Helloween

La historia de Helloween comienza en 1978 en Hamburgo, Alemania. Fue fundada por Kai Hansen y su nombre original fue Gentry y la formación de esta primera banda consistía además de Kai Hansen en Piet Sielck y algunos de músicos invitados. En 1980 la banda decide cambiar el nombre por el de Second Hell y entran a formar parte del grupo dos nuevos miembros, Markus Grosskopf en el bajo e Ingo Schwichtenberg en la batería. La formación de Second Hell duró dos años, así que la banda tuvo que cambiar otra vez de nombre. Esta vez llamados Iron Fist. Poco tiempo después ingresa a la banda Michael Weikath, dando como resultado un nuevo nombre, el definitivo, Helloween.

En 1984, Helloween graba dos discos para Death Metal Collection: “Oernst of Life” y “Metal Invaders”. En 1985 graban el mini EP “Helloween”, que contiene el primer éxito de la banda “Judas”,con el que comienzan a ser reconocidos, con buena aceptación por parte del público, con lo que se deciden a grabar lo que sería su primer album.
En 1986 graban con Noise Records su extraordinario album debut, “Walls of Jericho”. Este es un disco como pocos, contiene la fabulosa “How Many Tears” (una de mis favoritas). En lo personal este disco después de los Keepers I y II es el mejor disco de la banda, pero no lo recomiendo para los que apenas se van a iniciar en Helloween.
La banda comienza a irse de gira y Kai Hansen se ve con problemas al tener que tocar la guitarra y cantar al mismo tiempo, por lo que la banda decide meter un quinto integrante. En 1986 entra a formar parte del grupo Michael Kiske, con apenas dieciocho años, para ser el vocalista del grupo. Helloween ahora tenía una nueva voz y sin saberlo acababan de ganar la mejor adquisición que cualquier banda desearía. Poseían dentro de su alineación a la mejor voz que ha existido en el Metal.
En 1987, se edita el álbum “Keeper Of The Seven Keys – Part I”. Cualquiera que sepa de Metal ( en cualquiera de sus diferentes ramas ) sabe que este disco es una leyenda del Metal, de los mejores. Con Hansen dedicado al 100% a la guitarra y con la increíble potencia de las cuerdas vocales de Kiske, consiguen grabar un disco glorioso. En sí el disco es una joya pero sobresalen extraordinarios temas como “A Little Time”, “I´m Alive”, “Future World”, “A Tale That Wasn´t Right” y “Halloween”.
En 1988, sale a la calle la segunda parte de este álbum “Keeper Of The Seven Keys – Part II” clasificado como el mejor álbum en la historia de Helloween por sus seguidores. Este disco perfecciona lo que se había iniciado en el Keeper of the Seven Keys I, y no solamente eso, ambos hacen el dúo más perfecto que ha habido en la industria discográfica. Este álbum contiene tal vez los mejores temas de la historia de Helloween como “I Want Out”, “Eagle Fly Free”, “Dr. Stein”, “We Got The Right”, “Rise And Fall” y la bella “Keeper of the seven keys” que es una de las obras maestras de Helloween a pesar de sus 13 largos minutos que a mí hasta se me hacen pocos.
Los Keeper of the seven keys I y II son la biblia de Power Metal, el primero es el antiguo testamento del metal, y el segundo es el nuevo testamento. Sin saberlo Helloween habían construido los cimientos de un nuevo estilo, mas tarde denominado Power Metal. Los Keepers construyeron las bases del Power Metal que influiría definitivamente en las bandas posteriores.
En 1989, Kai Hansen decide dejar Helloween debido a sus diferencias con Michael Weikath para más tarde fundar su nueva banda, Gamma Ray, y es reemplazado por el guitarrista Roland Grapow. Ese mismo año en 1989, sale al mercado el disco en directo “Live In UK” mostrando el poder de Helloween sobre el escenario. En este disco vale mucho la pena oír How Many Tears, ya que hacen de esta una interpretación maestra.
En 1992, el álbum “Pink Bubbles Go Ape” es editado, y pronto, mostró ser diferente del resto de los discos de Helloween. En la caratula no aparecían las famosas calabazas, que eran el logotipo de la banda. Además, el álbum era mucho más técnico que todos los anteriores. Era un trabajo diferente. Pero aún así tiene un gran tema como “Kids of the Century”.
En 1993, se edita “Chamaleon”. Se consideró el peor álbum de la banda, pero simplemente era la evolución lógica de un grupo que llevaba más de 10 años de gira por el mundo.
Este álbum tiene uno que otro tema recatable como “Where the Sinner”, pero en sí en su contenido es mediocre para lo que puede dar Helloween.
Durante el tour de este disco, tuvieron varios problemas, quizá el más importante es el ataque de esquizofrenia de Ingo Schwichtenberg, baterista, enfermedad que le venía de herencia. Tuvieron que cancelar la gira en Japón e Ingo no dejaba de llorar. Ese año Ingo abandona la banda. Dos años después en 1995 la esquizofrenia de Ingo, sumado a su adicción a las drogas y el alcohol, se suicida tirándose a la vía del metro con una camiseta puesta de Helloween. Esta noticia devastadora afectó a la banda ya que Ingo había salido de la banda para rehabilitarse por su adicción a los drogas y tratar su esquizofrenia, y tal vez algún futuro regresar a la banda.
En 1993 Uli Kusch fue el encargado de sustituir a Ingo pero ahora definitivamente. En ese mismo año una noticia cayó como bomba, habría un cambio de vocalista. Michael Kiske fue echado de la banda por problemas con Michael Weikath y como éste era practicamente el dueño del grupo ya que cuando salió de la banda Kai Hansen años atrás que era el fundador de Helloween y accionista mayoritario de la propiedad del nombre de la banda, Hansen le vendió sus acciones a Weikath y por lo tanto se convirtió en dueño de la totalidad del nombre de Helloween. Así que por lo tanto Weikath tenía el poder de correr a Kiske de la banda y sustituirlo por Andi Deris, de Pink Cream 69. Esto acabó con una gran mayoría de los admiradores de la banda ya que Helloween sin Michael Kiske no era Helloween. Kiske era lo único que quedaba del verdadero Helloween, además de que para los fans era el sucesor de Hansen en el liderazgo de Helloween. Y además de que su extraordinaria y superdotada voz no tiene ni siquiera el mínimo acercamiento.
En 1994, ve la luz “Master Of the Rings” con el nuevo vocalista. Este disco contiene la extraordinaria balada y tal vez la canción mas sobresaliente de la nueva etapa de Helloween, “In the Middle of a Heartbeat”.
El disco impresionó a buena parte de sus fans, con lo que en menos de dos años, en 1996, se edita “The Time Of the Oath”, con gran aceptación. Durante la gira del álbum se edita en Italia y España el doble en vivo “High Live” en 1997.
En 1998, es el año de “Better Than Raw”, que si no tenemos en cuenta las dos partes de Keeper of the Seven Keys ni Walls Of Jericho, es considerado lo mejor de Helloween. Este álbum está más heavy que los otros, y les llevó en 1998 a realizar un gira conjunta con Iron Maiden.
En el 99 sacan un disco llamado “Metal Juke Box” donde Helloween hace tributo a bandas que tuvieron influencia sobre Helloween, donde interpretan covers de aquellas bandas como Scorions y Jethro Tull.
En el 2000 sale a la calle “The Dark Ride” un disco fascinante, que contiene dos fascinantes rolas como “Immortal” y “If I Could Fly”.
Helloween ha probado una vez más que es imposible hablar de Metal europeo sin mencionar su nombre, algo que por otra parte los millares de fans que tienen a lo largo y ancho del globo ya sabían más que de sobra desde hace mucho, mucho tiempo.

