Iggy Pop

A finales de los años sesenta tomaba cuerpo en Estados Unidos una corriente de rock anárquico y subversivo que tenía sus centros en Detroit, donde predominaban los grupos caracterizados por la agresividad y la demencia (MC5, The Stoges), y Los Ángeles, donde el acento recaía en la sátira y el mestizaje cultural (Frank Zappa, Captain Beefheart); el denominador común era la teatralidad, que a mediados de los setenta fue asumida por personajes como Alice Cooper, New York Dolls, Tubes. En particular, la energía brutal y sadomasoquista de Iggy and The Stooges ejercería, siete u ocho años después de su primer disco, una fuerte influencia sobre el movimiento punk y sus más famosos exponentes, los ingleses Sex Pistols. James Jewel Osterberg, nacido el 21 de abril de 1947 en Ann Arbor, Michigan, a dos pasos de Detroit, hijo de maestros, creció en un camping de roulottes. A los 18 años, introvertido y raro, milagrosamente superviviente de una serie de graves accidentes automovilísticos, James actuó como cantante y batería, en un grupo local, The Iguanas, del que le viene el sobrenombre “Iggy”. Después de pasarse a Prime Movers y The Chosen Few, Osterberg consolidó su amistad con el bajista Ron Asheton; reclutaron al hermano de éste, Scott, en el papel de batería y dieron vida a The Psychodelic Stooges, cuyo debut tuvo lugar, idóneamente, en la noche de Halloween de 1967: entre el público estaban MC5, su manager, John Sinclair, y un amigo de estos, Jimmy Silver, futuro manager de The Stooges. Cuando el grupo se amplió con el ingreso del bajista Dave Alexander, Ron se pasó a la guitarra e Iggy, que se había entretenido con guitarras hawaianas, pianos eléctricos, y electrodomésticos diversos, se convirtió en el cantante. Creándose una reputación de banda audaz, imprevisible y absurda (Iggy durante los conciertos se marcaba el pecho con una botella rota, se arrojaba a la platea armando bronca o se tendía sobre los brazos alzados del público haciéndose transportar sobre la muchedumbre), The Stooges tocaron el 28 de septiembre de 1968 en un concierto de beneficencia junto a MC5: Danny Field, un directivo de Elektra, entusiasmado por las cualidades de los dos grupos, obtuvo un contrato para ambos con su compañía discográfica, cuyo catálogo incluía ya a The Doors. ‘The Stooges’ (1969), producido por John Cale (que incluye en él algunas trazas de música experimental, particularmente en el largo y repetitivo ‘We will fall’), es un disco desconcertante que tiene sus puntos fuertes en los rabiosos y transgresivos ‘1969’, ‘No fun’ (después recobrado por Sex Pistols) y ‘I wanna be your dog’. El discreto éxito comercial del álbum llevó a The Stooges a una intensa actividad en directo a través de USA y a la realización de una segunda prueba discográfica, ‘Fun house’ (1970), álbum grabado en Los Ángeles y producido por Don Gallucci, ex componente de Kingsmen. Posteriormente se produjeron cambios frecuentes en la organización del grupo, hasta la llegada del guitarrista James WiIliamson (ex Chosen Few). El grupo, minado por los conflictos internos y por cuestiones de drogas, se disolvió definitivamente en julio de 1971, tras un pavoroso accidente de tráfico. Al año siguiente les echaron un inesperado salvavidas desde Inglaterra: David Bowie había convencido a su manager, Tony DeFries, para que contratara a The Stooges. Iggy y James Williamson fueron convocados en Londres, y la formación se completó con los hermanos Asheton (Ron volvió a tocar el bajo). Pese a las pésimas relaciones entre los cuatro americanos y DeFries, llevaron a cabo la grabación de un álbum. ‘Raw power’, publicado en julio de 1973, es un disco controvertido, por obra de las mezclas supervisadas por Bowie: pero algunos de sus temas (en particular ‘Search and destroy’) son decididamente válidos. La experiencia fue efímera; después de un concierto en el Michigan Palace de Detroit (documentado por un pésimo álbum en directo, ‘Metailic K.0.’), a comienzos de 1974, The Stooges se separaron de una vez por todas. Siguió un período desastroso para Iggy Pop, entre toxicodependencia y reclusiones en hospitales psiquiátricos. Su amigo James Williamson le ayudó a recuperarse ocasionalmente. Algunas grabaciones de 1975 se editaron en 1978, recogidas en el álbum ‘Kill city’, que, dada la situación, resulta bastante satisfactorio, incluyendo, entre otras, la más bella canción de amor de Iggy, ‘Johanna’. Los hermanos Asheton siguieron sus actividades musicales, aunque en frentes marginales, Scott con The Sonic’s Rendezvous Band, del guitarrista Fred “Sonic” Smith (ex MC5), y Ron con Destroy All Monsters y, junto al batería Dennis Thompson (también ex MC5), con New Order (no confundir con sus homónimos ingleses) y después con New Race. Por el contrario, el cantante fue resucitado por segunda vez por David Bowie, que se lo trajo a Europa y produjo sus dos mejores discos. El primero, ‘The idiot’ (1977), bastante oscuro y entretenido, contiene entre sus temas (todos compuestos por Pop-Bowie) joyas como el siniestro ‘Sister midnight’, el irónico ‘Nightdubbing’ y el tierno y erótico ‘China girl’ (después recobrado por David Bowie); ‘Dum dum boys’ está dedicado a The Stooges. En el segundo, ‘Lust for life’ (del mismo año), Iggy recupera la energía de finales de los años sesenta en Detroit, proponiendo temas estimulantes como ‘The passenger’, ‘Some weird sin’ y ‘Lust for life’. Justo en medio del ciclón punk, mientras el sonido de Stooges era tomado como modelo por la mayoría de los grupos emergentes, Pop afirmaba su personalidad a través de un rock eléctrico de amplios horizontes. Iggy volvió a actuar en directo, frecuentemente con Bowie acompañándolo a los teclados: ‘TV eye’ (1978) es un álbum grabado en directo que refleja estas experiencias, mezclando nuevas canciones y clásicos de The Stooges. En 1979 Pop regresó a USA y reanudó su colaboracion con James Wiliamson, que produjo el logrado ‘New values’ (1979). Muy interesante resultó el siguiente, ‘Soldier’ (1980), para cuya realización y autoproducción reunió una banda muy heterogénea, con Glenn Matlock (ex Sex Pistols y Rich Kids), Ivan Kral (ex Patti Smith Group), Klaus Kruger (ex Tangerine Dream), Steve New (ex Rich Kids) y Barry Andrews (ex XTC). En 1981 se publicó ‘Party’, no muy sustancioso; de los acompañantes del álbum anterior sólo quedaba Kral. Después el cantante inició su colaboración con Chris Stein (ex Blondie) pero el productor no logró avivar al poco inspirado ‘Zombie birdhouse’ (1982). ‘Choice cuts’ (1984) suscitó escaso interés. lggy había interrumpido sus actuaciones en directo, retomándolas en 1986 tras haberse reunido nuevamente con Bowie para las grabaciones de ‘Blah blah blah’, disco válido aunque el esmero de la producción, la estructura compositiva y el comportamiento meditatico no encuadran al protagonista en el contexto más adecuado para él. Entre sus temas figura ‘Real wild child (Wild one)’, brillante reelaboración de un rock’n’roll llevado a la fama por Bobby Rydell en 1960. En 1988 reapareció un lggy Pop muy cambiado. El álbum ‘Instinct’, en el que juegan un papel importante el productor Bill Laswell y el guitarrista Steve Jones (ex Sex Pistols y Professionals), recupera su corte agresivo y crudo, lejano al “intelectualismo” de Bowie. La buena forma en que Pop se encuentra a finales de los años ochenta parece derivar de las lecciones de aerobic y de la cocina macrobiótica de su mujer. El artista ha seguido demostrando que no es una reliquia del rock, hecho constatado por sus colaboraciones con Circus of Power, The Cult, y su participación en la banda sonora de ‘Black rain’, con el genial tema ‘Living on the edge of the night’.

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Ronnie James Dio

Antes de dar vida a su propia banda, Ronnie James Dio, uno de los “héroes metálicos” más amados de los años ochenta, de voz poderosa e innegable carisma personal, había participado en otros tres grupos: Elf, Rainbow y Black Sabbath. Los primeros son conocidos, más que nada, por sus conexiones con Rainbow, y su música era la típica del rock años setenta. La formación comprendía; además, al bajista Craig Gruber, que en el futuro también tocaría con Gary Moore, al guitarrista David “Rock” Feinstein, posteriormente líder de Rods y al batería Gary Driscoll. Llamado a la corte de Ritchie Blackmore, Ronnie Dio participó en la realización, en 1975, de ‘Ritchie Blackmore’s Rainbow’.

