendió más de 1.000 copias en su primer mes. [citación necesitó] Un año más tarde, ellos produjeron otro EP, “Let ‘Em Know”. Su éxito captó la atención de Warner Music Group, que financió la producción de un CD de cinco canciones. Éstas eran “Infest”, “Last Resort”, “Broken Home”, “Dead Cell”, and “She Loves Me Not”. Las primeras cuatro se incluirían en el álbum Infest, y la última en Lovehatetragedy. Poco después, la discográfica DreamWorks Records ofrecieron a la banda un contrato de grabación.

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Café Tacvba

Café Tacuba es una agrupación pop rock alternativa mexicana que nace a fines de los ochentas (1989). “Los tacubos” son: Rubén Isaac Albarrán más conocido como “Cosme“, quien es el vocalista del grupo;Emmanuel “Meme” del Real quien se encarga básicamente de los teclados y coros, Joselo “Oso” Rangel en la guitarra, Enrique “Quique” Rangel en el bajo.

Si bien es cierto que su música es considerada en el género alternativo, esta versátil banda no se encasilla en un solo género musical, pues si recorremos toda su discografía encontramos que han incursionado en estilos tan distintos entre sí como son el Hip-Hop, el Ska, el Rock, Metal y géneros folklóricos propia de la población indígena de México.

La historia de la banda data desde sus épocas de juventud, cuando 4 amigos que se habían conocido en la escuela de diseño (Rubén, Quique, Joselo y Meme), realizaron sus primeras tocadas para presentar el grupo. Eran una banda que alternaba con grupos de rock y tocaba en bares dedicados al rock (Para ese entonces, no se habían acercado a ninguna de las compañías disqueras que los vigilaban a la distancia). La agrupación no seguía los mismos lineamientos ni las mismas estructuras de otras bandas: No usaban batería, y fusionaban muchos estilos que precisamente no eran particulares del rock pesado.

Inicialmente la banda llevaba el nombre de “Alicia Ya No Vive Aquí” (un tributo a Martin Scorsese por la película del mismo nombre), pero más tarde cambiaron a “Café Tacuba“, el nombre de una cafetería localizada en el centro de la ciudad de México (representativa de la subcultura “Pachuco”).

Su primera aparición pública la realizan en el escenario del “Hijo del Cuervo” en junio de 1989; a partir de este momento comenzaron una serie de presentaciones en distintos bares de la ciudad (El 9, El Tutti Frutti, Rockotitlán y El LUCC).

En 1992, Warner Music firmo un contrato con ellos y quedaron sorprendidos y muy satisfechos al ver que a tan solo dos semanas de la aparición del álbum debut, rebasaron las 40 mil copias.

En de los conciertos, los primeros fans de Café Tacuba, le gritaban a Rubén, “¡Pinche Juan!”, ya que este era el título de una de las canciones del primer álbum (“Café Tacuba” de 1992), de ahí el vocalista toma este seudónimo, pero dos años más tarde, cansado de este apelativo lo cambia a “Cosme” para el lanzamiento del nuevo disco “Re” en 1994.

Con el disco “Café Tacuba“, el cuarteto ganó doble disco de oro en México y por ello fueron invitados a presentarse en festivales internacionales: Lollapalooza (Irving Meadows, CA.), Street Scene (San Diego), Viva Chicago, Rennes, en Francia, en el festival Trnas Musicales de la Salle de la Cité, MIDEM (The Music Show) en Cannes y en La Dolce Vita de Lausanne, Suiza.

El LP “” contiene 20 canciones, grabadas bajo la producción de Gustavo Santaolla, y presentan un collage musical tan diverso que fue comparado con el “álbum blanco” de los Beatles. “Re” obtuvo un disco de oro por sus ventas y el video del tema “Ingrata” fue nominado a Mejor Video en los MTV Video Music Awards en 1994.

En 1996, el grupo da a conocer “Avalancha De Éxitos“. Este disco contiene ocho versiones de temas ajenos con arreglos libres. Entre sus canciones se encuentran: “No controles” de Nacho Cano y “Alármala de tos” de Botellita de Jerez entre otros. El LP fue supervisado también por su inseparable productorGustavo Santaolla, fue grabado en México y postproducido en Los Ángeles. El primer sencillo lanzado fue “Chilanga Band“, tema que gracias a su video clip fue nominado a los premios MTV ese mismo año. Por otra parte, el semanario “Newsweek” los incluye en su portada como referente del movimiento latino en los USA.

Su siguiente disco “Revés/YoSoy” fue publicado en 1999; se trata de un disco doble que incluye un disco instrumental (Revés) y otro cantado (YoSoy).

En el año 2000 sale al mercado un álbum recopilatorio de éxitos que incluye una versión en vivo de “El Baile y el salón“. Un año más tarde, aparece un DVD que recoge videos, entrevistas y cortometrajes de la banda. Ese mismo año aparece “Lo esencial de Café Tacuba“, un compilado de los discos “Café Tacuba”, “Re” y Avalancha de éxitos”.

En el 2002, sacaron un EP compuesto por 4 covers del grupo chileno “Los Tres“, el cual se denominó “Vale Callampa“.