Arturo Canto Rebora
Arturo Canto Rebora

Arturo Canto Rebora

 

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Aerosmith

Una de las bandas de hard rock más populares de los años setenta, Aerosmith, se llamo como una de las más notables en la historia del rock y regresó a estar en la cima en los ochenta y principios de los años noventa. Combinando el rock blues y la imagen de chicos malos que tenían los Rolling Stones con el metal vistoso de KISS, Aerosmith anotó varios hits en la radio y puso en auge el estallido de las bandas de metal de los años ochenta. Aerosmith empezó en 1970 en Sunapee, N.H., donde el vocalista Steven Tyler se encontró primero con el guitarrista Joe Perry. Junto con el bajista Tom Hamilton, baterista Joey Kramer y Ray Tabano (después reemplazado por el guitarrista Brad Whitford), la banda se translado a Boston, después en ese ese año, se volvieron los favoritos del club en el Nordeste. Después de firmar con Columbia, el grupo soltó su debut album eponymous en 1973. El álbum fue un éxito, gracias al tema Dream On Después de compartir tour durante la mayoría de 1974 con grupos como Mott The Hoople y los Kinks, Aerosmith volvió ese año con Get Your Wings, que estuvó en los listados por más de 85 semanas. Con su álbum de 1975 Toys in The Attic, Aerosmith se volvió una banda reconocida en casa. El éxito del álbum incitó el re-release deDream On que alcanzó el puesto 10 iniciando 1976, y aumentó las ventas de los primeros dos álbumes de la banda. Rocks de 1976 alcanzo el No. 3 y rápidamente fue platino. En 1977 continuaron con, Draw The Line, que también fue platino. Siguiendo en el Tour de 1978 en EE.UU. , Aerosmith apareció en la película Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, mientras realizaban un cover de Come Togetherofrecido en su álbum en vivo de 1978, Live! Bootleg, “Come Together” fue el último mayor hit de la banda en 1970. Siguiendo la salida del álbum Night in the Ruts en 1979, Joe Perry empezó a trabajar en un proyecto, mientras el guitarrista Brad Whitford dejó el grupo para formar una nueva banda con el ex guitarrista de Ted Nugent Derek St. Holmes. Ellos fueron reemplazados con los nuevos guitarristas Jimmy Crespo y Rick Dufay. Entretanto Steven Tyler tuvo un accidente serio de motocicleta que lo mantuvo en el hospital durante meses. Siguiendo con el album Greatest Hits que vendió más de seis millones de copias, la nueva encarnación de Aerosmith sacó el álbum Rock In A Hard Place en 1982. Poco después, la banda salió de Columbia. Perry y Whitford volvieron a la banda para una gira de reunión en 1984. Habiendo firmado un nuevo contrato con Geffen, la banda empezó una nueva fase en su carrera cuando sacaron en 1986 Done With Mirrors, marcando un retorno a la alineación original y al sonido que los hicieron un hit en los años setenta. Trabajando con el mismo equipo de de los álbumes hits de Bon Jovi, el compositor profesional Desmond Child y el productor Bruce Fairburn, Aerosmith grabó su álbum en 1987 Permanent Vacation. El álbum vendió más de tres millones de copias. En 1989 sacaron Pumpofreciendo Janie’s Got A Gun y Love In An Elevatorel álbum vendió cuatro millones de copias. El más exitoso posiblemente en la historia del Rock. La banda firmó un nuevo contrato con Columbia (a pesar de deberle dos álbumes a Geffen). En 1993, Get A Grip vendió encima de 12 millones de copias en alrededor del mundo y ganó los dos Grammys por banda. El año siguiente Aerosmith se embarcó en una gira mundial, incluso con apariencia a Woodstock ‘ 94; entretanto ellos soltaron el doble – platino – por sus ventas con la recopilación Big Ones que completó su contrato con Geffen. El debut de Aerosmith paraColumbia Records, fue con Nine Lives, salió en marzo de 1997 y debutó en los listado como el álbum No. 1. Después de cuatro semanas de su aparición, Nine Lives obtuvo oro en seis países, platino en uno y el platino doble en dos países. En 1998 Aerosmith ya tenía su primer #1 con la canción, “I Don’t Want To Miss A Thing” del soundtrack de la película Armageddon. La canción se postuló para un Premio de la Academia y varios Grammys. Todavía en 1998, la banda sacó un album doble – en vivo llamado A Little South Of Sanity.

Arturo Canto Rebora
Arturo Canto Rebora

Arturo Canto Rebora

Van Halen

Si se estableciera una hipotética clasificación para determinar cuál es el guitarrista más innovador del rock “después de Hendrix” sería difícil olvidar a Edward Van Halen, punta de lanza de una banda que había adoptado el nombre de dos hermanos hijos de emigrantes holandeses. Favorecidos por la creciente demanda de rock duro en América desde finales de los años setenta, a Van Halen no les costó nada imponer su sonido.

Van Halen deben gran parte de su fortuna a una sola canción, ‘You really got me’, que, de improviso, les brindó la atención mundial. La fórmula de su éxito no fue ajena a la fantasía y la simpatía de su líder, el cantante David Lee Roth, pero el toque de gracia residía en la combinación de la eficacia escénica del grupo con la agresividad de su estilo, absolutamente originales para aquellos tiempos.

Eddie y Alex Van Halen, provenientes de la ciudad de Nijmegen, en Holanda, fueron iniciados en la música por su padre; cuando alcanzaron la adolescencia abandonaron el piano clásico y se dedicaron, respectivamente, a la guitarra y la batería. Cuando su familia se trasladó a California se inscribieron en la Pasadena High School, donde conocieron a David Lee Roth, un joven cantante oriundo de Indiana, que les propuso formar una banda a la que inicialmente dieron el nombre de Mammoth. El puesto de bajista lo ocupaba Michael Anthony. Gene Simmons, el “satánico” bajista de Kiss, se fijó en ellos y los presentó a Ted Templemann, productor que les ofreció en seguida la firma de un contrato con Warner Brothers y que ligó indisolublemente su nombre al del grupo. Rebautizados como Van Halen, los ex Mammoth, para su primer álbum, aprovecharon gran parte de las canciones que ya tocaban desde hacía años en el circuito de Los Angeles.

‘Van Halen’, el álbum de debut, apareció en 1978, y fue un “puñetazo al estómago” de la efervescente escena hard estadounidense. Aunque América había desaprovechado las ocasiones de consagrar a algunas bandas de absoluto prestigo, que obtendrían reconocimiento en los años siguientes, a finales de la década ya mostraba un creciente interés hacia un sonido tenido hasta entonces por snob; la llamarada del punk sirvió sustancialmente para revalorizar el heavy rock, un filón que nunca había dejado de forjar intérpretes de gran valía, incluso en los períodos menos afortunados. Aunque la escena del hard estuviese en franca expansión, las explosiones de notas provenientes de la mágica guitarra de Eddie Van Halen, iban más allá de cualquier perspectiva.

Su sorprendente técnica y la innovadora utilización de los efectos lo ponían por encima de cualquier cosa escuchada antes. Si Jimi Hendrix había sabido tocar la guitarra eléctrica como nadie lo había hecho antes, Eddie, mezclando técnicas de rock’n’roll con influencias clásicas, estaba en la barrera del volumen y de las distorsiones que parecían hacer las delicias de los amantes del género. No parece que esté fuera de lugar el exaltante comentario de
David Lee Roth cuando dijo que Eddie era el primer “guitar hero” de los años ochenta. Todos los demás estaban superados y parecía que Eddie estaba dispuesto a aprovechar esta situación.