A pesar del gran éxito de público y crítica, el ex guitarrista de Deep Purple transformó al grupo, llamando a Jimmy Bain y a Cozy Powell. Tras el que está considerado el mejor producto firmado por Rainbow, ‘Rainbow rising’ (1976), la banda se lanzó a una gran gira mundial de la que se extrajo, al año siguiente, el álbum en vivo ‘On stage’, en el que Ronnie Dio arrasaba con un viejo hit de Deep Purple: ‘Mistreated’. Blackmore seguía empeñado en cambiar de músicos, y en 1978, poco después de grabar ‘Long live rock’n’roll’, el mismísimo Ronnie fue expulsado. Tras una breve permanencia en Black Sabbath, con los que grabó ‘Mob rules’ y ‘Live evil’, y antes de la llegada de Gillan a la banda, Ronnie James decidió formar una propia.

A finales de 1983 apareció ‘Holy diver’, primer trabajo de la Ronnie James Dio Band, con Vivian Campbell a la guitarra (procedente de Sweet Savage) y Vinny Appice, proveniente de Black Sabbath, a la batería. Fue un repentino chispazo entre este pequeño gran hombre y los “metálicos” más jóvenes. ‘Holy diver’ era un disco elaborado pero también de gran impacto físico, que contenía clásicos como ‘Stand up and shout’ de “riffs” sequísimos, o ‘Don’t talk to strangers’, con una introducción melódica seguida de algunos pasajes entrecortados. Por no hablar de las ariscas, mágicas y oscuras ‘Straight through the heart’, ‘Shame on the night’ y ‘Holy diver’.

Siguiendo las huellas de esta rápida consagracion, al año siguiente apareció ‘The last in line’, con idéntica formación y esquemas musicales muy parecidos. El carisma y el talento de Ronnie estaban intactos, y temas como el que da título al álbum, ‘We rock’ y ‘Egypt (The chains are on)’ inflamaron las plateas. La contribución del pirotécnico guitarrista Vivian Campbell era notable. Hay que señalar también la aparición semioficial del teclista Claude Schnell. Con puntualidad suiza, en 1985, se publicó el tercer acto de la carrera solista de Ronnie, un álbum titulado ‘Sacred Heart’. Los ingredientes seguían siendo los mismos: una técnica impecable, una apreciable virtuosismo guitarrístico, un gran impacto vocal y escasas innovaciones.

El álbum no sorprendió más que los otros, pero Ronnie Dio había entrado en la galería de los grandes y el público le perdonaba su inmovilismo musical, aplaudiendo temas de gran intensidad, como ‘King of rock’n’roll’, ‘Hungry for heaven’ y ‘Rock’n’roll children’. En 1986 aparecieron las primeras señales de que algo se estaba deteriorando en el seno del grupo. En lugar del álbum habitual apareció un mini álbum en directo, ‘Intermission’, un pretexto para presentar al nuevo guitarrista Craig Goldie, procedentede la banda de Greg Giuffria. El mini-álbum incluye el tema grabado en estudio ‘Time to burn’, realmente bastante frustrante, mientras que en las restantes cinco canciones en vivo, comprendiendo un interesante “medley” de ‘Long live rock’n’roll’ y ‘Man on the silver mountain’, todavía suena la formación original.

En 1987 se publicó ‘Dream evil’, que no reflejó los anunciados cambios. 1988 fue un año de silencio a nivel discográfico, hasta que llegó la noticia de que Ronnie James Dio había despedido a toda la banda. En 1990 el incansable Ronnie presenta una nueva formación, en la que destacan el guitarrista de dieciocho años Rowan Robertson y el batería Simon Wright, ex componente de AC/DC, y un nuevo álbum, ‘Lock up the wolves’. Ronnie James Dio murio el 16 de mayo de 2010 en Houston, Texas.

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Black Sabbath

Cimentados en el blues-rock e influenciados por grupos como Cream, Jimi Hendrix Experience o Blue Cheer, la banda británica Black Sabbath es uno de los nombres fundamentales en la configuración del heavy metal con su aceración sónica, iteración en sus esencias rítmicas y basamento temático en universos tétricos y místico-satánicos. Surgidos en 1967 en la ciudad inglesa de Birmingham, John Michael “Ozzy” Osbourne (nacido el 3 de diciembre de 1948), el guitarrista Tony Iommi (nacido el 19 de febrero de 1948), el bajista y letrista Terry “Geezer” Butler (nacido el 17 de julio de 1949) y el batería Bill Ward (nacido el 5 de mayo de 1948) comenzaron su andadura musical bajo el nombre inicial de Polka Tulk, rebautizándose poco tiempo después como Earth, apelativo con el que patearon un buen número de locales en su país y en el continente interpretando sus primeras muestras ubicadas en patrones clásicos del blues-rock.

En 1969, para evitar problemas legales con otra formación del mismo nombre y por indicación de su representante Jim Simpson, Earth se convirtió en Black Sabbath, un nombre que ejemplificaba a la perfección su acercamiento a materias de magia, fantasía y ocultismo. La génesis de este nuevo apelativo tiene diversos orígenes según varias fuentes, derivado de un título dado en Inglaterra a la película de terror de Mario Bava “Las tres caras del miedo” (1963) o emanado de la canción homónima escrita por Geezer Butler.

Firmaron con Fontana y grabaron el sencillo “Evil Woman/Wicked World” que pasó desapercibido para el gran público, todo lo contrario que su LP debut producido por Rodger Bain. “Black Sabbath” (1970)mostraba desde su lúgubre portada el soporte temático de su pétrea y atmosférica sonoridad que nos regalaba piezas maestras como “The Wizard”,”N.I.B.” o el título homónimo.

El disco tuvo una excelente acogida comercial a pesar de las malas críticas recibidas llegando al puesto número 8 en listas británicas. Sus conciertos comenzaron a agotar entradas en buena parte del mundo.

“Paranoid” (1970), su segundo álbum, alcanzó directamente el número 1 gracias a soberbios temas como “Iron Man”, “War Pigs”, la balada psicodélica “Planet Caravan” o el propio corte homónimo “Paranoid”.

Se trata de uno de los mejores discos de la banda y un LP clave en el desarrollo del heavy metal, al igual que “Master of reality” (1971), ambos caracterizados por los potentes riffs de Iommi, la aviesa vocalidad de Ozzy y la vinculación oscurantista de Butler en sus trabajos líricos con los textos de Dennis Wheatley.

“Master of Reality”, LP de mayor diversidad sonora que contenía canciones como “Sweet Leaf”, “Children Of The Grave” o “Into The Void”, no logró subir a lo más alto de las listas comerciales como su predecesor pero cosechó excelentes ventas alcanzando el puesto número 4.

En “Vol. 4” (1972) intentaron ensanchar su sonoridad inclinándose hacia unas tendencias cercanas al rock-progresivo. Incluye el LP temas importantes de la banda como “Changes”, “Supernaut”, “Wheels of confution” o “Snow Blind”.

Con “Sabbath Bloddy Sabbath” (1973) el grupo, ahora representado por Patrick Meeham y en pleitos legales con Simpson, consiguió otro éxito gracias a la canción que da título al disco .

Los litigios con su primer mánager provocaron una ausencia temporal de los estudios de grabación de dos años, regresando con la representación de Don Arden y el disco “Sabotage” (1975), álbum que mostró a Black Sabbath procurando propagar su oferta heavy con retazos progresivos en uno de sus trabajos más recordados a pesar de la controversia que provocó entre sus seguidores.

La publicación de un recopilatorio y los LPs “Technical Ecstasy” (1976) y “Never say die” (1978), discos menos satisfactorios que sus primeras obras, incitaron la marcha de su carismático cantante Ozzy Osbourne, quien emprendería una irregular carrera en solitario que incluía la representación de su esposa Sharon. Su trabajo debut fue el estupendo “Blizzard of Ozz” (1980).

Su reemplazo antes de grabar “Heaven and hell” sería Ronnie James Dio (ex miembro de Elf y Rainbow). “Heaven and hell” (1980), un disco producido por Martin Birch, revitalizó la música de la banda gracias a temas como “Neon Knights”, “Lonely is the word”, y por supuesto, “Heaven and hell”.

La llegada de Dio pareció insuflar a Black Sabbath nuevo brío y energía, pero su segundo Lp con el grupo y primero con el nuevo batería Vinnie Apice, “Mob Rules” (1981), supuso un decepción para los incondicionales de la banda.

La formación de Black Sabbath se vio inmersa a partir de ese momento en un continuo ir y venir de miembros. Los primeros en marcharse fueron los últimos en llegar, Dio y Apice dejaron su sitio a Ian Gillan y a Bill Ward, quien regresó para grabar “Born Again” (1983), un flojo trabajo que provocó de nuevo la salida de varios de sus componentes, permaneciendo únicamente como miembro original el guitarrista Tony Iommi.