Cuatro Caminos“, un disco en el que por vez primera incorporaban a la grabación una batería con lo que supone un cambio en el estilo musical de la banda nace en el 2003.

El 2005 trae consigo “Un viaje“, un disco en vivo del concierto del décimo quinto aniversario de Café Tacuba. Ese mismo año se lanza el “MTV Unplugged“, grabado en 1995.

El polifacético grupo ha participado en varios soundtracks de películas mexicanas como “Y tu mamá también“, “Vivir Mata” o “Amores Perros“; han sido invitados también a grabar canciones para diferentes discos tributo, entre ellos el de “José José” y “Los Tigres del Norte“; además han colaborado con artistas como Celso Piña, El Gran Silencio, Inspector, Kronos Quartet, Ofelia Medina, Julieta Venegas, David Byrne o Los Lobos.

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Pearl Jam

El germen de Pearl Jam habría que buscarlo en el grupo Mother Love Bone, formado en Seattle 1989 y que estaba integrado por Jeff Ament, Stone Gossard, Bruce Fairweather, Greg Gilmore y Andrew Wood. Estaban influenciados por la música de Led Zeppelin, aunque su estilo variaba también entre el grunge y el hard rock.

Cuando Andrew Wood falleció por una sobredosis, el grupo se disolvió. Cuando los restantes miembros del grupo conocen a Eddie Vedder, deciden volver a unirse, esta vez con el nombre de Mookie Blaylock, por un amigo del grupo, jugador de la NBA.

Tras una gira como teloneros de Alice In Chains en la que empiezan a ser conocidos, deciden cambiar su nombre por el de Pearl Jam. Al parecer, estaba basado en una receta que preparaba la abuela de Eddie Vedder y que tenía efectos alucinógenos.

En 1991 publican ‘Ten’, el número que luce en la camiseta su amigo Blaylock. A partir de ahí es cuando comienza su verdadero éxito, con grandes giras por Estados Unidos y Europa. La discográfica aprovecha el tirón para reeditar su antiguos discos publicados como ‘Mother of Love’.

Tras la grabación de este primer álbum, se producen unos cambios en el grupo. El batería decidió dejar la banda, dando paso a Matt Chamberlain, quien también se fue al poco tiempo, siendo sustituído por Dave Abruzzese.

Dos años después publican su segundo álbun, ‘Vs’, con el que venden un millón de copias en sólo una semana. En 1994 sale a la luz el tercero, ‘Vitalogy’.

En 1996 publican su cuarto disco, ‘No Code’, en 1998 el disco en directo ‘Live on two Legs’ y en el 2000 ‘Binaural’.
Se les ha acusado en algunas ocasiones de cambiar radicalmente de estilo. Quizás haya sido debido a los cambios que han ocurrido en la formación de la banda y a sus deseos de experimentar nuevos sonidos, pero de lo que no cabe duda es de que siguen estando en los más alto del rock.

En 2006, quince años después de la formación de Pearl Jam, la banda publica un nuevo trabajo, titulado “Pearl Jam”, cuyo primer sencillo extraído ha sido “World wide suicide”. “Pearl Jam” contiene 13 nuevos temas de la banda, con el espíritu de los primeros discos. Este disco supone una vuelta al sonido de Pearl Jam de principios de los 90, para sus fans más auténticos y para los amantes del rock que quieran conocer a una de las bandas de rock más importantes de los últimos 15 años.

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2 minutos

Los integrantes de Dos Minutos se juntaron en 1987 y comenzaron a tocar en el ’89, en plena hiperinflación: «en esas circunstancias empezamos nosotros, Alfonsín dejaba el gobierno, asumía Menem y debutábamos la noche en que la gente salìa a saquear mercados para poder comer…».

Ya habían grabado los temas “Ya no sos igual” y “Arrebato”en un álbum independiente junto a otras bandas.

“Valentín Alsina” (1994) es el título del primer disco, en homenaje a su ciudad de origen. El hit: “Ya no sos igual”, una alusión a un kiosquero vecino que, de casualidad, se enteraron que también era oficial de la Policía Federal. Ni ellos ni la compañía discográfica esperaban el suceso: 50.000 copias vendidas y aclamados como “Banda Revelación” por el Suplemento Sí de Clarín. El debut grande de la banda se produjo al telonear a Motorhead en Velez, ante 45.000 espectadores.

Cultores del punk argentino, son considerados como los seguidores de Los Violadores y Attaque 77 y fueron la primera banda argentina de punk que actuó en Estados Unidos, durante su gira americana de 1995. Allí llenaron el mítico CBGB, el club neoyorquino que disparó el punk de Ramones, Television y Patti Smith veinte años antes. Telonearon a los Ramones en su despedida mundial, en marzo del ’96, en el estadio de River.