Lo que marcó el inicio de la fortuna de Van Halen fue la idea de acoplar una arrolladora versión de la mítica ‘You really got me’ de The Kinks, a un perturbador solo de Eddie, ‘Eruption’. La unión de uno de los más grandes “riffs” del pasado a la nueva y devastadora técnica del holandés, resultó vencedora. Eddie era un monstruo de energía no sólo para los apasionados o para la crítica, sino también para sus propios colegas, que no se avergonzaban de señalarlo durante algunos años como el mejor guitarrista. A pesar de ello, al principio algunos intentaron restarles méritos sosteniendo que la extremada brevedad de los conciertos del grupo era debida al temor a que se descubriera algún truco oculto.

La verdad es que la fama había llegado tan pronto que el repertorio de Van Halen no daba para más de media hora. Algunas bandas, como Black Sabbath, los escogían corno teloneros de sus conciertos, hasta que se daban cuenta, demasiado tarde, de que las exhibiciones de Van Halen hacían resaltar aun más las diferencias técnicas entre las dos generaciones de rockeros. La extraordinaria facilidad con la que el cuarteto ejecutaba pasajes hasta entonces tenidos por impensables, se repetía en el segundo álbum, ‘Van Halen II’, donde se insinuaba algún sutil cambio de intereses en ternas como ‘Spanish fly’, un tema instrumental y acústico. La gran gira mundial que la banda emprendió desde 1979 hasta mediados de 1980, confirmó su “status” de grupo de “megaconcierto”.

Por otro lado, Van Halen supieron agregar un gusto muy especial a su iconografía: la descarada tendencia de Roth a adoptar posturas provocativas y sexualmente explícitas, se convirtió en una marca distintiva, que, unida a sus originales y coloreadísimos atuendos, lo hacían aún más reconocible. EI grupo tenía al mundo en sus manos: geniales, simpáticos y potentes, sólo podían destruirse ellos mismos, y así sucedió. Con la aparición de su álbum, ‘Women and children first’ (1980) todas las promesas se vinieron abajo; el disco era demasiado autoindulgente y contrastaba excesivamente con sus impecables actuaciones en directo.

Con el cuarto, ‘Fair warning’ las cosas mejoraron, pero las comparaciones con el disco de debut siempre resultaban a favor del viejo producto; el mismo álbum que había decretado su fortuna se estaba convirtiendo en un incómodo test. El resbalón llegó con ‘Diver down’, título acertado para una banda que había triunfado demasiado rápido. Cuatro versiones en un mismo álbum parecen más una señal alarmante de falta de inspiración que un homenaje a los clásicos. Ante las mil dudas suscitadas por una experiencia de este género cabe preguntarse si el bienestar y la inmensa aceptación que habían obtenido originaron la pérdida de los estímulos esenciales para mantenerse “con hambre de notas”.

Los dos años de silencio que siguieron fueron más bien una necesidad que una elección; David Lee Roth parecía cada vez más comprometido en una personal búsqueda de nuevas formas de maravillar a toda costa para satisfacer su propio ego. Tras escribir el guión de una película que él mismo debía protagonizar, se dedicó a la grabación de un álbum en solitario; mientras tanto, los otros Van Halen se tomaban un período de merecido descanso y reflexión. Pero antes de ‘Crazy from the heat’, el disco en solitario de Roth, debía ver la luz ‘1984’, testamento musical de la formación original de Van Halen, quizás el álbum más maduro y logrado desde los tiempos de ‘Van Halen’. Un inesperado desarrollo de los intereses de Eddie respecto a los teclados dio vida a temas, fáciles sólo en apariencia, que señalaban otra etapa en la evolucion del pop metal de categoría. ‘Jump’, ‘Panama’ y ‘Hot for teacher’ eran canciones de esqueleto descarnado, pero equilibradísimas, pequeñas joyas del género. Al mismo tiempo, el uso bien calibrado del vídeo, con autoironía, sexo e instinto de discriminación en su justa medida, hacían de los clips de Van Halen quizá los vídeos mejor logrados por una banda heavy.

La magia duró poco: disputas aparentemente insuperables entre los dos líderes naturales, Eddie Van Halen y David Lee Roth, empujaron a este último a escoger un camino diferente para formar su propia banda. Un año y medio después los tres Van Halen anunciaban a la prensa que Sammy Hagar sería el sustituto de David. La decisión era verdaderamente sorprendente: David era un aullador, un animal de escenario que extraía la mayoría de sus impulsos de los estímulos sexuales, y Sammy era un cantante de hard/rock cuyas tendencias melódicas, empero, se acercaban precisamente al desarrollo que Eddie habría querido dar a su música. Tanto Hagar como Van Halen tenían una cosa en común: ambos habían debutado con un álbum de éxito.

En 1986, Sammy y sus enseguida rebautizados Van Hagar (sólo irónicamente, claro) lanzaron su primer gran éxito en single, una canción aún más afortunada que ‘Jump’. Era ‘Why can’t this be love’, que decretaba el éxito de una fórmula que pocos habían llevado a buen término. ‘5150’, el título del álbum, tomaba el nombre de unas siglas usadas por la policía de Los Ángeles para definir en su jerga a un individuo peligroso, y, al menos en apariencia, la nueva encarnación de Van Halen tenía todo el aspecto de serlo: el natural instinto melódico de Hagar y sus solos mesurados se acoplaban bien a los nuevos intereses de un Eddie Van Halen no muy deseoso de mostrar al mundo su indiscutible supremacía técnica y de gusto.

Pero la hermosa fábula estaba destinada a durar poco: ya con ‘OU 812’ la formación daba señales de un entendimiento imperfecto. El álbum, publicado en 1988, aunque contaba con un trabajo de producción brillante, era sólo un buen disco; la historia se repetía. Aunque el álbum llegó alto en las listas estadounidenses, el progresivo alejamiento de sus viejos fans se convirtió en una espera de mejores tiempos para ambos.

Cuando Steve Vai (quizás el único hombre capaz de destronar a Eddie) abandonó a Roth para unirse a los Whitesnake de David Coverdale, se desataron los rumores; pero ¿existen posibilidades de que Van Halen, tras haberse “mofado” con el título de su elepé “OU 812” (que leído en inglés puede significar “Oh you ate one too”) del primer álbum en solitario de Roth, ‘Eat them and smíle’, tras haberse pinchado durante años, tras haberse declarado la guerra en las listas, acaben por volver a reunirse con su formacion original?

En 1988, mientras la espera continuaba, Roth publicó ‘Skyscraper’.

 

Arturo Canto Rebora
Arturo Canto Rebora

Arturo Canto Rebora

 

Judas Priest

Birmingham es la principal cuna del hard rock británico; allí dieron sus primeros pasos Led Zeppelin y Black Sabbath, y precisamente de esta ciudad, la segunda de Gran Bretaña, proceden Judas Priest. Nacida oficialmente en 1971, la banda tomó cuerpo con el determinante ingreso en la formación originaria de Rob Halford, ex técnico de luces de teatro. En este punto, el proyecto originario de lan Hill y Kenny “K.K” Downing, bajo y guitarra respectivamente, casi se podía dar por finalizado. Poco después llegaron John Hinch, batería, y Glen Tipton, otro solista.

Precisamente la presencia de dos guitarras solistas hizo resaltar al quinteto desde sus comienzos: Judas Priest sustituyeron al virtuosísimo solista a lo Jimmy Page o Ritchie Blackmore por la volcánica colaboración de dos guitarras y el impacto devastador de un “muro de sonido” que, en ocasiones, ensombrecía el virtuosismo. La banda trabajó duro desde sus primeros tiempos en clubes, convocó a su alrededor un nutrido grupo de fieles seguidores, y la Gull Records les ofreció la posibilidad de grabar su primer álbum.