Gente como Glenn Hughes, Tony Martin, Bev Bevan, Eric Singer, Dave Spitz, Geoff Nichols, Cozy Powell, Terry Chimes o Bobby Rondinelli ingresaron en la formación a lo largo de los años 80 y 90, dejando en el currículum de Black Sabbath irregulares discos en los que se banalizaba su sonido metalero, destacando trabajos como “The eternal idol” (1987) o “Headless Cross” (1989).

Reuniones recientes y giras mundiales son puntos de encuentro para la enorme cantidad de seguidores y admiradores de este grupo histórico, esencial y legendario.

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Evanescence

Banda originalmente compuesta por Amy Lee y Ben Moody, surgida en Little Rock, Arkansas, que ha ido cambiando de integrantes a través de los años, hasta quedar solo la propia Lee, acompañada por Terry Basalmo,y Tim McCord. Los primeros trabajos de la banda se caracterizan por una fuerte presencia de elementos góticos y acústicos, tendencia que fue desapareciendo poco a poco a través de los años. El género actual de la banda es algo difícil de categorizar, aún es evidente que ronda entre el rock gótico y el alternativo.

 

Evanescence se formó en julio de 1994, cuando Ben Moody, guitarrista amateur de 14 años, conoce a Amy Lee en un campamento para jóvenes cristianos. Moody quedó asombrado por la voz de Lee, así como de su desempeño como pianista y el hecho de que escribía canciones, por lo que le pidió que formara un grupo con ella.

El grupo previamente utilizó nombres como Childish Intentions o Stricken hasta que Ben Moody eligió la palabra “Evanescence”. Bajo este nombre comenzaron a grabar en 1997 una canción llamada “Understanding”, la primera de otras 8 canciones que deberían formar el primer álbum, aunque solo lanzaron un EP en 1998 con 6 temas, del cual existen 100 copias. Este EP, titulado igual que la banda, contiene un ejemplo del sonido inicial de Evanescence, una especie de “grunge gótico”.

Un año más tarde lanzaría otro EP llamado Sound Asleep (incorrectamente conocido como Whisper EP), con sólo tres temas inéditos, incluyendo el primero de los dos únicos instrumentales que ha hecho la ba

nda. De este EP sólo existen 50 copias originales que se vendieron en menos de 24 horas, según un funcionario de la disquera que lo editó. Este EP marca el cambio del primer Evanescence al que conocemos hoy en día, con un sonido más metalero y comercial.

En 1999, por iniciativa de Ben Moody, se suma al grupo el tecladista David Hodges, quien colaboró junto a Lee y Moody en la composición de las canciones hasta su salida del grupo y se desempeño en algunas temas como vocalista de fondo. La adición de Hodges al grupo coincidió con el inicio de la grabación del tercer trabajo de la banda, Origin. Con 11 canciones y 2 outtakes, este disco es considerado por Amy Lee un CD de demos y fue lanzando el 4 de diciembre del 2000. Al igual que sus predecesores, tuvo una pequeña emisión, de tan solo 2500 copias. En “Origin” hay cierta similitud con Evanescence EP, si bien canciones como “Away From Me” y “Where Will You Go” (un remake de unos de sus primeros temas) se alejan completamente del trabajo previo de la banda, dando un sonido más “pop”. Este disco contiene el segundo y por el momento último instrumental de Evanescence, Eternal, la segunda canción más larga de Evanescence, con alrededor de 7 minutos de duración, además del tema que luego se convertiría en uno de los hits de la banda: My Immortal.

Entre el 2001-2002 grabaron una considerable cantidad de demos y canciones, muchas de las cuales fueron nunca han sido lanzadas oficialmente en ningún disco, pero pueden ser descargadas sin ningún problema de Internet, pues los miembros de la banda confesaron no pretender obtener ganancias de ellas. De hecho, todas las canciones de Evanescence grabadas antes de la salida del Fallen puede ser bajadas gratuitamente en este sitio oficial de la banda.

En el verano del 2002 firman con su actual disquera Wind Up Records y grabaron su álbum debut “Fallen”. En noviembre del mismo año, tras finalizar la grabación de “Fallen”, el tecladista David Hogdes decide abandonar la banda por diferencias musicales y espirituales con los demás miembros.

Para esta época Rocky Gray (baterista) y John Le Compt (segundo guitarrista) pasan a engrosar la membresía de la banda, y aunque colaboraron como compositores en dos temas del “Fallen”, no participaron directamente en las sesiones de grabación. Se suponía que el primer single promocional de “Fallen” fuera la primera canción del álbum “Going Under”, pero la inclusión del tema dos del disco, “Bring Me To Life”, en la banda sonora de la película “Daredevil” produjo un cambio fortuito. El vídeo del primer single de la banda fue grabado en Rumania, probablemente para ahorrar dinero. Irónicamente, esta fue la canción más exitosa del 2003, poniendo por los aires a Evanescence y a su disco Fallen, que logró vender en sólo un año 7 millones de copias.

“Fallen” fue lanzado el 4 de marzo del 2003 y obtuvo 6 discos de platino sólo en los Estados Unidos, vendiendo 14 millones de copias en todo el mundo durante el 2003 y 2004, y convirtiéndose en uno de los ochos álbumes que ha permanecido más de un año en el Top 50 de la revista Billboard. Este álbum es el más comercial lanzado por la banda, con un sonido relativamente diferente al del Evanescence EP, dejando a un lado en algunas canciones los elementos góticos que habían caracterizado a la banda, para abrazar temas más pop.

En contraste con el éxito comercial que estaba experimentando, la banda sufría una seria crisis interna que comprometió su existencia. Ben Moody, líder del grupo, quien había sido compañero sentimental de Amy Lee durante años, se resignó a la separación. Esto, adicionándose a las diferencias creativas, provocó que Ben Moody abandonara repentinamente Evanescence, el 21 de octubre del 2003, en medio de una gira por Europa. Para entender la importancia de Ben Moody en la banda habría que limitarse a ver los tres primeros vídeos y las presentaciones en vivo que se grabaron, como el Rock Am Ring 2003, donde la cámara lo enfocaba tanto o más que a Amy Lee.

Amy Lee tomó las riendas del grupo y con el apoyo del resto de los integrantes continuó la gira de la banda, como si nada hubiera ocurrido. El segundo guitarrista, John Le Compt, se aprendió en tres días los solos de guitarra y la parte de la guitarra líder.

La banda continuó como cuarteto hasta enero del 2004 en que Terry Basalmo se une al grupo como sustituto de Ben Moody.

Durante el 2004 continuaron de gira hasta el 15 de agosto, dando un último concierto en el pueblo natal de la banda. La gira promocional de Fallen duró alrededor de un año y ocho meses. A finales del 2004, poco después de que se le otorgará el sexto disco de platino a Evanescence, lanzan el DVD “Anywhere But Home” que contenía un concierto en vivo en la banda en París y una hora de detrás de las cámaras, junto a un tema inédito, “Missing”, que se convirtió en un single radial. “Anywhere But Home” vendió 1 millón de copias en todo el mundo y marcó un record de ventas en España.

A partir de este momento la banda entró en un hito creativo. Mientras Will Boyd (bajista oficial desde junio del 2003), John Le Compt y Rokcy Gray se dedicaban a proyectos paralelos a Evanescence como Machina y Legacy, Amy Lee y Terry Basalmo se dedicaron a componer los temas que formaría el segundo álbum de Evanescence.

El 14 de julio de 2006 fue confirmada la partida de Will Boyd, el bajista de la banda, debido a que no quería participar en otra gran gira y sus deseos de mantenerse cerca de su familia. Lee lo constató a través de Evboard en un mensaje dirigido a los fans. Durante una entrevista con MTV, Amy Lee anunció que Tim McCord, ex-guitarrista de Revolution Smile, se uniría a la banda para convertirse en el nuevo bajista.

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Anthrax

Anthrax es una banda estadounidense de thrash metal, formada en Nueva York en 1981, la cual realizó su primer álbum de estudio en 1984, con el mensaje de festejar a todo tiempo y hora. La banda fue una de las más importantes y populares en la escena del thrash metal en los años 1980. Es conocida en otros sectores por la influencia que tuvo en el heavy metal y sus apariciones con varias bandas en los escenarios. Es considerada como una de las bandas en Los Cuatro grandes del thrash metal, junto a Metallica, Slayer y Megadeth. Anthrax ha hecho varias apariciones en televisión tales como en Married with children, WWE Raw, NewsRadio, Cheers, y Ask Dr.