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The Velvet Underground

Su aventura duró menos de cinco años, produjo sólo cuatro álbumes “oficiales”, comercialmente desafortunados, su actividad concertística estuvo prácticamente circunscrita a la zona de Nueva York, con continuos cambios en la formación; en suma, todos los ingredientes para hablar de un experimento fracasado. Sin embargo, The Velvet Underground, tras el vergonzoso desvanecimiento de lo que quedaba del grupo original en 1970, se revelaron con el tiempo como una de las bandas más importantes de la historia del rock. Los textos oscuros y perversos, su sonido crudo e innovador quedarían como herencia para la escena neoyorquina: ese espíritu anticonvencional y anarquista continuaría errando en el Mercer Arts Center, en el Max’s Kansas City, en el CBGB’s, de los que en los años setenta surgirían The New York Dolls, Patti Smith, Wayne County, Television, Ramones, y Talking Heads entre otros, extendiéndose a través de Estados Unidos y al otro lado del océano. Su influencia marcó el nacimiento de formaciones tan distintas entre sí como The Modern Lovers y Roxy Music, y estimuló a buena parte de la new wave británica a caballo entre los años setenta y ochenta. En 1987 aún podían detectarse las lecciones de The Velvet Underground en trabajos de artistas de la nueva generación, como la americana Suzanne Vega o los australianos Crime & The City Solution, mientras que Nick Cave ha escogido temas de la Velvet, junto a material de John Lee Hooker y Johnny Cash, para su selección de “versiones” ‘Kicking against the pricks’. El encuentro, en 1964 en Nueva York, de dos fuertes personalidades de muy distinta preparación y gustos musicales, Lou Reed y John Cale, dio origen a The Velvet Underground.

Louis Alan Reed, nacido en Long Island (Nueva York), en 1942, en el seno de una acomodada familia hebrea, tras cinco años de lecciones de piano clásico, sintió, siendo aún muy joven, la llamada del rock’n’roll. Había tocado en varios grupos estudiantiles: con el primero, Jades, grabó el single ‘Leave her for me’ (1957), a los quince años, e, inmediatamente después, con Shades, grabó ‘So blue’ para la compañía Time (recaudando unos 78 centavos en royalties). En el mismo período Reed presentaba un programa radiofónico sobre jazz llamado “Excursión on a wobbly rail’, título derivado de un tema del pianista Cecil Taylor. El joven Reed estaba enamorado del free-jazz y no se perdía ni un concierto de su ídolo Ornette Coleman. Tras la etapa escolar se matriculó en la Universidad de Syracuse, donde conoció a Sterling Morrison, estudiante de trompeta clásica que se había pasado al rock’n’roll, creando varias formaciones de rhythm and blues; otras amistades de la época fueron el poeta Delmore Schwartz (a quien años más tarde le dedicó un tema The Velvet Underground, ‘European son’) y Garland Jeffreys. Lou Reed se licenció tras haber seguido cursos de periodismo y de arte dramático, contratado en calidad de compositor por Pickwick, compañía discográfica especializada en la producción de canciones para adolescentes; mientras tanto escribía poesía, algunas de las cuales fueron publicadas por la revista “Fusión”.

Para grabar su demencial tema ‘The ostrich’, Reed convocó a Sterling Morrison y John Cale, que trajo consigo al percusionista escocés Angus MacLise; el single, firmado por The Primitives, sólo obtuvo un comentario en Vogue. John Cale, nacido en 1940, hijo de un minero gales, había estudiado música clásica en Londres, frecuentando exponentes de la vanguardia como Cornelius Cardew. Expulsado del colegio por su extremismo musical, obtuvo, gracias al interés de Aaron Copland, una beca de estudios para un curso de composición moderna con lannis Xenakis en USA. Tras un breve período de tiempo, abandonó el conservatorio y se unió a LaMonte Young, maestro de música experimental, participando en el proyecto Dream Syndicate, documentado por un álbum (edición privada, con una tirada de 98 copias). El instrumento preferido de John es la viola eléctrica. A pesar del fracaso de ‘The ostrich’, Reed y Cale no se desanimaron. Capitanearon una sucesión de grupos (Warlocks, Falling Spikes) hasta la constitución, en 1965, de The Velvet Underground, nombre tomado del título de un libro de contenido erótico. La formación original estaba compuesta por Lou (voz, guitarra solista), John (viola eléctrica, piano, bajo), Sterling Morrison (guitarra rítmica, bajo) y Angus MacLise (percusiones); este último fue sustituido en seguida por Maureen “Mo” Tucker, una veinteañera de Nueva Jersey sin ninguna preparación musical pero propietaria de una furgoneta.

Desde sus primeros conciertos, el cuarteto atrajo la atención de la comunidad artística de Nueva York, en particular de Andy Warhol que era la figura más sobresaliente. Además de componer bandas sonoras para películas y otros proyectos multimedia de Warhol, el grupo apareció en una película underground que tomó el título de un tema suyo, ‘Venus in furs’. Mientras tanto entró en la Velvet Nico (cuyo verdadero nombre era Christa Paffgen, nacida en Colonia en 1938), una fascinante modelo alemana presentada a Warhol por Bob Dylan: Reed compuso para ella algunos temas de fuerte impacto, como ‘Femme Fatal’y’AII tomorrow’s parties’. Nico tenía a sus espaldas una experiencia cosmopolita: educada en Francia e Italia, conocía cinco lenguas; jovencísima, había tenido un papel insignificante en la obra maestra de Fellini ‘La dolce vita’. Convertidos temporalmente en un quinteto, con la presencia escénica, al mismo tiempo inquietante y atrayente, de la voz profunda y destacada de Nico, The Velvet Underground realizaron una gira a través de Estados Unidos con el show “Exploding Plastic Inevitable”, espectáculo multimedia de Warhol, y grabaron, en un sólo día, su primer álbum. Las cintas estuvieron guardadas durante meses, hasta que Verve publicó ‘The Velvet Underground and Nico’ a principios de 1967: a pesar de llegar sólo hasta el número 103 de las listas de éxitos estadounidenses el disco quedó incluido entre las obras maestras de los años sesenta. Era el año de ‘Sgt Pepper’ de The Beatles, el año del “flower power” y de la psicodelia.