Corría el año 1974, el elepé se tituló ‘Rocka rolla’; producido por Roger Bain, es un buen trabajo. La estridente voz de Halford, todavía inseguro e su propia personalidad, y los diálogos entre las dos guitarras, especialmente en dos temas, ‘Rocka rolla’ y ‘Dying to meet you’ le imprimen un sello especial. El siguiente álbum, ‘Sad wings of destiny’, contiene las credenciales necesarias para hacer entrar al grupo en la historia. ‘Sad wings of destiny’, coproducido junto a Jeffrey Calvert, con Alan Moore a la batería, contiene una serie de espléndidos temas: ‘Ripper’, ‘Victims of changes’, ‘Deceiver’, ‘Dream deceiver’, ‘Tyrant’, ‘Genocide’, todos ellos grandes canciones.

En 1977 Judas Priest lanzaron al mercado el single ‘Diamonds and rust’, una versión de un famoso tema de Joan Baez, pero lo más importante es que firmaron un contrato con una gran compañía, CBS. Poco antes de entrar en el estudio para la grabación del nuevo álbum, ‘Sin after sin’, Alan Moore fue destituido y sustituido por Simon Phillips. La producción se confió al ex bajista de Deep Purple, Roger Glover, pero el resultado es modesto; el carácter, el dinamismo de la banda se ha diluido parcialmente, y esto se advierte en los temas potencialmente más agresivos, como ‘Call for the Priest’, donde los cinco se muestran poco eficaces. Inmersos en una situación desfavorable, Judas Priest supieron reaccionar: se trasladaron a Estados Unidos y ofrecieron una docena de clamorosos conciertos, con un enésimo cambio de batería: salió Phillips, entró Les Binks; uno de ellos fue absolutamente memorable, el de Oakland, donde actuaron como teloneros de Led Zeppelin.

Los británicos pronto comprendieron que para conquistar el éxito en el nuevo continente no bastaba con unos cuantos conciertos, era necesario dejar pasar el tiempo. Sin embargo, esta elección les costó cara: en su país, como en muchos otros, fueron sustituidos en los favores del público por bandas como Saxon, Motorhead y lron Maiden. Hasta febrero de 1978, con ocasión de la publicación de su nuevo álbum ‘Stainled class’, Judas Priest no volvieron a tocar en directo en Gran Bretaña. Su nuevo productor, Dennis McKay, se daba cuenta de que intentar “amansar” al grupo con el fin de arrasar en las listas significaría un fracaso y decidió dar carta blanca al quinteto, que confeccionó un notable álbum. ‘Beyond the realms of death’, ‘Exciter’, ‘Better by you, better than me’, ‘lnvader’, no tardaron en convertirse en canciones-símbolo de la banda.

A fines de año apareció otro elepé firmado por el grupo de Birmingham; se titula ‘Killing machine’ y contiene un tema, ‘Take on the world’, que llevó a Judas Priest a la decimocuarta posición en las listas británicas. Pero el trabajo que los catapultó al firmamento del heavy metal fue ‘Unleashed in the East’, álbum en directo producido por Tom Allom, grabado en Japón e inicialmente destinado sólo a ese mercado. Canciones como ‘Tyrant’, ‘Sinner’, ‘Diamonds and rust’, o la gran versión de un tema de Fleetwood Mac, ‘The green Manalishi’, no podían estar destinadas exclusivamente al público oriental, y el disco se publicó en todas partes, con el añadido de un Ep con cuatro temas. Judas Priest revelaron ser “una máquina de conciertos”, y su directo refleja en el disco las mejores características del grupo.

Quizá sea éste el retrato más fiel del ardor y de la potencia sonora de la banda inglesa. Inmediatamente después de estos conciertos, Les Binks fue despedido, y su puesto fue ocupado por el ex Trapeze Dave Holland. Más tarde se publicó ‘British steel’, producido también por Allom. El álbum, promocionado en un afortunadísima gira de 17 días por Inglaterra, con Iron Maiden de teloneros, contiene dos temas que les llevaron a las listas; se trata de ‘Breaking the law’ y ‘Living after midnight’, que alcanzaron, ambos, la duodécima posición. La crítica juzgó severamente el disco, al contrario que el público, que hizo entrar a ‘British steel’ en el Top Five. En aquel momento, los únicos que estaban por encima de ellos eran Rainbow; a su zaga quedaban grupos del calibre de Scorpions y Saxon.

Judas Priest actuaron como invitados especiales en el primer festival de Donington Castle (1980). En aquel momento, la banda adoptó bruscamente un sonido más comercial: los viejos fans se sintieron traicionados, pero tanto ‘Point of entry’ como ‘Screaming for vengeance’ se vendieron mucho. La explosión del heavy metal “made in USA” los cogió por sorpresa, así como a la mayoría de las bandas inglesas. Incapaces de renovarse a fondo y confiando su suerte a la primitiva energía de sus comienzos, se inclinaron hacia un sonido más atractivo, pero el público, completamente subyugado por el glam rock y el pop metal estadounidense, traicionó a Judas Priest cuando salió ‘Defenders of the faith’, su álbum de 1984.

El disco estaba bien ejecutado, y aún mejor grabado, y la gira de promoción difundió la imagen del gran Metallion, una especie de felino de acero que domina el escenario. Hasta dos años después no se volvió a hablar de ellos; en 1986 apareció ‘Turbo’, producido también por Tom Allom, quien parecía interesado en empujar a la banda hacia sonidos más suaves desde el punto de vista rítmico. Judas Priest parecían estar acabados, incapaces de volver a los niveles poéticos de ‘Sad wings’ o a la potencia expresiva que tenían a fines de los setenta. Sin embargo, en directo, interpretando sus temas más espectaculares y míticos, todavía eran apreciados. Ello justificaba la publicación de ‘Priest live’, un doble álbum que contiene lo mejor del repertorio en directo de la banda de Birmingham; un trabajo frío, técnicamente impresionante, que, aún estando bastante por encima de la media, no logró convencer.

‘Ram it down’, un álbum más sofisticado y agradable que los anteriores, pero todavía por debajo del nivel que el quinteto solía ofrecer, tampoco aclaró su futuro. 

Arturo Canto Rebora
Arturo Canto Rebora

Arturo Canto Rebora

 

 