Ruth junto a otros. Además ha aparecido en varias películas tales como Run Ronnie run (tocando como la banda ficcional Titannica) y Calendar girls. La canción A.D.I./Horror of it all del álbum Among the living aparece en la banda sonora de la película La divertida noche de los zombies. Su canción Madhouse fue utilizada como canción en la radio del juego Grand Theft Auto: Vice City de la estación V-Rock y en Guitar Hero II; en el juego del mismo nombre se puede descargar la canción Among The Living del mismo álbum, disponible solo para la consola Xbox 360. La canción Indians del álbum Among the living aparece en el último videojuego de la saga Guitar Hero.

La canción Now it’s dark fue utilizada como slimlish de metal en en la estación de radio de una de las franquicias de los Sims. Su canción Caught in a mosh (atrapados en un pogo) aparece en el juego para playstation Guitar Hero Encore: Rocks the 80s; y posteriormente, en el juego para las consolas de nueva generación, Guitar Hero: Smash Hits. En el 2006 el guitarrista Scott Ian realizó una aparición como un miembro de un supergrupo tributo a Kiss en los Rock honors 2006 de VH1; este también se presentó en muchos otros programas de la cadena VH1 como I Love the 80s y I Love the 90s. Este programa no gustó demasiado a la audiencia, lo que redujo su popularidad considerablemente.

Anthrax es formado a mediados de los años 1980-1981, tomando como gran inspiración las bandas del NWOBHM (New Wave of British Heavy Metal), por los guitarristas Scott Ian y Danny Lilker. Ambos habían sido compañeros en la escuela Bayside en el área de Queens de Nueva York, y tenían cierta experiencia en el escenario de la música, ya que se habían desempeñado en bandas como Four X y White Heat. Los dos decidieron formar una banda de thrash metal, y resolvieron ponerle de nombre Anthrax. El nombre de la banda proviene de una enfermedad que encontraron en un libro de biología, y se lo pusieron a su banda porque sonaba muy agresivo.

Después de varias audiciones, se les unieron a la banda Dave Weiss (baterista), John Connelly (cantante) y Kenny Kushner (bajista) pero la formación no quedó intacta ya que varios de estos tenían problemas personales, lo que deterioró la formación, ya que esta no conseguía un cantante y los otros miembros de la banda tenían por prioridad a sus otras bandas. Pero en el año 1984 audicionó Joey Belladonna para el puesto de cantante, quien se unió a la banda. Luego le siguieron Charlie Benante, Dan Spitz y Frank Bello. En esos años la banda logra firmar con el sello Independiente Megaforce Records y tener como mánager a Johnny y Marsha Zazula.

Por tercera vez en su carrera de 29 años en la música, el vocalista Joey Belladona vuelve a ponerse al frente de los micrófonos de la banda de thrash metal ANTHRAX. El anuncio tuvo lugar el 10 de mayo de 2010 en la página oficial de la banda, confirmando así los rumores que durante tanto tiempo venían rondando por Internet. Belladona realizó su primera aparición en vivo con la banda en junio del 2010, en la gira “Big Four”, junto a Metallica, Slayer y Megadeth en Sofía (Bulgaria). A esta primera actuación de Belladona con Anthrax le siguieron muchas más a lo largo de 2010 con el “Big Four”.

Debido al éxito de esta gira, el “Big Four” ha seguido funcionando durante 2011, aunque esta vez con menos fechas, dejando a las 4 bandas más fechas libres para actuar por su cuenta. La gira “Big Four” ha sido muy emotiva para los seguidores del metal, para la prensa especializada y para los propios miembros de las bandas.

Arturo Canto Rebora
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Rob Zombie

Rob Zombie nació con el nombre Robert Cummings el 12 de enero de 1965 en Haverhill, Massachusetts). Como sus padres trabajaban en una feria, Rob y su hermano Michael crecieron en la ruta, y ambos compartían intereses por la contracultura, las películas clase B, las películas del oeste y los cómics de fantasía. Esto probablemente los ayudó a definir sus gustos musicales.
Rob Zombie ha sido por mucho tiempo fanático de Alice Cooper, Judas Priest, Los Ramones, Black Sabbath y muchos otros. Los estilos de estos músicos continuan siendo una fuerte influencia para él hasta la actualidad.
Ambos hermanos fueron al colegio, pero Rob lo abandonó para perseguir ideas diferentes. Rob comienza a trabajar como técnico de Pee Wee’s Playhouse. Fue durante este período cuando conoció al que sería su futura compañera de banda en White Zombie Sean Yseult.

White Zombie (1985-1998)

Carrera Solista (1998-Presente)

En 1996, Rob Zombie colaboró con su idolo Alice Cooper en la canción “Hands of Death (Burn Baby Burn)”. Fue el primer trabajo de Rob Zombie fuera de su banda White Zombie. La canción fue nominada a un Grammy como Mejor Interpretación de Metal, pero perdió con Nine Inch Nails y su canción “Happiness in Slavery”.
Rob Zombie formó su propia banda solista en 1998. John Tempesta (baterista) vino directamente de White Zombie, y tocó junto a Mike Riggs en guitarra y Blasko (Rob Nicholson) en bajo. Ellos grabaron y lanzaron el álbum debut de Rob, Hellbilly Deluxe en 1998. Rob Zombie realizó una larga gira para promocionar este disco, lanzando American Made Music to Strip By en 1999, un álbum de remixes de Hellbilly Deluxe.
El siguiente lanzamiento de Rob Zombie, “The Sinister Urge” en el 2001 fue producido otra vez por Scott Humphrey. Contiene los sencillos “Never Gonna Stop (The Red Red Kroovy)”, “Feel So Numb” y “Demon Speeding”. Aunque el álbum todavía mantenía un sonido fuerte y pesado, era más experimental que el disco anterior.
Rob lanza su primer disco de grandes éxitos, “Past, Present & Future” en el 2003, conteniendo éxitos solistas y de White Zombie. También incluye una nueva canción (“Pussy LiquoR”) covers (“Brick House” de The Commodores y “Blitzkrieg Bop” de The Ramones) y canciones inéditas (“Two-Lane Blacktop” y “Girl on Fire”).
Después de la gira mundial 2002-2003, Mike Riggs y John Tempesta dejan Rob Zombie para formar una banda similar, Scum Of The Earth. Esto pone en espera la realización de otra gira y la salida del nuevo disco.
En el 2005, Rob Zombie retorna a la música reclutando al guitarrista de Marilyn Manson, John 5 y al baterista de Alice Cooper, Tommy Clufetos. Junto a Blasko y Humphrey grabaron su tercer disco “Educated Horses” en el año 2006. En cuanto a su estilo, “Educated Horses” es el disco más experimental de Rob. En contraste con el sonido metalero de los primeros dos álbumes, este tiene un sonido más cercano al Metal Alternativo.
Si bien Blasko tocó en el álbum, él no estuvo en la posterior gira del disco, ya que abandonó la banda para tocar con Ozzy Osbourne. Para reemplazarlo Rob llamó a Piggy D. de Wednesday 13. Recientemente, Ozzy terminó su gira, y Blasko dijo que quería volver a tocar con Zombie.
En el 2006 participó en el primer VH1 Rock Honors, haciendo un homenaje a Kiss cantando “God of Thunder” junto a: Scott Ian, Slash, Tommy Lee, Gilby Clarke y la super leyenda del rock Ace Frehley.

Carrera como director

“House of 1000 Corpses” (conocida en latinoamérica como 1000 cuerpos y en España como La casa de los 1000 cadáveres) fue el debut de Rob como director y su primera película de terror. Le tomó cuatro años realizarla (1999-2003) y fue lanzada finalmente por Lion’s Gate Films en el 2003, después de que Stacy Snider la entonces cabeza de Universal Pictures, les vendiera el film ya que ella no quería que fuera lanzado por Universal. Después fue revelado que a Snider no le gustan las películas de terror. La película contenía una impresionante cantidad de violencia y sangre derramada.
La secuela de 1000 Corpses fue The Devil’s Rejects (2005), que mostraba un estilo diferente. Mientras su primera película era cómica y extravagante a la vez, The Devil’s Rejects era más oscura, seria y áspera y era más una película al estilo western que una absoluta película de terror.
Rob Zombie ha retornado recientemente al negocio del cine. En el 2007 colaboró en la película Grindhouse de Robert Rodríguez y Quentin Tarantino. Dirigió un trailer llamado Werewolf Women of the S.S., protagonizado por su esposa y con la participación de Udo Kier, Sybil Danning y Nicolas Cage, quien aparece gratis como un favor.
Luego Zombie dirigió la película Halloween, una nueva edición de la clasica película de John Carpenter realizada en 1978, Halloween. Este film debutó el 31 de agosto de 2007 en el festival de cine fantástico de Sitges, recaudando 80 millones de dólares en todo el mundo y significando un gran triunfo para Rob.
Rob también está trabajando en su cuarto film, The Haunted World of El Superbeasto, basada en su serie de cómics ‘The Adventures of El Superbeasto’. Este film de animación vio la luz en el 2009.