El grupo neoyorquino reflejaba esos tiempos en ciertas soluciones instrumentales, cercanas al raga-rock o al experimentalismo, pero su imagen iba a contracorriente: nada de amor universal, de expansión de la consciencia, de “flotar”, sino perversidad, desesperación y muerte; su sonido es agresivo, distorsiones y ruidos desgarradores. El disco figura como un producto de Andy Warhol, quien no tuvo nada que ver con la parte musical pero colocó en la portada un plátano y su nombre. Tras la engañosa delicadeza de la “balada” de apertura, ‘Sunday morning’, producida por Tom Wilson, la excepcional ‘l’m waiting for the man’ refleja con las agonías de un drogadicto con brutal realismo. Nico es secundada por Lou en ‘Femme fatale’ y ‘Venus in furs’, dos temas dedicados a morbosas figuras femeninas, el segundo con explícitas alusiones sadomasoquistas. El corte blues de ‘Run run run’ conduce a través de ambientes equívocos de marginación urbana, hasta que el gentil pesimismo de ‘All tomorrows parties’ concede un poco de aliento. Pero la segunda cara ataca sin contemplaciones, con los siete minutos de ‘Heroin’, la más célebre y más ambigua canción sobre la droga: con pasmoso dramatismo Reed sigue a su personaje a través de la alegría, el éxtasis y el sufrimiento. Bienvenida, pues, la relativa tranquilidad de ‘There she goes again’ y de ‘I’ll be your mirror’, en la cual Nico expone la filosofía de Warhol vista a través del prisma de Lou.

Este último protagoniza los dos temas finales, ‘Black angel’s death song’ y ‘European son’, donde el grupo se desata en estimulantes cacofonías mientras el cantante se pierde en un interminable dylanismo. Estilísticamente, el primer álbum de The Velvet Underground presenta algunas lagunas, y la instrumentación no es impecable: pero la atmósfera general, las composiciones de Reed, la voz de Nico y la excéntrica viola de Cale le confieren una fascinación que a finales de los años ochenta aún sigue intacta. Nico, que mientras tanto había aparecido en la película de Warhol ‘Chelsea Girl’ abandonó el grupo e inició una carrera en solitario. El grupo, sintiéndose en este momento libre de cualquier consideración de carácter comercial, grabó en una única sesión el segundo álbum, considerado el más tenebroso y experimental y, por consiguiente, el menos accesible. ‘White light / White heat’ marca la completa ruptura con los mitos hippies. La instrumentación no hace la más mínima concesión a la apacibilidad, los textos describen situaciones de pesadilla. Ya desde el desdeñoso tema inicial, el que da título al disco, se advierte la originalidad de la concepción y la indiferencia hacia las reglas preestablecidas. Otros temas altamente representativos son ‘Lady Godiva’s operation’, con su helada cirugía, y, como cierre, la impresionante ‘Sister Ray’, apoteosis infernal, interminable sucesión de sonoridades ásperas y desordenadas, con letras alucinantes que conjuran visiones a lo William Burroughs; un concentrado de las depravaciones de Nueva York, entonces probablemente semejantes a las de hoy.

‘The gift’ es un tema anómalo, donde Cale narra una horrorosa historieta. Aunque el álbum peca de autocomplacencia, su histérica energía, lo destaca de la gran mayoría de los discos rock de la época. El éxito comercial, naturalmente, fue nulo. John Cale dejó la formación para seguir con sus experimentaciones y en el tercer álbum del grupo, ‘The Velvet Underground’ (1969), encontramos en su puesto a Doug Yule (bajo, guitarra, teclados). Debido a esta sustitución y al efecto catártico provocado por la exasperación alcanzada en el disco anterior, la Velvet Underground evolucionan, proponiendo una selección de canciones relajadas y creadas con esmero. Sólo el tema ‘The murder mystery’, cantado a varias voces, es una excepción, pero sigue estando muy lejos de la crudeza del material de los primeros dos álbumes. Para los fans hardcore de la banda, el período verdaderamente significativo se cerró con el abandono de Cale; pero la crítica estadounidense y británica ha revalorizado en parte las siguientes grabaciones. ‘The Velvet Underground’, en efecto, ofrece algunas auténticas joyas. ‘Pale blue eyes’ es una estupenda canción de amor, ‘l’m set free’ y ‘Beginning to see the light’ mezclan optimismo y autoironía, mientras que algunos motivos interesantes, bajo el lema de la simplicidad y la delicadeza, aparecen en ‘What goes on?’, ‘Candy says’, ‘Jesus’ y ‘Some kinda love’.