Manowar

Manowar nació en los años 80 en Ayburn, New York. Los miembros originales de la banda fueron: ERIC ADAMS (Cantante) nacido en NY, el y Joey eran amigos desde la época del colegio. Empezó a cantar muy pronto (a los 10 años) y es uno de los grandes cantantes del Heavy Metal en la actualidad, tiene una voz muy poderosa y armónica. Además de cantar es el encargado de las finanzas del grupo. JOEY DE MAIO (Bajo) Empezó a tocar el bajo en la escuela, aunque su primera banda de éxito (Y esperemos que la única) ha sido Manowar. Trabajo en la gira del Heaven and Hell de Black Sabbath, pero como tecnico de iluminación. Es el creador de la mayoría de las canciones. ROSS “THE BOSS” FRIEDMAN (Guitarra) de origen Australiano, se traslado a N.Y y toco la guitarra en el grupo The Dictators a partir de 1975,después se trasladó a Francia y durante un año toco en Shaking Street. En la gira del Heaven And Hell de Black Sabbath actuo su grupo de teloneros y ahí fue donde conoció a Joey. KARL KENNEDY (Batería), no se nada acerca de él. Pero esta formación no duro mucho tiempo, ya que Karl Kennedy que había ingresado en el grupo a través de un anuncio en el periódico dejo la banda enseguida, y su lugar lo ocupo un batería de origen polaco llamado DONNIE HAMZIK, que tampoco duró demasiado, ya que solo estuvo hasta 1983, aunque fue el tiempo necesario para grabar el primer álbum Battle Hymns El nuevo batería fue SCOTT COLUMBUS, que trabajaba en una tienda de fontanería en N.Y. Abandonó la banda en 1991, debido a que su hijo estaba gravemente enfermo, afortunadamente mejoró y volvió de nuevo a la banda. En 1988 Ros deja la banda y es sustituido por DAVE SHANKLE, que había tocado en el grupo Vengance, y fue elegido entre 150 guitarristas para sustituir a Ross. Eric Y Joey le conocieron en Chicago mientras grababan Kings Of Metal. En 1992 RHINO se une a la banda para sustituir a Scott (Que afortunadamente ya volvió) y KARL LOGAN lo hace en 1994 para sustituir a Dave Shankle. Un incesante ritmo de giras unido a una serie de brutales publicaciones han hecho que MANOWAR sean tan grandes que fácilmente podría existir un vídeo juego basado en ellos. MANOWAR tiene en Europa miles y miles de fans. En 1982 sacaron su primer CD Battle Hymns, rompieron con todas las fronteras pero por la falta de interés de los EE.UU les llevo a cambiar de compañía en 1983 firmando el contrato de Into Glory Ride con su propia sangre. En 1984 sacaron dos muy buenos discos, Hail to England y Sign of the Hammer promocionandoles con 2 años y medio de conciertos para reforzar la idea de que se tenía ya de MANOWAR en Europa. En 1987 entraron el libro Guinness de los records por ser el grupo que tocó a mas decibelios, esto fue en el tour Espectacle of Migth. Volvieron de nuevo a cambiar de sello discográfico y entonces publicaron los discos que les empezaron a reportar fama en los EE.UU Figthing the World y Kings of Metal, de ahí el sobrenombre que entre ellos mismos y los fans se les adjudico REYES DEL METAL, por ser los mejores y que nadie amaría tanto al metal como ellos lo aman. En 1992 sacan el fantástico Triumph of Steel, estuvieron unos años sin compañía y sacaron uno de los mejores discos de la historia de MANOWAR, el Louder than Hell, del cual hicieron su gira Hell on Wheels y sacaron su vídeo Hell on Earth que dicho sea de paso es mortal y os lo recomiendo a todos/as, muchas imágenes de la gira, actuaciones, y hasta salen los payasos de Telemadrid¡¡ El estilo de MANOWAR siempre ha estado influenciado por la música de Black Sabbath y Ozzy Osbourne, y en las letras ha estado por las historias de Vikingos, Magos y Guerreros. Las canciones de MANOWAR giran sobre estos temas: Magos, Guerreros, Héroes, etc…. Battle Hymns, Dark Avenger, Secrets of Steel, Gates of Valhala, March for Revenge, Revelation, Blood of my Enemies, Each Dawn I Die, Kill with Power, Hail to England, Bridge to Death, Sign of the Hammer, Black Wind Fire and Steel, Hail and Kill, etc…. Lo cojonudo que es ser de MANOWAR y de como molan sus componentes: Metal Warriors, Kings of Metal, Manowar, Figthing the World, Black Arrows, Wheels of Fire, etc……. Sobre los fanáticos del verdadero metal, nosotros los Fans: Army of Immortals, Carry On, Blood of the Kings, entre otros

Arturo Canto Rebora
Arturo Canto Rebora
Arturo Canto Rebora.

 

I WANNA ROCK / TWISTED SISTER

“I Wanna Rock” es una canción de la banda estadounidense de Hard Rock Twisted Sister,que fue lanzada como single en el año 1984. Esta canción fue todo un éxito en las listas de Heavy Metal y quedó en el soundtrack de la década d elos 80’s.

La canción fue incluída en el disco Stay Hungry, que fue el tercer trabajo musical de esta banda oriunda de Nueva York y a la vez se conviertió en su LP más famoso que los catapultó a la fama mundial con singles muy bien valorados por la crítica especializada.

Muchos periodistas y gente conmpun y corriente que se dedica a analizar piezas musicales caen en el cuento de que Twisted Sister sólo es conocida por la legendaria“We’re Not Gonna Take It” y clasifican a esos pelucones en la casilla de “One-Hit-Wonder” olvidando que hay otra canción que dejó a esta banda en la eternidad musical. Nos referimos a la inconfundible y potente melodía de “I Wanna Rock”.
Esta canción pertenece a la pluma del maquillado vocalista Dee Snider y se caracteriza por su simpleza musical apoyada de un potente coro que hace agitar las melenas hasta el suelo con mucha energía rockera.

Snider jugó con lo simple y sacó de su sombrero una canción para los amantes del Rock que sólo quieren vivir pegados a un riff y divertirse al máximo.
Es que “I Wanna Rock” fue un himno juvenil que llamaba a rebelarse contra la presión de los padres, el stress de la escuela, las leyes de convivencia y simplemente a ser uno mismo y disfrutar la vida como un adolescente explorador de sensaciones. Sólo de eso habla la letra, no se va en metáforas rebuscadas ni en imagenes psicodélicas porque estaban en los 80’s, una década marcada por cambios políticos y sociales en el mundo y la música tampoco tenía que estar alejado de eso.

Otro detalle que dejó a la banda como ícono de los 80’s, fueron sus irónicos videoclips de larga duración. Con “I Wanna Rock” repitieron la aclamada fórmula usada con “We’re Not Gonna Take It” y la promocionaron con un videoclip donde un niño se rebela ” en mala” contra sus profesores.
Este video promocional causó mucha polémica, especialmente en los grupos conservadores que criticaron y acusaron abiertamente a los Twisted Sister de incitar a los jóvenes a ser violentos contra sus profesores y a ser desordenados en la escuela. La polémica que do simplemente como un bache que fue rápidamente tapado con el éxito de la canción cuando entró al puesto #68 del Billboard Hot 100 y la rompía en los charts dedicados al Hard Rock.

Con el paso de los años, “I Wanna Rock” se convirtió en un hit de alto calibre, siendo utilizada en varios medios de comunicación y hasta en videojuegos.
El canal de televisión VH1 dejó a la canción en el puesto 17 de su lista Greatest Hard Rock Songs en el año 2009. Además forma parte del soundtrack del “angelical” (??) videojuego Grand Theft Auto: Vice City.

Arturo Canto Rebora
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Arturo Canto Rebora.

Heavy Metal

“I’ve watched the dogs of war enjoying their feast/I’ve seen the western world go down in the east/The food of love became the greed of our time/ But now I’m living on the profits of pride” Black Sabbath, “Hole in the Sky,” 1975

El Metal como estilo musical concreto emerge como forma prototipica con Black Sabbath, una banda de blues que se embarcó en una búsqueda hacia un rock más pesado y de caracter gótico para expresar el dolor de la vida moderna a traves de muchas metáforas. Su tendencia ocultista simboliza la vida en terminos de lo eterno y lo ideal, mientras su sonido oscuro y ambiental le daba significancia real e inmediata. La fusión resultante entre la generación bohemia y una raíz nihilista y mórbida dio origen a las primeras experiencias reconocidas como metal. Los que rechazaban a los hippies y tampoco hallaban consuelo y esperanza en el nuevo orden social imperante abrazaron esta nueva música y antiguos bohemios y ex hippies en todo el mundo comenzaron a encontrar nuevos caminos a traves de este sonido.