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Deftones

Deftones es una banda de California con varios álbumes que han logrado ventas multi-platino. Sus integrantes son Chino Moreno (vocalista), Stephen “Stef” Carpenter (guitarrista), Abraham “Abe” Cunningham (baterista), Chi Ling Dai Cheng (bajo) y Frank Delgado (tornamesa, samples, teclados). Las letras de Moreno (descritas por la crítica de la revista Time como “furiosamente inteligentes”), son a menudo evocadoras y suficientemente ambiguas para permitir interpretaciones múltiples. Moreno ha mencionado a Morrissey, de The Smiths y Robert Smith de The Cure y David Gahan de Depeche Mode entre sus cantantes favoritos, y más allá de la similitud ocasional en la técnica vocal, el sentido arrollador de dramatismo y delicada vulnerabilidad de estos cantantes es a menudo evidente en las interpretaciones de Moreno. El género musical al que corresponde Deftones es otro de los puntos más discutidos. Comúnmente englobados en el nu metal, la banda ha sido descrita desde metal alternativo, hasta rock alternativo, progresivo y experimental. El grupo se formó en Sacramento en 1988 cuando los estudiantes de secundaria Stephen Carpenter, Abraham Cunningham y Camillo “Chino” Moreno empezaron a tocar juntos. Pronto pudieron invertir mucho dinero en el grupo ya que Stephen fue atropellado por un conductor borracho, lo que les proporcionó una buena cantidad de dinero. Entonces Deftones empezaron a ensayar en pequeñísimos locales y empezaron a buscar bajista. Después de probar con unos cuantos, encontraron a Chi Cheng. Aunque el grupo al principio se basaban mucho en el Heavy Metal, a principios de los 90 llevaron su sonido un poco más lejos inspirados en bandas como Duran Duran, Metallica, The Cure etc. Una demo de 2 canciones llamada ‘(Like) Linus’, es lo único que tenían antes de firmar con la discográfica Maverick Records. Con el productor Terry Date, el cual ya había trabajado con bandas de la talla de Pantera o Soundgarden, grabaron el debut del cuarteto, ‘Adrenaline’, que salió a la venta en octubre de 1995. El disco no fue un éxito inmediato así que la banda se hizo una base de fans tocando en pequeños locales o como teloneros de grupos como Ozzy Osbourne, L7 o Korn. Cuando las ventas de ‘Adrenaline’ estaban llegando a las 200.000 copias los fans ya esperaban su segundo disco, ‘Around The Fur’, que salió a la venta en octubre de 1997, y que (esta vez si) les catapultó a la fama con los singles “My Own Summer (Shove It)” y “Be Quiet And Drive (Far Away)”, además la lista de miembros del grupo aumentó a 5 con la incorporación del DJ Franco Delgado. En junio de 2000 sale su tercer álbum de estudio, ‘White Pony’, que volvió a ser un éxito y demostró que el quinteto no dudaba a la hora de experimentar con su sonido. En 2003 sale su cuarto disco, ‘Deftones’, en el que siguieron experimentando distintas posiciones, pero quizá no tanto como en ‘White Pony’, más tarde se veía una separación por parte de la banda cuando alternaban con sus proyectos paralelos, ya que la influencia que ejercían en los integrantes de Deftones no lograban acoplarse para una nueva producción. En 2004 participaron en el MTV Icon de The Cure interpretando “If Only Tonight We Could Sleep”. En octubre de 2005 aparece en las tiendas el quinto disco titulado ‘B-Sides & Rarities’, un disco recopilatorio que incluye canciones raras y covers de grupos como Sade, Cocteau Twins, The Cure etc., y un DVD con todos los videos del grupo, dicho disco reflejaba físicamente la separación temporal de Deftones. Su más reciente álbum ‘Saturday Night Wrist’ salió a la venta el 31 de octubre del 2006, cuyo primer sencillo fue “Hole In The Earth”. En este disco participa Serj Tankian, cantante de System Of A Down en la canción titulada “Mein”. ‘Saturday Night Wrist’ figura como una de las mejores producciones de la banda ya que dicho en las propias palabras de Moreno “en cualquier relación las reconciliaciones son lo mejor”.

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Radiohead

Radiohead es una agrupación británica (Oxford, Inglaterra) de rock alternativo que surgió en el año de 1988 cuando un joven de nombre Thom Yorke (voz, guitarra rítmica y piano) y Colin Greenwood (bajo, teclados, sintetizador y sampler) decidieron formar un grupo, al cual, primeramente llamaron TNT. Se integraron después Ed O’Brien (guitarra, percusión, efectos de sonido y voz.), Philip Selway (batería y percusión) y Jonny Greenwood (guitarra solista, teclados, circuito análogo, ondas Martenot, piano de juguete, glockenspiel, Kaoss Pad, pomo de puerta y ratón inalámbrico), y cambiaron su nombre a On a Friday, (días en los que solían practicar) con el que sacaron un disco de demos que nunca salió al mercado oficialmente. A finales de 1991 On a Friday llama la atención de las discográficas, concretando la firma con EMI; aquí comienza una larga amistad que ha durado hasta la fecha. EMI les sugiere un cambio de nombre, e inspirados por una canción de Talking Heads: Radio Head, escogen: Radiohead. Ya con EMI, Radiohead edita su primer disco denominado ‘Pablo Honey’, álbum con una presencia clara y determinante de las guitarras, cayendo dentro del clásico rock inglés: indy rock. La visión es bastante particular, existencialista y realista, dirigiendo sus críticas y lamentos a la sociedad contemporánea. Algo que marcó a este disco fue el tema ‘Creep’, canción que lanza a la fama a Radiohead, llevándolos a los primeros lugares de popularidad en las listas internacionales (aún ahora resulta ser una de las más conocidas y polémicas entre los seguidores). Este provocó la crítica de que Radiohead era grupo de un solo tema y que su fama sería temporal; cosa que más adelante los de Oxford dejarían claro que no era asi. Otros de los temas que llaman la atención de este disco son: ‘You’, ‘Stop Whispering’ y ‘Anyone Can Play Guitar’. En 1994 Radiohead participa en el Reading Festival 94.

Con un poco más de madurez musical en la bolsa Radiohead continua con su segunda producción: ‘The Bends’ (1995). El estilo no está muy alejado de su antecesor, con la misma energía, la percepción del mundo no ha cambiado mucho, el ‘joven con un ojo entrecerrado y potente voz’ ha regresado, el estilo guitarrero lo tiene sellado y reafirmado. En este año Radiohead es telonero de R.E.M., lo que les consolida dentro de la escena rockera y es sin duda una tremenda influencia, además a partir de aquí Radiohead y R.E.M. se vuelven unos grandes amigos y colegas, teniendo futuras colaboraciones juntos. Las canciones que destacaron en este disco fueron: ‘The Bends’, ‘High And Dry’, ‘Fake Plastic Trees’, ‘Just’ y ‘Street Spirit (Fade Out)’. ‘OK Computer’ (1997), es su tercer álbum. Este material los lleva a ganar un Grammy, ser considerado como el mejor disco de toda la historia y aseveraciones similares con temas como ‘Paranoid Android’ y ‘Karma Police’ entre otros. En este mismo año el grupo participa en Glastonbury 97. En estos momentos Radiohead ya tiene un estilo, una fórmula y el camino fácil para producir su siguiente álbum y tener una aceptación segura, deciden dejar ese estilo indy y para conseguir un entorno alterno y más experimental, con el uso de su ya demostrado talento en los instrumentos, la voz y la incorporación de elementos y sonidos obtenidos de sus consolas digitales consiguen: ‘Kid A’ (2000). La textura del disco continúa con su propio carácter existencial, depresivo hasta cierto punto, abstracto y con la melancolía que ha traído la incorporación de nuevos elementos. Canciones como ‘Everything In Its Right Place’, ‘The National Anthem’, ‘How To Disappear Completely’, ‘Morning Bell’ e ‘Idioteque’ hacen adentrarte en este nuevo ambiente.