De estas grabaciones aflora un aspecto raramente expresado por Lou Reed en su carrera, su capacidad para componer material tierno y suave; profundizando en los textos se descubre un tema apenas insinuado en los trabajos anteriores: la aspiración a la inocencia y a la libertad espiritual. El disco termina con un tema curioso, ‘Afterhours’, en el que unos primorosos arreglos jazzísticos acompañan la voz de Maureen Tucker, ora ingenua ora intencionadamente grotesca. Sobre ‘Loaded’ (1970), último álbum de estudio de The Velvet Underground, Reed ha hablado posteriormente con evidente fastidio, al límite del rechazo: parece que las cintas fueron cortadas y remezcladas tras el abandono del grupo por parte del cantante y compositor, presentado en la portada como un simple colaborador cuando en realidad había escrito todos los temas. Considerado por la crítica como un producto decepcionante (están ausentes los rasgos distintivos, en términos de originalidad y riesgo, de los otros discos), ‘Loaded’ puede ser revisado con más benevolencia. En él, el grupo intentó un acercamiento a las estructuras fundamentales del rock’n’roll, revitalizándolas alegremente y mezclando en las letras la vida urbana y las fantasías sentimentales. Ciertamente, si su intención era crear un disco comercial, Reed llegó muy cerca del objetivo. Planteado con solidez e interpretado con una desacostumbrada limpieza y profesionalismo, el repertorio incluye dos temas convertidos en clásicos, ‘Sweet Jane’ y ‘Rock and roll’, y algunos episodios estimulantes, como ‘I found a reason’, donde surgen al mismo tiempo un tributo al doo-wop de los años cincuenta y una anticipación del hard-rock de los setenta. Por el contrario, otros temas resultan llenos de banalidades.

En agosto de 1970, poco después de una serie de conciertos en el Max’s Kansas City y un mes antes de la publicación de ‘Loaded’, Lou abandonó la formación. Uno por uno, también se habían marchado Sterling Morrison y Mo Tucker, y la banda, guiada por Doug Yule, dejaría de existir definitivamente en 1973, tras realizar algunas giras en medio de la indiferencia general y publicar un álbum de sabor country, ‘Squeeze’ (1972).

Lou Reed

El personaje mas importante que surgió de las ruinas de The Velvet Underground (definidos como la primera garage band, el primer grupo de art rock y el primero en poner de relieve los aspectos negativos e inquietantes de la subcultura juvenil) fue sin duda Lou Reed, no sólo por su papel de protagonista en la escena musical de los años setenta sino también por la continuidad entre los momentos más felices de su carrera en solitario y la experiencia con la legendaria formación. The Velvet Underground, en efecto, había tenido en Reed su fundador, su líder, su principal compositor y su voz solista. No sorprende que tras su abandono, en agosto de 1970, el grupo entrase en una crisis irreversible.

Lou inició la nueva década concediéndose un largo período de reposo en casa de sus padres, en Long Island, y trabajando de mecanógrafo en la empresa de su padre. Pero ‘Loaded’, el último álbum en estudio de Velvet Underground, obtuvo un discreto éxito comercial y el músico se convirtió en un objetivo interesante para las compañías discográficas. RCA lo localizó, lo contrató y lo envió a Inglaterra para realizar su primer álbum como solista. ‘Lou Reed’, publicado en mayo de 1972, era un álbum de transición, decepcionante en ciertos aspectos, y fue acogido con indiferencia por la crítica y el público. El disco carecía de inspiración, en parte por la inadecuada producción y por la incapacidad de los instrumentistas británicos reclutados (entre los que figuraban Rick Wakeman, Steve Howe y Caleb Quaye) para crear las atmósferas en las que hasta ahora se había desarrollado la personalidad del cantante y autor.

Entre los pocos temas convincentes, destacan ‘Wild child’ y ‘Lisa says’. En 1972, cerrada la era hippie, estaba surgiendo en Gran Bretaña, por obra de David Bowie, Marc Bolan, Roxy Music, todos, en mayor o menor medida, influidos por el ejemplo de Lou Reed y The Velvet Underground (Bowie en particular había dedicado al grupo un tema de ‘Hunky Dory’, ‘Queen bitch’), el glam-rock, en cuyo ámbito jugaban un papel importante la ambigüedad sexual, el gusto por la perversión, la crudeza y la artificiosidad de la realidad urbana. Reed encontraba este desarrollo totalmente idóneo para sus intereses: conoció a Bowie, que pertenecía a la misma compañía discográfica, y ésta le hizo volver a Londres para producir su segundo álbum.

Bowie instigó a Reed a acentuar, en los textos y actuaciones, los comportamientos ambiguos y provocativos característicos de la factoría Andy Warhol. En Londres Lou aparecía en el escenario con los ojos y los labios pintados de negro, vistiendo un traje de terciopelo negro adornado con falsos brillantes; el álbum, ‘Transformer’ introduce explícitamente los temas de la homosexualidad y el travestismo, con los que el autor, que antes había mantenido las distancias a base de ironía y teatralidad, parecía identificarse. En el disco, la guitarra no brilla particularmente y la voz se esfuerza poco, pero Reed obtiene un inmejorable soporte en los arreglos realizados por Bowie y Mick Ronson, entre el rock’n’roll y el jazz, con una equilibrada dosis de temas lentos y rápidos.