Arturo Canto Rebora
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Las influencias fueron muchas: el lamento sentido y duro del blues primitivo, el majestuoso sonido y estructura de las obras clásicas y la emergente cultura opuesta al rock pesado. Bandas como King Crimson, The Stooges, Cream, The Who y Jimmy Hendrix contribuyeron a que surgiera una necesidad de un sonido aun más rico y más abstracto en el rock duro. Black Sabbath se apartó del camino del rock clásico para componer lo que puede ser la primera muestra tangible de Metal, un tipo de canción técnicamente influyente debido al novedoso, por entonces, uso de las guitarras y las armonías y que iniciaría un género que ya lleva más de tres décadas de desarrollo y que hasta ahora no ha dejado de crecer y enriquecerse. Como nota aparte se puede agregar que un padre indirecto del Heavy Metal es el guitarrista gitano Django Reinhardt, quien solo tenia dos dedos en la mano que pulsa las cuerdas (fretboard hand), y que inspiró a Tony Iommi a continuar tocando a pesar de tener la mano dañada.

Habiendo nacido a partir del blues tradicional, el metal más antiguo se mantuvo siempre dentro de esos marcos, con una dualidad existente en Black S.

· Estilos: El desarrollo de estructuras de canciones no lineales gracias a la inclusión de elementos experimentales, el uso de acordes disonantes en forma cíclica –riffs- y estructuras rítmicas ambientales basadas en la repetición de segmentos hicieron que Black Sabbath adquiriera una dirección composicional propia que se separó rápidamente del tronco del hard rock tradicional derivado del blues y representado por Led Zeppelin y de paso sentó las bases de la esencia armónica del grunge, creó la sincronicidad rítmica del punk y, según algunos, incluso abrió la experimentación que llegaría a dar origen al noise, el ambient y el minimalismo progresivo. El período entre 1969 y 1977 fue el que recibió la mayor influencia del trabajo de esta banda inglesa, y esto cerró definitivamente el capítulo del rock hippie de mediados de los 60 dando paso al desarrollo de lo que hoy llamamos música heavy metal

Los estilos “falsos” del Heavy Metal

Para muchos el heavy metal es una forma de vida que hasta hoy sigue creciendo y desarrollándose. Incontables bandas han aportado nuevas posturas y visiones, y a pesar de que se trata de un estilo bastante coherente, nunca faltan los que lo pervierten y lo usan para lucrar. En este caso, a mi parecer existen tres subgéneros que han sido pervertidos y que no son lo que nos hacen creer que son.

Estos son los tres siguientes:

1.- Black Metal: derivado del verdadero black, aparecen miles de bandas que tratan de capturar el modelo nihilista tipo punk sublimándolo a una moda que tiene al demonio y a la iglesia católica como máximos protagonistas, algo bien diferente a lo que originalmente era el black metal y que además, musicalmente, abusa del modelo composicional que tradicionalmente se liga a este género, llevándolo a una simpleza tal que pareciera que cualquiera puede ser músico black. Ejemplos?? Bueno…. Black Death… y mil bandas mas que no es necesario nombrar.

2.- Doom Metal: lento, tortuoso, gótico en cuanto al obvio deseo de suicidio, es como música de funerales, la cual se basa bastante en la musicalidad del heavy, añadiendo un sentido casi eclesiástico que provoca una experiencia que para algunos es de éxtasis. Después seguiré hablando de este tema, ya que para mi el “doom” no existe como género.

3.- Power Metal: en dos palabras: lo peor. Porque el nombre Power Metal fue creado por las casas discográficas para vender a bandas de nivel discreto colgándose de la verdadera calidad de algunas otras que sí son poderosas. Últimamente se le llama tambien “metal épico”, y estamos infestados de grupos con cantantes sopranos, guitarras que abusan de las figuras de repetición y exceso de armonizaciones. En una palabra, canciones similares, faltas de fuerza y que, hoy por hoy, son la moda entre la juventud.

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Trash Metal

El thrash se desarrolló a finales de los ochenta, influyendo a otros subgéneros y bandas como y Possessed. Possessed es una de las primeras bandas que desarrollaron el género musical denominado death metal y publicaron una demo en 1984 con un thrash metal más oscuro y underground. Uno de los primeros ejemplos de este género musical son los clásicos Seven Churches de dicha banda y Bestial Devastation del grupo Sepultura ambos del año 1985. El disco del grupo Watchtower, Energetic Disassembly (1985) puso nuevos estándares a la composición técnica (que después sería llamado metal progresivo), influenciada por el jazz, que luego fue desarrollada por el grupo Coroner o bandas de technical death metal como Atheist o Cynic, así como los trabajos de la década de los noventa del grupo Death.2
También existieron grupos como Anthrax, Suicidal Tendencies y Hirax que agregaban aún más influencias hardcore punk al thrash tradicional, creando el llamado crossover thrash, la cual seria una base para la aparición del metalcore y del groove metal en los años 90.
Especial atención merece el thrash desarrollado en Alemania, bastante rápido y agresivo comparado con algunos de sus colegas norteamericanos. Bandas como Sodom y Destruction presentan una propuesta bastante oscura y maligna, que serviría de inspiración al posterior black metal; también bastante destacados son los “cerveceros” Tankard y el grupo Kreator, quienes con sus primeros trabajos demostrarón cruzar la línea del thrash metal, metiéndose más a un death metal old school. También destacaremos del thrash metal alemán a Deathrow un grupo que evolucionó a un thrash muy técnico.
En el año 1988 el género estaba saturado con muchísimas bandas. Este hecho no influyó a la hora de que varios discos posteriores fueran consierados “clásicos”. Forbidden, un grupo que apareció relativamente tarde en la escena de la Bay Area debutó con el aclamado tema “Forbidden Evil”. Testament fue también una banda muy importante que hizo un debut increíble con su álbum The Legacy También no se pueden olvidar los aportes de algunas bandas que si bien no tuvieron tanto éxito, pero que sus aportes ayudaron a la escena del momento.
La banda Vio-lence, por ejemplo, debuto con su aclamado álbum Eternal Nightmare que tenía también una clara influencia del crossover thrash. Sadus fue también una banda importante, que debuto con su álbum Illusions (Chemical Exposure), que tenía un sonido completamente diferente al de otras bandas, ya que combinaba el thrash metal con el death metal y el metal progresivo. Annihilator, una banda canadiense, debuto en 1989 con su álbum Alice in Hell. De la misma forma, el género se llenó igualmente de grupos que no aportaban nada al sonido del género musical, es decir, no lo hacían evolucionar. En los años 1990 este hecho y la aparición del nuevo género musical grunge hicieron que las empresas discográficas ya no se interesasen por la música de este género hasta que poco a poco fue casi olvidado.
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Resurgimiento
A partir del 2000 el thrash metal empezó a cobrar un poco de fuerza, después del olvido y descuido que sufrió en la década de los 90s. Bandas que se habían alejado del género empezaron a sacar discos de thrash metal como Kreator con Violent Revolution, Sodom con M-16, Destruction con All Hell Breaks Loose, Slayer con God Hates Us All, todos estos discos lanzados en 2001. Recientemente más bandas comenzaron a sacar álbumes de thrash metal como Megadeth con Endgame, Metallica con Death Magnetic, Death Angel con Killing Season, Exodus con The Atrocity Exhibition… Exhibit A, Testament con The Formation of Damnation, Overkill con Ironbound y Anthrax con Worship Music.
Bandas que se separaron en los 90s se reunieron, tal es el caso de Nuclear Assault, Mortal Sin, Evildead, Hirax, Toxik y Gammacide. Y lo que ayudo a un completo resurgimiento del thrash metal, es un movimiento que algunos llaman “New Wave of Thrash Metal” (Nueva Ola de Thrash Metal), que es la aparición de nuevas bandas como Warbringer, Evile, Municipal Waste, Toxic Holocaust, Gama Bomb, Enforcer, Violator, Bonded by Blood, Merciless Death, Fueled By Fire que al igual que los grupos de los 80s, se encargan de innovar el estilo del thrash metal, agregando su propio estilo.