Ya en el 2001 Radiohead edita ‘Amnesiac’ (2001), proveniente de las sesiones de grabación de ‘Kid A’. Sonidos más elaborados y maduros, ambientes extraños, críticas a las relaciones sociales (inadaptación), canciones abismales y análisis profundos de la existencia, son temas que caracterizan a este material, un toque de blues, que se venía acarreando desde ‘Kid A’, lo encontramos en canciones como: ‘Pyramid Song’, ‘You and Whose Army’, ‘I Might Be Wrong’, ‘Like Spinning Plates’ y ‘Life in a Glass House’. En el 2003 Radiohead edita ‘Hail to the Thief’ disco donde se cambia sutilmente el estilo y la experiencia acumulada en los discos anteriores, retratando nuevamente el lado oscuro y oculto de una sociedad capitalista y violenta, influenciado por la guerra y por la esperanza generada por la misma. Radiohead se había salido en ‘Kid A’ y ‘Amnesiac’ del sistema de comercialización y en este disco se vuelve a retomar trayendo consigo a muchos más fans a sus filas. Aquí, podemos destacar canciones como: ‘2 + 2 =5’, ‘Backdrifts’, ‘Where I End And You Begin’, ‘We Suck Young Blood’, ‘Go To Sleep’, ‘There There’ y ‘A Wolf At The Door’. El día 1 de octubre de 2007, después de casi 4 años de espera, Radiohead anunció en su sitio web que su nuevo álbum, ‘In Rainbows’, estaba terminado y que podía efectuarse una pre-compra del mismo en formato digital para descarga o en formato físico como envío postal. Esta decisión se tomó sin haber concretado aún ninguna firma discográfica para la distribución de los discos, posible causa del particular método usado. El formato físico del álbum comprende dos CDs y dos discos de vinilo, así como extras en forma de fotografías digitales y librillo de letras. La mayor novedad del otro sistema de distribución, la descarga, ha sido que el usuario-comprador puede poner su propio precio a ‘In Rainbows’, adquiriéndolo incluso gratuitamente desde la web. La descarga se activó el 10 de octubre de 2007, cerrándose a finales de ese año.


Radiohead firmó un contrato con la discográfica XL Recordings para distribuir el material de forma convencional, el cual fue puesto a la venta el 31 de diciembre de 2007 en todo el mundo, excepto en United States donde salió un día después. A pesar de la operación de lanzamiento previa vía Internet de manera prácticamente gratuita, ‘In Rainbows’ debutó en el número 1 de las listas inglesas cuando a principios del 2008 lanzaron el formato CD en las tiendas de discos, y la placa estuvo considerada entre los mejores discos del 2007, y uno de los mejores de su carrera, en prácticamente todos los medios de occidente, desde Spin y Rolling Stone hasta Wired. Como forma de venganza (calificada por los medios de esa forma) EMI lanza una serie de discos llamada ‘Radiohead: The Best of’ el 2 de junio que dispone los grandes éxitos del grupo entre 1992 y 2003. El 14 de Febrero del 2011, después de casi 4 años desde su ultimo disco ‘In Rainbows’, Radiohead desde su sitio web sincronizado con las redes sociales Twitter y Facebook, dan las gracias a sus fans por la espera y anuncian que su nuevo disco ‘The King Of Limbs’ esta terminado, y podrá efectuarse una pre-compra del mismo en 2 formatos; Un formato físico «newspaper» como envió postal y un formato en descarga ditigal MP3/ WAV disponible para el 19 de Febrero con un precio fijo dejando de lado el «pay what you want» de ‘In Rainbows’.

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Rush

Si nunca ha existido verdadera expectación en torno a Rush se debe al hecho de que el trío canadiense (aunque haya vendido algunos millones de discos) nunca estuvo en el centro de las luces de los reflectores, pero, de todos modos, no han faltado motivos de polémica. Alternativamente etiquetados de “pobre imitación” de los grupos más dispares (desde Black Sabbath a King Crimson, e incluso Yes), o tachados de fascistas a causa de sus ambiguas letras, Rush también han sido considerados “los mejores en su género” y “miembros de la elite que está en el vértice del rock progresivo”. Desde cualquier perspectiva que se quiera analizar el aspecto musical del trío no se puede descontar el aspecto evolutivo que ha caracterizado (y que caracteriza aún) su trayectoria.

Los fundadores del grupo, el rudo Geddy Lee (voz, bajo y teclados) y el rubio Alex Lifeson (guitarra), provenían de Sarnia, pequeña ciudad de la provincia de Ontario, no muy distante de Toronto. Los dos, junto al batería John Rutsey, formaron, en su etapa de instituto, una banda especializada en versiones de Jimi Hendrix, Grand Funk, Iron Butterfly y Cream. Empezaron a tocar en fiestas escolares y en el circuito de pequeños pubs donde, gracias a una nueva ley que rebajaba de 21 a 19 años la edad necesaria para el consumo de alcohol, muchos muchachos tuvieron la posibilidad de conocerlos y apreciarlos. El joven promotor local Ray Daniels les brindó su primera gran ocasión: ser teloneros de New York Dolls para un concierto de éstos en Toronto.

El éxito obtenido convenció a Daniels para invertir un poco de dinero en la producción del primer álbum del grupo, pero los resultados fueron desastrosos. También los apoyó Terry Brown, un productor ya destacado por sus trabajos con otras bandas canadienses de fama, como April Wine, Thundermug y Procol Harum. Pero, a pesar del valioso resultado, ninguna compañía quiso publicarlo; en 1974 el álbum ‘Rush’ fue editado en Canadá por su propia compañía, Moon Records. Rush no tardaron en recuperar el dinero invertido, gracias a su fama como “live-band”, y tuvieron la suerte de que Donna Halper, responsable musical de una gran emisora de Cleveland, obtuviera casualmente una copia del álbum. Quedó impresionada por el potencial del grupo y por su efecto sobre los oyentes, y no dudó en recomendarlos a los directores de Mercury. Una vez firmado el contrato y reeditado el disco, al final de ese mismo año Rush podían jactarse de haber vendido 75.000 copias.

Un mes después de la salida del disco, Lee y Lifeson tuvieron que afrontar el problema de reemplazar a Rutsey, obligado a abandonar la banda por motivos de salud; el sustituto fue Neil Peart, un batería que ya se había destacado en los clubes de Toronto. Esta adquisición se reveló importante, no sólo porque Neil supo convertirse en uno de los virtuosos de la batería más destacados del mundo, sino también porque el gran interés de Peart por la ciencia ficción y la literatura fantástica, sería, en breve, la mayor inspiración para las letras de las canciones del grupo. Tal como había sucedido con C. Lewis, Tolkien y Ayn Rand, todos ellos notables escritores de literatura fantástica incomprendidos por la crítica, Peart, que se inspiraba en los libros de éstos, también fue rechazado.

La primera gira del grupo tuvo lugar a fines de 1974; las críticas fueron adversas, pero un hecho era indiscutible: el suyo era el álbum de debut más vendido por Mercury de un grupo canadiense. Animados por el éxito, publicaron ‘Fly by níght’, disco de 1975 que revelaba el influjo de los intereses literarios de Peart: títulos épico-mitológicos como ‘By Tor and the snow dog’, ‘Rivendell’ (nombre extraído de El señor de los anillos, de Tolkien) o ‘Anthem’, inspirado en la novela homónima de 1939 de Ayn Rand, son ejemplos explícitos. Esta última canción en particular estaba destinada a procurar los primeros problemas a Rush en cuanto a sus conexiones con los textos de Rand, escritor ruso emigrado a Canadá y considerado, por algunos, de derechas; de ésta y de algunas otras canciones derivó una fama de banda “ambigua”.

Es casi inútil subrayar que Peart siempre ha negado cualquier punto de conexión entre su lírica y la ideología de derechas. Todo esto no impidió que Rush fuera declarada “la banda más prometedora de 1975” y que grabara, ‘Caress of steel’, un álbum decididamente avanzado para aquellos tiempos, que contenía temas sin significado como ‘I think l’m going bald’, alternadas con pequeñas joyas de fantasía científica como ‘Necromancer’ o ‘The fountain of Lamneth’. Era evidente que Rush se estaban convirtiendo en algo más que una simple banda de hard rock; los temas estaban a años luz de la iconografía típica del heavy.

Quizá la clave de los sucesivos movimientos del grupo pudo ser la ambición; decisivamente orientados hacia el rock progresivo y empapado Neil Peart en algunos escritores de ciencia ficción, Rush llegaron con ‘2112’ a lo que puede definirse “rock del futuro”. Publicado en 1976, el álbum describe la lucha de un hombre solo contra un mundo gobernado por los despóticos “curas del templo de Syrinx”, en una sociedad gobernada en base a la lógica y en la que la música estaba fuera de la ley. Algunos críticos se enfurecieron ante la historia e intentaron interpretarla en base al logotipo del grupo: un hombre desnudo que se alejaba de una estrella roja. El doble álbum en directo ‘All the world’s a stage’ cerraba un ciclo evolutivo, estableciendo una costumbre de la banda: subrayar con un álbum en directo el fin de un período de experimentación y el inicio de otro.