Personajes extravagantes y anticonformistas emergen de los temas más logrados: el arrebatador ‘Walk on the wild side’, acertadísimo en el aspecto comercial (obtuvo gran éxito como single), ‘Vicious’, ‘Make up’ y los más simples, encantadores ‘Satellite of love’ y ‘Perfect day’. En 1973 Lou Reed se convertía, por fin, en una estrella del rock. Pero su afianzamiento comercial se esfumó tras la publicación de ‘Berlin’, en otoño del mismo año, disco producido por Bob Ezrin. La música alterna intensos episodios orquestales, fragmentos de guitarra acústica e instrumentaciones rock, a veces descuidadas, (con la participación, entre otros, de Steve Winwodd, Jack Bruce y Aynsley Dunbar), llegando a extremos de fuerte emotividad, sobre todo en la segunda cara, hasta el punto de suscitar comparaciones con el primer disco de The Velvet Underground.

‘The Kids’, ‘Men of good fortune’ y ‘Sad song’ son los temas más representativos. Sin embargo, ‘Berlin’ fue maltratado por parte de la crítica y el público perdió el interés. Disgustado por tan negativa acogida hacia lo que consideraba su obra maestra, Lou imprimió un claro giro a su carrera. Abrazando por vez primera en toda su amplitud el lenguaje y las convicciones del rock, reunió una banda de corte heavy en torno a las encendidas guitarras de Dick Wagner (ex Frost) y Steve Hunter, ambos colaboradores suyos en ‘Berlin’, y volvió a proponer en directo, casi con intención divulgativa, los puntos esenciales de su producción con The Velvet Underground y en solitario.

La crítica se dividió: para algunos Reed había tocado fondo, masacrando sus más bellas composiciones con intrumentaciones ensordecedoras y banales; para otros el experimento resultaba revitaizante para un artista con demasiada frecuencia encerrado en sí mismo. La gira entusiasmó al público (mucho más amplio que el compuesto por seguidores de Velvet Underground) y permitió la grabación de dos álbumes en directo: ‘Rock’n’roll animal’ (1974), con ‘Sweet Jane’, ‘Heroin’, ‘White light/white heat’, ‘Lady Day’ y ‘Rock and roll’ y ‘Lou Reed live’ (1975) con ‘Vicious’, ‘Satellite of love’, ‘Walk on the wild side’, ‘l’m waiting for the man’, ‘Oh Jim’, ‘Sad song’.

El sonido es vigoroso y envolvente, el protagonista canta con convicción y energía: el documento sigue siendo válido hoy en dia. Desgraciadamente, condicionado por el éxito de ventas de ‘Rock’n’roll animal’, el artista pareció perder de vista sus exigencias y en 1974 grabó un disco pobre de contenido y descuidado en la realización, ‘Sally can’t dance’, que irónicamente, confirmó su éxito comercial. Para desanimar de una vez por todas a sus fans, Reed publicó en 1975 el álbum doble ‘Metal machine music’: cuatro caras de ruidos generados por el “feed-back” entre amplificadores y micrófonos, sin voces ni instrumentos, cada una con una duración exacta de 16 minutos y 1 segundo. Un disco prácticamente inaudible, que poco tiempo después será retirado.

En ‘Coney Island baby’ (1976) Lou volvió a rasguear la guitarra, buscando un estilo más dulce pero asestando también algunos latigazos (‘She’s my best friend’, ‘Kicks’). Sin embargo, era el comienzo de un agotamiento creativo que marcó sus siguientes álbumes de los años setenta: ‘Rock’n’roll heart’ (1976), ‘Street hassie’ (1978), y ‘The bells’ (1979), con la participación de Don Cherry. La gira mundial de 1978 resultó más afortunada. Aunque sin sobresalir por encima de las cimas de las grabaciones relevantes de la década anterior (‘Transformer’, ‘Berlin’), en los años ochenta Lou Reed sacó a la luz una producción discográfica más meditada y satisfactoria en su conjunto, hecho en el que influyó su vida privada: después de un primer matrimonio naufragado en 1973, Lou encontró a su compañera ideal en Sylvia, con quien se casó en 1980.

El efecto positivo de esta relación ya se manifestó en el disco de ese mismo año, ‘Growing up in public’, en el que su fiel colaborador, el teclista y guitarrista Michael Fonfara, compuso la música, se ocupó de los arreglos, dejando al cantante libre para concentrarse en las letras (que profundizan eficazmente en los temas autobiográficos e introspectivos) y en las partes vocales (que ganan notablemente en expresividad, con una particular sensibilidad en el tema ‘So alone’). Menos compacto musicalmente, pero excelente por los textos, de gran fantasía y otra vez con aspectos inquietantes (‘Undemeath the bottle’, ‘The heroine’, ‘The day John Kennedy died’), ‘The blue mask’, de 1981, incluye al guitarrista Robert Quine, con el que Reed tocaba ocasionalmente en directo (una gira de 1983 está registrada en el doble álbum ‘Live’) y con quien también llevó a cabo ‘Legendary hearts’ (1983).