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U2

Banda irlandesa de rock, una de las más populares desde finales de los ochenta. Liderada por Paul Hewson (1960), más conocido como Bono, la forman el guitarra David Evans (1961), conocido como The Edge, Adam Clayton (1960) y Larry Mullen Jr. (1961).

Los cuatro futuros miembros de U2 se conocieron en la escuela en el año 1977, donde formaron un grupo llamado Feedback, que comenzó haciendo versiones de los Beach Boys y de los Rolling Stones. El nombre del grupo cambió al de The Hype antes de adoptar definitivamente el de U2 y ganar un concurso de jóvenes talentos en Limerick, a finales de marzo de 1978.


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Por aquel entonces entraron en contacto con el que sería su manager a lo largo de esos años, Paul McGuiness. Su primer single, Out of control (1979), fue todo un éxito en las listas irlandesas, y comenzaron a ser considerados como una de las bandas más prometedoras del panorama irlandés, circunstancias que les llevaron a fichar por Island y a editar su primer elepé, Boy, en 1980, producido por Steve Lillywhite.

Después de su primera gira americana publicaron October, su segundo álbum, en 1981. El disco los encumbró hasta el top 20 en las listas, pero su consagración llegó con War, en 1983, que los catapultó definitivamente a la fama. El álbum contenía temas hoy clásicos como Sunday, bloody Sunday o New year’s day que alcanzaron el top 20 como singles. Después vendría una gira americana en olor de multitudes, de la cual se extrajo un mini-elepé y un vídeo.

Ya en 1984, Brian Eno y Daniel Lanois produjeron el nuevo trabajo del grupo, The unforgettable fire, que supuso un cambio de dirección en la trayectoria de U2 hacia un Rock A.O.R. (Adult Oriented Rock). El grupo entró con fuerza en las listas americanas gracias al single Pride. Desde entonces mantuvieron una carrera ascendente, sobre todo a partir de la publicación de The Joshua Tree en 1987 y del doble en directo Rattle and hum en el año 1988, que tuvieron gran impacto. El “sonido U2” era ya conocido en todo el mundo.

 

Para entrar en la nueva década, U2 lanzó Achtung Baby (1991), que supuso un nuevo giro en la carrera del grupo. Después de dos años de estudio, repartidos entre Dublín y Berlín, sus nuevas canciones resultaron mejor elaboradas en su grabación, con la adición de electrónica y ciertos aires de Hip-Hop y Dance. Zooropa, de 1993, prosiguió la misma línea iniciada en su anterior trabajo, y fue muy bien acogido por los seguidores, que llenaban los estadios de todo el mundo.

A principios de marzo de 1997 el grupo publicó Pop, con un primer single tituladoDiscotheque que mostraba las intenciones de U2 de retomar el rock de los setenta y la música de baile de la época, según confesarían ellos mismos. Tras este disco, U2 llevó a cabo uno de sus más ambiciosos proyectos en forma de gira. Se denominóPop Mart y fue realmente espectacular: grandes escenarios y pantallas gigantes de vídeo. Tras esta larga gira, el siguiente disco del grupo irlandés fue una recopilación llamada U2-Best of 1980-1990, donde se recogieron los mejores temas de sus diez primeros años.

Durante los últimos años de la década de los noventa la formación atravesó una mala racha creativa, pero la veteranía y el buen hacer musical de U2 encontró un merecido reconocimiento en la ceremonia de entrega de los premios Grammy 2000, donde el grupo irlandés se convirtió en uno de los grandes triunfadores de la gala con tres estatuillas: mejor canción (Beautiful day), mejor actuación y mejor grupo rock. Un año después, la banda liderada por Bono recibió cuatro nuevos premios Grammy por su trabajo All that you can´t leave behind: mejor disco rock, mejor sencillo (Walk on), mejor grupo pop y mejor interpretación pop.

En noviembre de 2002 salió a la venta un recopilatorio con 17 temas, dos de ellos inéditos, con el que la formación irlandesa hizo balance de su última década musical: The best of 1990-2000. En noviembre de 2004, precedida de una gran campaña publicitaria (incluidas noticias falsas sobre el robo de la maqueta y su difusión por Internet, o sobre un concierto sorpresa por las calles de Nueva York), se llevó a cabo la presentación del nuevo disco de la banda, How to dismantle an atomic bomb, un álbum más fuerte que los anteriores y en el que no faltaron también las canciones dedicadas a temas candentes de la actualidad del momento, como el SIDA en África o el drama de Jerusalén.

Este trabajo recibió en total siete Grammy, dos en 2005 por su canción Vertigo y cinco en 2006 por el álbum y por la canción Sometimes you can make it on your own. El 14 de marzo de 2005 el grupo tuvo el honor de entrar en el Salón de la Fama del Rock and Roll de Nueva York, en un acto que tuvo como maestro de ceremonias a Bruce Springsteen.

En diciembre de ese mismo año Amnistía Internacional eligió a U2 como “embajador de la conciencia 2005” por “ser, sin duda, el grupo que más ha hecho públicamente por la causa de los derechos humanos”. Además, la revista Time eligió a Bono (junto a Bill y Melinda Gates) Personaje del año 2005 por haber “seducido, presionado y extorsionado moralmente a los gobernantes de los países ricos hasta forzarlos a condonar 40.000 millones de dólares de deudas de los países pobres”.

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Led Zeppelin

Surgido a finales de los años 60 en el Reino Unido, la influencia del grupo Led Zeppelin es incalculable en la historia del rock. Su música trasciende cualquier etiqueta, incorporando a su base hard rock y a sus textos con rasgos místicos y mitológicos heterogéneos sonidos que tanto se inspiran en el blues como en el folk británico o en el funk.

El grupo deriva de la banda The Yardbirds. Cuando éstos decidieron separarse a finales de la década de los 60, dos de sus componentes, Jimmy Page y Chris Deja, decidieron proseguir con el proyecto en el verano de 1968 bajo el nombre de The New Yardbirds.

Jimmy Page (nacido el 9 de enero de 1944 en Heston, Middlesex) había sido un prestigioso músico de sesión antes de incorporarse a los Yardbirds para sustituir a Paul Samwell-Smith, participando en discos de numerosos grupos y solistas, entre ellos los Who,Dave Berry, los Herman’s Hermits, Donovan o los Kinks.

En varias de estas grabaciones había coincidido con el bajista y teclista John Paul Jones (nacido el 3 de enero de 1946 en Londres), otro experimentado músico de sesión y excelente arreglista con el que había tocado en el tema “Hurdy Gurdy Man”, una canción de Donovan en la que también aparecía a la batería John Bonham (nacido el 31 de mayo de 1947 en Redditch).

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Cuando Dreja abandonó el proyecto de los New Yardbirds para dedicarse profesionalmente a la fotografía, Page pensó inmediatamente en Jones para conformar una nueva banda añadiendo al dúo un cantante y un batería.

Los cantantes deseados eran Terry Reid o B. J. Wilson, el miembro deProcol Harum. Ambos desecharon la oferta pero Reid les recomendó a un joven y desconocido vocalista llamado Robert Plant (nacido el 20 de agosto de 1948 en West Bromwich), que había cantado en una banda denominada Hobbstweedle.

Plant era, al igual que Page, un gran amante del blues, pero también sentía predilección por los sonidos de la costa oeste americana, siendo sus grupos favoritos Love y Moby Grape.

El cuarto miembro de los New Yardbirds fue Bonham, su antiguo compañero en “Hurdy Gurdy Man” que había pasado por bandas como Crawling King Snakes o Band of Joy, y que también era íntimo amigo de Plant.