Finalmente, en 1977, también los críticos europeos, que nunca habían tenido la oportunidad de ver a Rush en acción y que evidentemente se habían lanzado a la caza de sus discos con tenacidad, dada la incompleta distribución de éstos por parte de la sucursal europea de Mercury-Polygram, pudieron seguir de cerca al grupo en su primera gira por el viejo continente; ‘A farewell to kings’ fue el primer álbum oficialmente distribuido en Inglaterra y, además, el que señalaba el comienzo de las colaboraciones de Rush con los estudios Hypgnosis (los mismos de Pink Floyd y Led Zeppelin) para sus cubiertas. Este disco, junto a los siguientes ‘Hemispheres’ (1978), ‘Permanent waves’ (1980) y ‘Moving pictures’ (1981), constituyó la fase dedicada a la exploracion progresiva de las técnicas instrumentales; sustancialmente lo que cambiaba era la facilidad de interpretación y la técnica, destinada a convertirse en la verdadera marca de fábrica del trío.

Su campo de acción era el rock, pero calificarlos de músicos hard o heavy sería muy discutible. El doble en directo ‘Exit stage left’ cerraba la segunda fase, mientras que la tercera se iniciaba claramente con ‘Signals’, una estupenda colección de las más dispares influencias musicales pasando de viejas leyendas de magia y espada al reggae. Inútil señalar que, como si fuera un ritual cabalístico, la secuencia de cuatro discos de estudio precediendo a un doble álbum en directo se respetaba regularmente, con un ulterior punto de admiración para la refinadísima gracia y la lucidez compositiva de ‘Power windows’ (1985), con una sección de cuerda de 30 elementos, sin que ello recargue lo más mínimo el resultado final del producto.

‘A show of hands’, un álbum en directo de tan asombrosa transparencia sonora que no hace añorar la fidelidad digital ni siquiera al más fanático del sonido “compact”, era el broche final de esta tercera fase. En palabras de Geddy Lee, “Rush no pueden seguir siendo considerados una banda heavy metal, si alguna vez lo fueron; tampoco es exacto describirlos como una banda pomposa o progresiva. Sólo somos tres hombres que empleamos nuestros propios y diferentes gustos personales. Tenemos muchos intereses e influencias e intentamos manifestarlos todavía por mucho tiempo”.

Tratar de imaginar cuál podría ser el contenido de la próxima e indescifrable cuarta fase, es tarea imposible. Rush son tan sólo previsibles en una mínima parte, y en el fondo, quizás, su fascinación reside en el placer de lo imprevisto. En 1990 Rush cambiaron de compañía discográfica y editaron un nuevo álbum, ‘Presto’, más duro.

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Deep Purple

Aunque pueda parecer extraño, fue la campiña de Herfordshire la que vio nacer y madurar al grupo más importante para el desarrollo del clásico sonido hard rock. No es necesario ser adictos al género para reconocer a Deep Purple una supremacía que se inició en febrero de 1968, cuando cinco chavales ingleses, Ritchie Blackmore, Jon Lord, lan Paice, lan Gillan y Roger Glover (estos últimos habían sustituido a Rod Evans y Nicky Simper), decidieron alejarse del mundillo musical anglosajón para estudiar una fórmula original respecto a los clichés que copaban el mercado del rock. De una mezcla casual de intereses (el amor de Lord por la música clásica, la tendencia de Blackmore por el blues y la vena netamente hard del resto del grupo) los jovencísimos Deep Purple habían logrado inventar en su “retiro espiritual” un sonido que se convertiría en sinónimo de rock “a la inglesa”.

La diferencia entre las otras dos grandes bandas del rock duro, Led Zeppelin y Black Sabbath, residía en el hecho de que esta última era creadora de “riffs”, mientras que la primera era “inventora de canciones”. Con Deep Purple, inventores del “rock and roll superamplificado”, se cierra el círculo que hizo famosa a Inglaterra por haber dado a luz a las tres bandas más importantes de la historia del rock duro. Y si resulta hoy en día muy difícil de comprender a fondo cuál fue la verdadera aportación del sonido de los cinco ingleses, es importante saber que cada uno de los componentes de Deep Purple ha logrado, a su manera, crear escuela. El verdadero nacimiento de este “super grupo” fue algo más complicado de lo que narran las biografías oficiales.

Chris Curtis, que había sido durante un breve período batería de The Searchers, había abandonado la batería por el micrófono y deseaba encontrar un grupo que lo acompañara. A finales de 1967 logró persuadir a dos hombres de negocios de Londres (Tony Edwards y John Coletta) para que lo ayudaran con una adecuada cobertura financiera; dos músicos, el teclista Jon Lord y el bajista Nicky Simper, habían sido reclutados en el momento en el que Curtis decidió abandonar el proyecto, en la primavera de 1968. Coletta y Edwards, por suerte, siguieron con la idea de continuar invirtiendo en proyectos musicales e instigaron a Lord y Simper para que formaran su propia banda.

Jon Lord (nacido en Leicester el 9 de junio de 1941) era un teclista de fuerte tendencia clásica: después de haber estudiado durante tres años sin demasiada suerte en la escuela de arte dramático, había decidido volver a ocuparse de la música. Al principio de la década de los sesenta había tocado con algunos grupos de jazz antes de dedicarse al beat y al rhythm and blues con los Artwoods (grupo formado por Art Wood, hermano del Ron actualmente en The Rolling Stones) y con Riot Squad. Simper, por su parte, había tocado con Johnny Kidd and The Pirates como bajista hasta que, en un accidente de carretera, el propio Kidd perdió la vida; en lo sucesivo había trabajado como músico de estudio.

Precisamente había conocido a Lord durante un trabajo de estudio. La primera persona que se unió a ellos dos fue Ritchie Blackmore (nacido en Weston-Super-Mare el 14 de abril de 1945), un guitarrista de estudio cuya colaboración más famosa hasta ese momento había tenido lugar con el enloquecido Screamin’ Lord Sutch. lan Paice (batería, nacido en Hounslow, Londres, el 29 de junio de 1948) y Rod Evans, cantante, fueron centrados a través de anuncios. Firmaron casi de inmediato un contrato con Parlophone, una compañía menor propiedad de EMI, y tuvieron un discreto éxito en América, donde su versión de ‘Hush’ logró alcanzar el cuarto puesto en las listas de éxitos.

Era la segunda mitad de 1968, de allí a poco tiempo seguirían otras dos versiones: ‘Kentucky woman’, Neil Diamond, y ‘River deap mountain high’, de Phil Spector. Los primeros tres álbumes (‘Shades of Deep Purple’, de 1968, ‘The book of Taliesyn’ y ‘Deep Purple’, ambos de 1969), a pesar de mostrar sólo en embrión lo que se transformaría en el espléndido y clásico sonido de Deep Purple, se vendieron decorosamente. Les faltaba un rumbo preciso que el grupo parecía no lograr tomar, debido a la inevitable presencia de versiones de temas ajenos: ‘Hey Joe’ de Dino Valenti, ‘Help’ y ‘We can work it out’ de The Beatles, ‘Lalena’ de Donovan Leitch, eran jaulas doradas en las que el desbordante sonido de la guitarra de Blackmore y el amenazador y monolítico sonido del órgano de Lord convivían a duras penas.

Era evidente que el potencial del grupo estaba aún por descubrir y que estas pueriles concesiones a necesidades estrictamente comerciales les impedían su completa madurez. La misma fama de la banda se resentía de ello: en Estados Unidos eran considerados un buen grupo pop dedicado a hacer versiones; en su patria eran prácticamente desconocidos. La necesaria reestructuración condujo al despido de Simper y Evans, los puntos débiles del mecanismo. Simper manifestó claramente su desacuerdo en varias ocasiones con el paso de los años. Quizás el bajista tenía razón al manifestar su desilusión: en aquellos tiempos era difícil comprender qué era lo que no funcionaba dentro de la formación, y Simper tenía razón al sostener que sin su aportación y la de Evans Deep Purple, con seguridad, no habrían existido, pero ¿cómo criticar, a la luz de los hechos, la elección de sustituirlos por el cantante  lan GiIlan y el bajista Roger Glover?.

lan Gillan (nacido en Hounslow el 19 de agosto de 1945) y Roger Glover (nacido en Brecon el 30 de noviembre de 1945) habían trabajado en un gran número de bandas semiprofesionales antes de entrar a formar parte de Episode Six, grupo pop en cuyas filas militaban cuando fueron captados por Deep Purple. La elección no había sido casual: Gillan en particular pareció desde un principio el personaje perfecto que daría un sello de originalidad a todo el sonido del grupo, mientras que la aportación de Glover se convirtió en seguida en fundamental desde el punto de vista inspirativo y conceptual. Pero el verdadero salto de calidad tuvo lugar con un viejo proyecto de Lord: un concierto clásico con una orquesta, la Royal Philarmonic, en un templo de la música clásica, el Royal Albert Hall, y con un grupo rock, Deep Purple, naturalmente.