Un buen entrenamiento para el Lou instrumentista, hasta el punto de que en ‘New sensations’ (1984) es precisamente él quien sustituye a Quine. Homenajeado por un grupo debutante, Simple Minds, que incluyeron su versión de ‘Street hassle’ en el álbum ‘Sparkle in the rain’ (1984), Lou Reed disminuyó notablemente su actividad en la segunda mitad de los años ochenta, publicando un único álbum. ‘Mistral’, en 1986. Además, Reed realizó algunas colaboraciones de prestigio. En ‘Lost in the stars’, recopilación de canciones de Kurt Weill de la que se ocupó en 1985 el genial Hal Willner, sobresale entre artistas como Sting, Marianne Faithfull, Carla Bley, Tom Waits, Todd Rundgren y Charlie Haden, interpretando de forma memorable ‘September song’, de cuyos arreglos se ocupó él mismo.

En 1988 regrabó, junto a Sam Moore, ‘Soul man’, para la banda sonora de la película homónima. Ese mismo año, plagado de apariciones públicas en USA para Lou Reed, apareció ‘Nothing but the truth’, primer álbum en inglés de un músico panameño instalado en Nueva York, Rubén Blades, conocido por su compromiso político: para echarle una mano, además de Sting, Elvis Costello y James Ingram, encontramos a Lou, que en el tema ‘Letters of the Vatican’ interviene como coautor y guitarrista y participa en la producción y en los arreglos. Y finalmente, en 1989, Lou Reed vuelve al merecido éxito. El nuevo álbum se llama ‘New York’, y es un viaje por los vicios, públicos y privados, de la vida metropolitana.

La abrasiva vena poética de Lou Reed es más vital que nunca; con el mismo lenguaje crudo y realista con el que Reed había cantado sobre la drogodependencia en ‘Heroin’, la ambigüedad sexual en ‘Walk on the wild side’ y la fragilidad de la esperanza y del amor en medio de las ruinas en la histórica ‘Street hassle’. Las nuevas, grandes, canciones se llaman ‘There is no time’, ‘Busload of faith’, ‘Hold on’. Reed recupera la energía de los “viejos tiempos” y el deseo de contar amores juveniles (‘Romeo had Juliette’) y las relaciones de pareja que se derrumban (‘Endless cycle’) en un mundo sacudido por el SIDA (‘Halloween parade’) y la miseria (‘Dirty BIvd’). La música que acompaña a los textos es un rock árido y decidido. Los nuevos compañeros de camino de Lou Reed son el guitarrista Mike Rathke, el bajista Rob Wasserman y el batería Robert Medici.

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R.E.M.

Las iniciales de R.E.M. corresponden a las de rapid eye movement, término médico para referirse a una de las fases del sueño, y fueron las elegidas por un grupo de estudiantes de la Universidad de Athens, en Georgia, devotos de la new wave, para bautizar a su grupo musical. En sus primeras actuaciones interpretaban versiones de temas de The Ramones y Sex Pistols, aunque para su primer single escogieron uno propio, «Radio Free Europe», recibido con entusiamo por la crítica.

El carisma de Michael Stipe y su excéntrica forma de moverse en el escenario y farfullar de manera incomprensible ante el micrófono sirvieron como distintivo inicial a R.E.M. para dar a conocer una obra de extraordinaria calidad y llena de frescas e innovadoras ideas. El álbum ‘Murmur’ (1983), esperado con gran expectación tras la edición del EP ‘Chronic Town’, sobrepasó todas las expectativas que los aficionados más inquietos habían depositado en el grupo. ‘Murmur’ fue elegido Disco del Año por la revista Rolling Stone y propició el surgimiento de un culto entusiasta en Estados Unidos.

En ‘Reckoning’ (1984), grabado en poco más de una semana, R.E.M. mostró una espontaneidad que también conquistó al público europeo y que, por efecto «carambola», motivó que ‘Fables Of The Reconstruction’ (1985) se grabase en Londres. A pesar del entusiasmo provocado por estos discos, R.E.M. no individualizó en sus singles el éxito, tónica que se mantendría casi sin excepciones en los años siguientes. Esto provocó cierto desaliento en los miembros del grupo, que con ‘Life’s Rich Pageant’ (1986) abrazaron una mayor politización de sus letras (aunque en muchos casos resultasen ininteligibles debido a la peculiar forma de cantar de Michael Stipe) y una mayor euforia en sus melodías.

«It’s The End Of The World As We Know It (And I Feel Fine)», perteneciente a ‘Document’ (1987), fue uno de los más significativos ejemplos de esta vitriólica combinación. La firma de un contrato millonario con Warner Records resultó decisiva para la difusión de ‘Green’ (1988), base de una gira mundial que dio el toque final a su fama. R.E.M. pasó los dos años posteriores ocupado en la recepción de premios por su labor y la elaboración del intimista y emotivo ‘Out Of Time’ (1991), en el que utilizó una amplia sección de cuerda y la voz portentosa de Kate Pierson, cantante de The B-52’s.