El cuarteto, representado por Peter Grant, debutó en directo en el mes de septiembre de 1968, cuando actuaron, por obligaciones contractuales previas, en la ciudad danesa de Copenhague.

Cuando regresaron a Inglaterra, Page decidió adoptar el nombre de Led Zeppelin recordando una frase de Keith Moon, cuando éste, planeando dejar a los Who y ante la posibilidad de formar un supergrupo junto a Page, Jeff Beck, John Paul Jones, Nicky Hopkins y el propio Moon, quinteto que había grabado el instrumental “Beck’s Bolero”, definía el destino de la banda con la sensación de ir montados en un globo de plomo.

Después de actuar con éxito en clubes británicos y girar con masiva afluencia de público por los Estados Unidos con Vanilla Fudge, el grupo publicó en Atlantic “Led Zeppelin” (1969), un extraordinario Lp debut grabado en treinta días y producido y arreglado por Jimmy Page, hecho que repetiría en todos los discos de la banda.

Su potente, épico muestrario de blues-rock, folk, psicodelia y hard rock conquistó a la audiencia gracias a temas como “Communication Breakdown”, “Dazed And Confused”, “Good Times Bad Times” o “Babe, I’m Gonna Leave You”.

“Led Zeppelin II” (1969) superó en ventas a su primer LP alcanzando el puesto número 1 en los Estados Unidos y en Gran Bretaña con temas como “Whole Lotta Love”, “Heartbreaker”, “Thank You” o “Ramble On”. Con este disco la vocalidad de Plant, los riffs e inventiva guitarrera de Page y la poderosa sección rítmica de Jones y Plant se convirtieron en espejo básico para multitud de conjuntos surgidos a su estela.led zeppelin albums discography

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En “Led Zeppelin III” (1970), disco con cortes clásicos como“Immigrant Song” o “Since I’ve Been Loving You”, la banda incidió más en sus raíces folk.

El álbum logró de nuevo subir a lo más alto de las mejores listas de ventas del mundo, como así hicieron todos los Lps de su carrera.

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Al mismo tiempo sus actitudes de rock star y sus sudorosos y multitudinarios conciertos fueron acrecentando su leyenda como indomables del rock. Se sucedían comportamientos violentos en los hoteles y relaciones salvajes con las groupies, siendo censurados en varios paises. Incluso Eva Von Zeppelin, la descendiente de Ferdinand Von Zeppelin, prohibió al grupo actuar en Dinamarca como Led Zeppelin, ya que según ella, el grupo de jóvenes músicos no eran más que “monos gritones”. Actuaron bajo el nombre de The Nods.

Aunque casi cualquier disco de Led Zeppelin resulta esencial (especialmente hasta 1975), “Led Zeppelin IV” (1971) es uno de sus trabajos más importantes y uno de los que mejor exponen su comunión entre hard rock, folk y blues.

El álbum incluye algunos de sus temas más conocidos, como “Black Dog”, “Rock and Roll” o “Stairway to heaven”.

“Houses of the holy” (1973) demostró la ecléctica capacidad de sus autores con retazos funk y reggae ensanchando su tradicional sonoridad. El LP les confirmaba, junto a los Rolling Stones, como la banda de rock más importante del planeta en los años 70.

Después de este LP el grupo formó el sello discográfico Swan Song. “Physical Graffiti” (1975) fue su debut en su propia compañía, un doble álbum más aventurado y experimental que otros trabajos en el que se incluyeron canciones como “Kashmir”, “Custard Pie” o “Trampled Under Foot”.

Esta magistral obra mostró de nuevo tanto su excepcional calidad como instrumentistas como su diversidad compositiva y búsqueda de nuevos espectros sonoros sin perder sus conocidas referencias.

El 4 de agosto de 1975 Robert Plant y su esposa Maureen Wilson, con quien se había casado en 1969, sufrieron un grave accidente de automóvil cuando se encontraban de vacaciones en la Isla de Rodas.

Este siniestro provocó la discontinuidad de las giras de la banda, que llenaba todos los recintos a los que acudía. Entre ellos el Madison Square Garden, actuación celebrada en verano del año 1973 que aparecería publicada en disco con el nombre de “The Songs Remains The Same” (1976) y en una película homónima.

El mismo año en el que apareció este directo, también publicaron “Presence” (1976), disco inferior a sus obras pretéritas que incurría en el tratamiento épico y progresivo en muchas de sus composiciones, entre ellas, “Achilles last stand” o “Nobody’s fault but mine”.

En 1977 falleció a causa de una infección estomacal Karac, el hijo de seis años de Robert Plant. Este lamentable suceso sumió en una profunda y larga depresión al rubio cantante y alejó durante una larga temporada al grupo de los escenarios.

Tras este inestable período, Led Zeppelin retornaron a las actuaciones en vivo y también al estudio de grabación publicando “In through the out door” (1979), diverso Lp que se convirtió en el último trabajo en estudio de la banda. El álbum, en donde daban cabida a trazos pop y sonidos de sintetizadores, incluían la pegadiza balada AOR “All my love” y la apertura rockera “In the evening”, en donde el gran Jimmy Page, personaje clave en la historia de la guitarra rock, volvía a dejarnos otro magistral riff para su ingente colección.

El 25 de septiembre de 1980 John Bonham falleció ahogado en su propio vómito en casa de Page tras una fuerte borrachera.

El hogar de Jimmy Page, situado junto al lago Ness, era la afamada mansión Boleskine, un edificio que había sido propiedad del ocultista Aleister Crowley, una figura enigmática que atrajo desde siempre al famoso guitarrista, no en vano Page decidió llamar al sello de la banda “Swang Song” por el apodo que se daba a sí mismo Crowley, Paramahansa, que significa “divino cisne”.

La desaparición de Bonham provocó la disolución definitiva de la banda, que publicaría de forma póstuma “Coda” (1982), un álbum que contenía material de archivo.

Tras la ruptura, Page y Plant estuvieron a punto de unirse a los miembros del grupo Yes, Alan White y Chris Squire, para formar la superbanda XYZ, pero finalmente el proyecto jamás se llevó a cabo, dando inicio ambos a sendas carreras en solitario.

Jimmy Page formó a mediados de los 80 el grupo The Firm, que incluía también al cantante de Free y Bad Company Paul Rodgers y al batería de Uriah Heep Chris Slade. Esta aventura solamente duró hasta 1986.

Por su parte Robert Plant debutó en solitario con “Pictures at eleven” (1983), disco en el que intervenían Phil Collins a la batería y el guitarrista Robbie Blunt, con el que Plant formó el grupo The Honeydrippers, en el que también terminarían colaborando Jimmy Page y Jeff Beck.

John Paul Jones había retomado su faceta de arreglista y productor hasta publicar su primer Lp como solista en 1999, “Zooma”.

Con posterioridad y alternando numerosos proyectos, los diversos miembros de Led Zeppelin se reencontrarían en diversas ocasiones, grabando Page & Plant discos como “No Quarter” (1994) o “Walking into Clarksdale” (1998), trabajos sin excesiva relevancia en su discografía.

El legado fundamental de Led Zeppelin fue expandido con recopilaciones y directos a lo largo de las siguientes décadas después de su disolución, como la compilación “Remasters” (1990) o los directos “BBC Sessions” (1997) o “How the west was won” (2003).

En el año 2007, Page, Plant y Jones, acompañados por el hijo de John Bonham, Jason, se reunieron para actuar en directo en noviembre recuperando el nombre de Led Zeppelin.

Tras conocerse esta reunión, el propio Jimmy Page, principal compositor del grupo, no descartó que la banda volviese a grabar nuevos temas.

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