Sin embargo, a pesar de que ‘Concert for group and orchestra’ atrajera por primera vez el interés de los medios ingleses, sería ‘Deep Purple ln rock’ (1970) el disco que los convirtió en una verdadera institución del rock duro: la simplicidad de los “riffs”, unidos a unas melodías lineales pero de rara potencia y a una técnica envidiable, hicieron ascender las ventas hasta un millón de copias, mientras que las tranquilas listas pop se veían sacudidas por el heavy metal de ‘Black night’, verdadero ciclón, sin duda el primer ejemplo de heavy metal comercial. El single alcanzó en poco tiempo el segundo puesto en las listas inglesas. Pero con los primeros éxitos también llegaron rumores acerca de desacuerdos y rivalidades dentro del grupo; muchos empezaron a temer una disolución desde ese momento.

En realidad, más que una lucha por la hegemonía, el grupo se estaba deshaciendo por las difíciles y chocantes personalidades de sus miembros: Blackmore, en primer lugar, era un personaje extremadamente esquivo, difícil de manejar, interesado sólo en su guitarra y en su sonido, un hombre muy tímido que se volvía intratable frente a un éxito que le desbordaba. Sin embargo fue él quien pisó el acelerador en las composiciones de siguiente disco, el afortunado ‘Fireball’ (1971), y del mítico ‘Machine head’, uno de los álbumes más famosos de la historia del rock. Con ‘Smoke on the water’ a la cabeza de las listas junto al álbum de 1972, Ritchie se permitía hacer declaraciones como: “…en la música, hoy, hay lugar para desarrollar aún muchas cosas y yo quiero hacer todavía más. Creo que puedo hacer algo muy excitante con Deep Purple; todos somos buenos músicos, pero también somos limitados, y es difícil componer grandes “riffs” heavy cada vez. No pienso que podamos volvernos aún más grandes de lo que somos hoy; ‘ocupamos una buena posición pero no puede durar para siempre!”.

Probablemente el terror a no lograr estar siempre al nivel de su fama estaba destruyendo a Ritchie más que el estrés al que una estrella del rock se ve sometida… Sin embargo, con gran sorpresa, fueron Gillan y Glover los que abandonaron el grupo en 1973, justo después de la publicación de ‘Who do we think we are?’ Hoy, con la distancia de los años, hay quien jura que el cantante ya había abandonado desde hacía tiempo a Deep Purple, pero que se vio obligado por la compañía discográfica a quedarse, para favorecer las enormes ventas de los últimos discos de la banda, entre los que se encuentra ‘Made in Japan’ (1972), uno de los mejores álbumes en directo de la historia del rock.

Los intereses de Gillan estaban en ese momento centrados en el estudio de grabación equipado con los beneficios procedentes de la participación en el álbum (y en la película) ‘Jesus Christ Superstar’, donde lan había desempeñado precisamente el papel de Jesús. El abandono de Glover, por el contrario, se debía a su interés por la organización y relaciones públicas de Purple Records, la compañía que tenía el grupo; estaba indeciso sobre la dirección a tomar. Mientras el mundo del rock se preguntaba cuál sería el sustituto de lan Gillan (el nombre de Paul Rodgers, ex cantante de Free, era el que circulaba con más frecuencia), Roger Glover era reemplazado por Glen Hughes, excelente cantante/bajista procedente del trío Trapeze.

Casi al mismo tiempo entró a formar parte de Deep Purple David Coverdale, prácticamente un desconocido… “Trabajaba en una tienda de ropa y cantaba por la noche en pequeñas bandas de clubs (ha declarado Coverdale en una entrevista), y supe que Deep Purple estaban buscando sustituto para lan Gillan. Cuando recibí la respuesta a la ‘maqueta’ que había enviado me di cuenta de que el grupo se había interesado en mí …y me quedé sin habla!”. EI bautismo de la nueva formación tuvo lugar en la “California Jam” de 1973, con la banda como atracción principal frente a 700.000 personas. Glen Hughes aún no era esclavo del alcohol, así que Deep Purple podía contar con dos elementos, Coverdale y Hughes, capaces de alternarse con eficacia frente al micrófono.

Entre 1974 y la primera mitad de 1975, poco antes de que Ritchie Blackmore se marchara para formar Rainbow, el grupo inglés grabó otros dos buenos álbumes: ‘Burn’ y ‘Stormbringer’. El destino de Deep Purple parecía definitivamente marcado cuando Coverdale y Hughes (que habían intentado impedir la disolución del grupo) fueron sustituidos por Tommy Bolin. Éste procedía de James Gang, una formación histórica del hard estadounidense, donde había sido el sucesor del famoso Joe Walsh, también sondeado para ocupar el puesto de Blackmore; fue el mismo Walsh quien les aconsejó el reclutamiento de Bolin, quien se integró inmediatamente en la formación, componiendo gran parte de ‘Come taste the band’, nuevo álbum que apareció a finales de 1975.

El disco, tibiamente aceptado por los fans, fue mal acogido por la crítica, que no se dio cuenta de que, por vez primera, un disco de Deep Purple no estaba editado bajo la marca de fábrica del hard rock y del heavy metal. Los intereses musicales y las raíces rhythm and blues (donde no entra el jazz) de Tommy Bolin habían deformado parcialmente el cliché típico de los productos de Deep Purple, dejando entrever nuevos y positivos desarrollos para el futuro del grupo; pero ya era demasiado tarde. En julio de 1976 Rob Cooksey, mánager del grupo, declaraba oficialmente a la prensa: ‘Tras los innumerables cambios de los últimos años, creemos más justo dar fin a la aventura en un momento de creatividad, antes de esperar momentos turbios”.

Glen Hughes, tras grabar un álbum en solitario, desapareció una temporada, prisionero del alcohol y las drogas, antes de reaparecer al lado de Pat Thrall en The Thrall Hughes Band; lan Paice y Jon Lord, antes de embarcarse en una larga serie de colaboraciones, se unieron al ex Family Tony Ashton para dar vida a Paice, Ashton and Lord. Coverdale, por su parte, intentó dos veces la jugada en solitario antes de crear Whitesnake, recuperando a Lord y a Paice. El autodestructivo Tommy Bolin falleció por sobredosis pocos meses después de la disolución de Deep Purple, dejando con mal sabor de boca a quienes habían creído en él. Deep Purple habían dispuesto de ocho años de tiempo para entrar en “el olimpo” del rock, pero sólo en los tres últimos años habían hecho méritos suficientes para merecerlo.

Las ventas de sus álbumes en la última época justificaban el interés de sus fans y de la crítica por volver a ver unida de nuevo a la mejor formación de Deep Purple. Las especulaciones iban en aumento, hasta el punto de que se organizaron cadenas humanas para apoyar lo que se definió como la reunión de la década. Por fin, surgió la noticia de su renacimiento, tras una oferta de varios mi!Iones de dólares. Los fans no acababan de creérselo, pero las dudas se esfumaron tras la aparición del fascinante ‘Perfect strangers’ en 1984, un álbum tan simple y “modesto” como fresco y convincente. Habían pasado catorce años desde el último disco; sin embargo, Deep Purple parecían no haber acusado su paso.

En 1986 se publicó el original ‘House of the blue light’, disco que sobre el clásico sonido Purple añade nuevas tecnologías mezcladas atentamente con las antiguas raíces blues del grupo. Pero eran las actuaciones en directo las que daban la medida de la popularidad de los ingleses. ‘Nobody’s perfect’ de 1988, lujoso doble en directo, es la culminación de su envidiable actividad concertística y el primer álbum oficial en directo desde el lejanísimo ‘Made in Japan’. Pero la irónica y autocrítica afirmación del grupo de que “nadie es perfecto”, su implícito rechazo a recurrir a modernas y difundidísimas técnicas de “pulido” de las grabaciones en directo, en favor de un producto más inmediato, sincero y más cercano a la realidad, eran rechazados por la crítica (sin duda estimulada por el placer de derribar a un mito que se había revelado más sólido de lo previsto) y por parte de los fans, que deseaban, tal vez, algo más falso y a la altura de esa imagen de semidioses que rodeaba a los cinco componentes de la más grande hard hand del mundo.

A finales de la década de los años ochenta volvía a revolotear el espectro de la disolución del grupo. Ritchie Blackmore estaba más interesado en la reconstrucción de su viejo proyecto, Rainbow, que en el futuro de la banda; lan Gillan dejó también el grupo. iY pensar que se les había atribuido el papel más importante en la reunión de 1984! De todas maneras, a Deep Purple le quedará siempre el mérito de haber inmortalizado una original fórmula de hard rock.

Arturo Canto Rebora
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