El altísimo nivel alcanzado con este disco, si bien no fue superado, se mantuvo con ‘Automatic For The People’ (1992), ‘Monster’ (1994) y el ecléctico ‘New Adventures In Hi-Fi’ (1996), con participación de Patti Smith.

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Interpol

Grupo rock cuya escritura musical, distinguida por el aspecto sombrío de textos y texturas sónicas, les hizo granjearse comparaciones conJoy Division, una de las bandas, junto a R.E.M., Afghan Wigs, Velvet Underground, Television,The Smiths e incluso OMD, influencia de las claves sonoras de este cuarteto neoyorquino.

El grupo se gestó en la segunda mitad de los años 90 con el encuentro entre varios amigos universitarios, el cantante y guitarrista Paul Banks, el guitarrista Daniel Kessler, el bajista y teclista Carlos Dengler y el batería Greg Dudy.

Esta formación, que comenzó a actuar en directo desde el año 1998, sufrió un cambio en las baquetas cuando Dudy dejó su puesto a Sam Fogarino.En el año 2001 apareció su primer disco en el sello escocés Chemical Underground, el EP “Fukd I.D. #3” (2001).

Tras esta primera experiencia grabando Interpol ficharon por el sello Matador y allí, tras el EP “Interpol” (2002), publicaron su LP debut, “Turn on the bright lights” (2002), un disco que para algunos fue uno de los mejores discos del año por su originalidad y creatividad y para otros un apañado remedo actualizado de las claves de los grupos más sombríos, introspectivos y líricos de la escena post-punk británica, como Joy Division, Psychedelic Furs, The Chameleons, Siouxsie & The Banshees, Magazine, The Smiths o The Cure, sin olvidar la seminal herencia de sus colegas de la Gran Manzana, la Velvet Underground y Television.

Entre sus mejores canciones, con un Paul Banks cercano a los procederes de Ian Curtis, se encuentran “Obstacle 1”, “Obstacle 2”, “PDA”, “NYC” o “Say hello to the angels”.

“Antics” (2004), con temas como “No exit”, “Narc” o “Slow hands”, fue su segundo disco grande. Más tarde editaron “Our Love to Admire” (2007), “Interpol” (2010) y “El Pintor” (2014), disco grabado sin el bajista Carlos Dengler.

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La Gusana Ciega

Desde que se concretó la fecha, se les ha ido el sueño en pensar cómo reversionar algunas canciones y darles nueva energía. Todo para hacer de los 20 años de La Gusana Ciega, un festejo inolvidable en el Auditorio Nacional.

Es lo que pasa por la mente de Luis Martínez ‘Lu’ (bajo), quien comparte con Daniel Gutiérrez (voz y guitarra) la visión de haber recorrido un largo camino, lleno de aventuras y el que coronan cumpliendo el sueño de tocar en un lugar en el que sólo habían puesto un pie como espectadores.

“Para nosotros es una fiesta, celebrar la trayectoria de La Gusana Ciega, de lo que fue tener un sueño e imaginar que se podía realizar y encontrar a otras personas con el mismo sueño y hacerlo realidad”.

Les cuesta trabajo hablar del tiempo que llevan juntos, pero tuvieron que hacerlo cuando se concretó lo del Auditorio.

“No nos gusta contar los años ni cuánto tiempo llevamos trabajando en esto, pero al terminar la promoción del disco Conejo en el Sombrero, nos habíamos puesto como meta hacer un Auditorio Nacional; cuando por fin se hizo realidad el hecho de que íbamos a estar aquí, fue un momento donde nos detuvimos, volteamos hacia atrás y vimos todo lo que había pasado en todos estos años”, cuenta Daniel.

Y fue precisamente en ese momento cuando la banda decidió cómo se llamaría el concierto: “De Merlina a Conejo en el Sombrero”, todo un repaso por la discografía completa de La Gusana Ciega y la historia que la acompaña.

El espectáculo de este 23 de febrero quiere dejar huella en la memoria de sus seguidores.

“Estamos tratando de hacer un show especial, el lugar es impresionante y estamos intentando hacer algo distinto, estamos acostumbrados a tocar en lugares pequeños, entonces queremos hacer un show íntimo en un lugar gigante al que le caben 10 mil personas, ese es el reto”, dice Germán Arroyo (batería), quien considera muy importante el papel que jugará la banda.

Algunas de las sorpresas que presentarán será la participación de Luis Yañez, amigo y músico, y la colaboración de Renoh como la banda abridora del concierto, a quienes en realidad integrarán al espectáculo.

“Es un grupo que ha estado de gira con nosotros, un grupo que admiramos, apreciamos y queremos mucho. Pero no queremos que sea como el grupo abridor, el telonero que pones al frente, va a tocar con nosotros, desde que empiece a tocar Renoh empieza el concierto como tal, no va a haber separación, porque queremos que suenen bien, destacó Daniel, de la banda que los acompañará y que sí estará en el Vive Latino 2013.

La Gusana festejará sus 20 años en el Auditorio, pero ¿y luego? Nos contaron que vendrá nuevo disco, porque siempre están componiendo canciones, y planearán la conquista de mercados como el español, el estadounidense y por supuesto el de centro y sudamérica.

Arturo Canto Rebora
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